• Arhiiv 16.09.2022

    PERSONA GRATA LIINA SUMERA

    Jüri Kass

    Liina Sumera augustis 2022.

    Helilooja Liina Sumera veedab kogu suve Lohusalu suvekodus, töötades päevast päeva muusika loomisega filmitriloogiale „Apteeker Melchior”. Suvekodus, mis kuulub tema abikaasa Tammo perele ja mille rajas juba 1960. aastal Tammo vanaema Mari Sumera, on varemgi tehtud pingelist loometööd. Ka Tammo isa Lepo Sumera on selles suvilas nii mõnegi teose kirjutanud. Samuti Mari Sumera — kes oli erialalt tekstiilikunstnik, töötas aastaid ERKIs masintikandi õpetajana ja Klementi õmblusvabrikus peakonstruktorina ning oli üks raamatu „Eesti rahvarõivad” kaasautoritest — konstrueeris rahvariiete lõikeid tihti Lohusalu suvekodus. Kuigi suvila on väike ja ilma elementaarsete mugavusteta, näiteks puudub veevärk, on sel paigal niivõrd hea aura, et see kompenseerib mugavuste vähesuse ja ruumipuuduse.

    Su vanemad on muusikud?
    Jah, olen muusikute peres üles kasvanud. Mõlemad vanemad mängisid heal tasemel klaverit. Ema keskendus hiljem rohkem muusikateadusele ja õpetas muusikakoolis muusikaajalugu. Seetõttu kõlas lisaks elavale muusikale kodus ka erinevatest žanritest muusika vinüülidelt, lintmakilt ja kassettidelt. Mäletan, et lapsena olid minu erilised lemmikud Bach ja Vivaldi. Muusika oli loomulik osa mu igapäevaelust; olin täiesti veendunud, et täiskasvanud oskavad iseenesest klaverit mängida, vaja on lihtsalt suureks saada.

    Sa alustasid heliloominguga juba põhikoolis?
    Alustasin Heino Elleri koolis klaveriõpingutega. Umbes kümneaastaselt hakkasin klaveril enda jaoks uusi kõlasid ja harmooniaid otsima. Järgnevused muutusid üha pikemaks — kui enam meelde ei jäänud, hakkasin neid ka noodivihikusse üles märkima. Mõnikord salvestasin oma „teosed” ka lintmakile. Võisin seda teha kaua aega järjest, see mõjus kuidagi teraapiliselt. Tol ajal ei osanud ma nimetada seda tegevust komponeerimiseks, lihtsalt tegin, sest meeldis.
    Mul ei olnud kodus häid harjutamisvõimalusi ja viiendas klassis vahetasin klaveri flöödi vastu. See on hea pisike pill, mida igale poole kaasa võtta.

    Aga peagi asutasid sa bändi nimega Crimson. Kas siit võib järeldada, et stiililt oli eeskujuks King Crimson?
    Bänd tuli keskkooli ajal. Stiililt oli see ikka pigem pehme, roki sugemetega popp. Mäletan, et tahtsime bändiga konkursile minna ja sellepärast oli meil vaja kiiresti nimi leida. Nime valimine oli keeruline, kellelgi bändi liikmetest polnud head ideed. Tahtsime seostada bändi punase värviga; miks, seda ma enam ei mäleta — crimson tähendabki ju karmiinpunast. Hiljem muutsime nime ära ja panime veel tobedama, Afterclap. See on see aeglaselt plaksutamine, et „nojah, olete, olete head, vähemalt enda arvates”. Mina kirjutasin muusika, laulsin ja mängisin klaverit. Bändi tegemine innustas mind oma häält koolitama. Mul õnnestus õppida Heino Elleri koolis lisaks flöödile LiisiKoiksoni juhendamisel ka pop-jazz-laulu. Ka huvi helitehnika vastu tuli bändi kaudu. Proovikas tuli mõnikord kogu tehnika ise ühendada. Tahtsin iseseisev olla, selle asemel et oodata abitult kedagi, kes kaableid ühendaks.

    Ja see huvi viis ka EMTAs helirežii eriala valikuni?
    Lõpetasin Elleri kooli flöödiga ja sain automaatselt EMTAsse flöödi erialale sisse. Kuid miski jäi kripeldama. Oli suvi ja sisseastumiseksamid akadeemiasse veel käisid. Märkasin elektronmuusika eriala, mis hõlmas heliloomingut ja režiid. Loobusin niisiis oma flöödikohast ja läksin uutele katsetele. Korraks tuli paanika, et kui nüüd siia sisse ei saa, siis jääb kogu kool ära. Õnneks ikkagi sain sisse. Esimesel aastal õppisimegi nii helirežiid kui ka kompositsiooni. Helena Tulve õpetas kaasaegset heliloomingut ning Margo Kõlar elektronmuusikat ja elektro­akustilist kompositsiooni. Teisel aastal tuli valida helirežii ja loomingu vahel. Olin tol ajal üsna kehvas majanduslikus seisus ja pidin kiiresti töö leidma. Heliloojana tundus elatise teenimine täiesti võimatu ja seetõttu valisin helirežii suuna.

    Teatrimaailmas tõusis kevadel teravalt esile nais- ja meeslavastajate teema. Kas tundsid helirežiid õppides, et naistesse ja meestesse suhtuti erinevalt?
    Üldiselt õppis 2009. aastal sel erialal vähe tüdrukuid. Meie kursusel oli neid neli, nüüd on vist rohkem. Kompositsioonimaailmas ma suhtumise erinevust ei tundnud, režiis ehk küll. Näiteks läksime ükskord praktikale teatrisse, kus oli kontserdiülekanne raadiosse. Poisid tookord ei tulnud, olime tüdrukutega neljakesi, ja siis küll küsis praktika juhendaja esimese asjana, et kus siis poisid on. Oli küll veidike selline suhtumine, et tüdrukud ei saa ju hakkama. Tehniliste küsimuste korral pöördutakse tavaliselt ikka meestarahva poole.

    Aga päris puhtalt kompositsiooni vastu sul huvi ei olnud?
    Vägagi oli. Aga hirm, et ma ei leia tööd, oli ka. Ma võtsin Helena Tulve juures kompositsioonitunde helirežiile lisaks. Tundides sain aru, et olen liiga kinni klassikalises muusikas. Ega selles polegi tegelikult midagi halba, aga mind hakkas üha rohkem huvitama nüüdismuusika. Nüüdismuusika võib uuele kuulajale tunduda veidra kiiksu-kääksuna ja ka mind ajas see alguses lausa naerma, sest mul puudus igasugune sellise muusika kuulamise kogemus. Aga ma hakkasin seda paremini mõistma tänu helitehnilisele solfedžole, mida andis tol ajal Siim Mäesalu. Me treenisime oma kõrva eristama erinevaid helisagedusi. Alguses oli päris keeruline neid sagedusi niiviisi kuulmise järgi ära arvata. Kuid mõne aja möödudes avastasin, et kuulen enda ümber palju rohkem helisid. See avardas mu kuulamiskogemust mitmel tasandil; oskasin massist helide kihte eristada. Ka muusika, eriti nüüdismuusika kuulamise kogemus muutus värvilisemaks.

    Nii et kaasaegset elektroonilist muusikat ei ole võimalik mõista ilma erialase ettevalmistuseta?
    Mitte päris; see oleneb kõige rohkem muusikast ja kuulamiskogemusest. Osa muusikat on küll hästi abstraktne, aga ütleb sulle ometigi kõik. Selles mõttes, jah, mingi ettevalmistus võiks vast olla, vähemalt soov muusikat mõista. Armastust, ilu ja valu saab väga mitut moodi väljendada.

    Kas transistorraadiost Klassikaraadio kuulamine on helilooja solvamine?
    Kuulamisel ja kuulamisel on vahe. Kui aga helilooja oleks oma teoste esitamise osas väga nõudlik, siis ei saakski suurteoseid raadiost lasta. Iseenesest on ju autoga sõites täitsa tore raadiost muusikat kuulata; minu meelest saab sealt lihtsalt infot selle kohta, millised teosed on olemas. Kui tekib mõne teose vastu suurem huvi, siis saab selle ju üles otsida ja hea tehnikaga päriselt kuulata. Üldiselt esitletakse uusi teoseid ikka kontserdisaalides. On ka muusikat, mida lihtsa raadioga ei saagi kuulata, näiteks surround’is teosed, mis eeldavad rohkem kui kahte kõlarit.

    Kas filmimuusikas toimub teadlik inimese tajudega manipuleerimine?
    Absoluutselt, selle peale mäng käibki. Sageli käib pildis üks asi, aga me tahame muusika kaudu sisendada vaatajale veel mingit teist infot või ta lausa valele teele juhtida.

    Kui sa lood muusikat, kas sa siis mängid selle endale ette või näed nooti juba oma peas?
    Mõnikord tean ma ette — küll ebamääraselt, aga tean, milline on tempo, meeleolu või helistik. Aga üldiselt pean ikka proovima, eriti koos pildiga. Filmi puhul mängin pildi taustal ideed läbi ja kohandan neid seni, kuni tundub hea.

    Aga kas võib öelda, et professionaal ei oota, kuni vaim peale tuleb, ega istu ka klaveri taha improviseerima, et äkki tuleb hea mõte?
    Improviseerimine oleks väga tore, kui vaid aega oleks. Üldiselt seda pole, tuleb lihtsalt teha. Filmide puhul on tihtilugu aega vähe ja tööd palju. Filmimuusika kirjutamine algab stseeni kontseptsiooni väljatöötamisest. Mõtlen selle all muusikalist plaani: kus peab tempo või meeleolu muusikas muutuma, kuhu on vaja anda aktsente ja kuhu välja jõuda. Olenevalt stseeni keerukusest võib ainuüksi juba see kõvasti aega võtta. Seejärel algab täpsem komponeerimine, kus loon virtuaalsete pillidega helinäidise ehk demo. Mida suurem muusikaline koosseis, seda kauem see aega võtab. Siis tuleb demo ära miksida, et see võimalikult hästi kõlaks. Filmi režissöör kuulab selle üle ja vajadusel teen muudatusi. Kui demo on heaks kiidetud, saan hakata sekventserprogrammi infost nooti tegema. Päevas jaksan kirjutada üks-kaks minutit muusikat. See number tundub väike, aga töömaht selle taga on väga suur. Niisiis pole mul aega ooda­ta, et inspiratsioon peale tuleks.

    Kuidas sa üldse filmimuusika juurde sattusid?
    Veel õpingute ajal võtsin osa ühest konkursist, mis toimus multimeedia konverentsi „Soundtrack Cologne” raames. Ühele kuueminutisele animafilmile tuli teha muusika ja helindus. Alustasin heliefektide loomisest. Mäletan, et käisin tänaval helisid salvestamas; palusin oma abikaasal ka paar korda autoga kaapsu tõmmata ja mõned korrad mikrofonist lähedalt mööda sõita. Kui heliefektid olid salvestatud, kohandasin need filmile. Seejärel lõin muusika. Nautisin seda protsessi, oli väga lõbus.

    Olin oma tööga parimate hulgas ja mind kutsuti lõplikule konkursile Kölni. Kohtusin seal paljude noorte andekate inimestega, kes kõik tegutsesid kas filmi või videomängude muusika vallas. Oma üllatuseks klappisin nende inimestega väga hästi ja meil oli paljust rääkida.
    Tulles tagasi oma konkursitöö juurde, siis selle eest sain eripreemia. See oli mulle esimene selle valdkonna verstapost. Ei läinudki palju aega mööda, kui sain oma esimese päris töö Eesti Noorsooteatri helitehnikuna. Vahur Keller otsis parasjagu oma lavastusele „20 000 ljööd vee all” heliloojat ja küsis minult, ega ma juhuslikult kedagi soovitada ei oska. Noore uljaspeana julgesin ennast välja pakkuda — olin ju muusika kirjutamisest salamisi unistanud. Saatsin talle mõned näidised oma tehtud töödest; õnneks talle meeldis ja niimoodi sain ka oma esimese originaalmuusika tellimuse lavastusele. Ju selles muusikas oli midagi filmilikku, sest juba järgmine suurem töö oligi filmiga „Supilinna salaselts”. Tagantjärele mõeldes tundub selline üleminek hullumeelsusena, aga juba siis mõtlesin, et kui ma nüüd kartma löön, siis ma ei arenegi edasi.

    Mis sulle teatritöö juures meeldib?
    Eelkõige meeldivad mulle inimesed, kellega me koos loome, ja sealne atmosfäär. Eriti maagiline on ühine hingamine, mis tekib koos lavastust tehes. Kui muusikast rääkida, siis päris lõbus on kirjutada sellist muusikat, mida ma ise muidu mitte kunagi ei kirjutaks. Olen saanud luua näiteks šoti sugemetega muusikat, tangosid, valsse, kirjutada rataslüürale, isegi didžeriduule. Lavastused annavad võimaluse proovida midagi uut ja avastada erinevaid žanreid.

    Kuidas sa teiste loodud teatri- või filmimuusikat kuulad? Kas vahel tekib tunne, et see ei haaku üldse sisuga?
    Kuulan alati suure huviga; nii põnev on teiste lahendusi kuulata. Kui muusika on väga hästi konteksti sobitatud, siis võin kuulamise isegi unustada. Mõnikord tundub muusika filmides tõesti liiga pealetükkiv või kisub lausa süžeest välja. Minu puhul juhtub see enamasti siis, kui muusika on loodud pigem kehvemapoolsete virtuaalsete instrumentidega. Eesti teatris on minu meelest muusika mõttes väga head ajad. Hea tase ja maitse. On palju huvitavat ja kaasaegset muusikat.

    „Apteeker Melchiori” tegevus toimub keskajal. Sa oled ka varem öelnud, et sulle väga meeldib keskaeg. Miks?
    Mingi täiesti seletamatu armastus. Muidugi ei tahaks ma ise sellel ajal elada, aga kaugelt vaadates on see huvitav ja eksootiline. Nii keskaegses ilmalikus kui ka sakraalmuusikas on minu meelest väga kihvt rütmika, mis tundub kohati lausa rokilikuna. Ju mind siis võlub see lihtsus ja siirus.

    Kas saab öelda, et mõned noodid on taevalikud ja mõned põrgulikud?
    Ajalooliselt on seostatud tritoone saatanaga, puhtad intervallid ja akordid on pigem headuse kõlaga. Tänapäeval pole muusika enam nii helikõrgusekeskne, vaid pigem tämbri ja kõlamasside põhine. Minu meelest on küll tämbreid, mis on kurjakuulutava kõlaga, näiteks külmad, jäised, metalsed helid.

    Kas sa alustad muusika loomist instrumendist lähtuvalt?
    Mõnikord alustan tõesti sooloinstrumendist, sest see inspireerib mind. Võtan näiteks rataslüüra kätte ja mängin. Kohe ka salvestan, otsin mikrofoni kaudu uusi huvitavaid helisid, siis töötlen neid natuke. Juba sellistest kõladest võib saada omaette teose. Enamasti on mul komponeerides aga peas mingi üldisem idee — et milline on tempo, emotsioon või helistik. Täpsem instrumentatsioon selgub teose loomise käigus.

    Kas said muusika kaudu luua „Mel­chiorile” oma keskaja või ikka režissöör Elmo Nüganeni oma?
    Sain ikka oma maailma luua; tegin nii, nagu mulle õige tundus. Minu peamiseks ülesandeks on anda vaatajatele edasi õige emotsioon. Tegelikult pole vahet, milliste vahenditega ma seda teen. On ka keskajateemalisi filme, mille muusika on elektrooniline, kuid kui tunnetus ja emotsioon on õige, siis selline asi ei häiri. Filmis on peaaegu kõik lubatud. Autentset, ajastutruud muusikat kohtab filmides tänapäeval pigem harva ja pigem sellistes stseenides, kus filmitegelased kuulevad tegelikku kohapealset muusikat. Keskajateemalises filmis võib selline stseen olla näiteks mõni pidu, kaasaegsemas näiteks raadiost kostuv muusika. Elmo peamiseks sooviks „Melchiori” puhul oli see, et filmis oleksid mõningad korduvad muusikalised teemad.

    Filmimuusika on lõputute kompromisside jada. Alati peab valmis olema selleks, et juba loodu tuleb osaliselt või tervikuna prügikasti visata. Olen õppinud oma muusikat väljastpoolt vaatama ja kuulama ning suhtuma sellesse kui millessegi funktsionaalsesse. Režissöör annab hinnangu siis, kui ta kuuleb muusikat; muusika muudab ju filmi üldpilti väga palju. Vahel soovib ta mängida teistsuguse emotsiooni peale. Mina kirjutan ju muusikat filmirea järgi, režissöör on aga filmi sees olnud aastaid. Seega ei saa ma teada, millised kihid tal kõik mõttes on settinud.

    Su viimane töö oli Rakvere teatri suvelavastus „Robin Hood”.
    „Robin Hood” pidi juba eelmisel suvel esietenduma, kuid kõigile teada olevatel põhjustel lükkus see edasi. Sellesse suvesse mul suurlavastus enam käimas olevate tööde tõttu ei mahtunud ja pidin kahjuks loobuma. Kuna olin üle-eelmisel kevadel „Robin Hoodile” ühe laulu juba peaaegu valmis kirjutanud, tekkis lavastajal Taavi Tõnissonil mõte, et äkki ma ikka kirjutaksin selle laulu lõpuni ja teeksin veel teisegi. Ülejäänud muusika on loonud Vootele Ruusmaa.

    Kas lähed nüüd tagasi Noorsooteatrisse helitehnikuks?
    Väga hea küsimus. Olen selle peale palju mõelnud ja mul on veel natuke aega otsustada. Enne tütre sündi jõudsin mitmel rindel rabada, aga praegu enam nii palju teha ei jõua. Pean hoolega mõtlema, et mida ja kui palju. Naljakal kombel olen taas valiku ees, et kas looming või helirežii.

    Kas uute loominguliste väljakutsete hulgas võiks olla ka kontsertmuusika?
    Ma tahaksin väga rohkem kontsertmuusikat kirjutada, olen alati tahtnud. Mõnikord on mul tunne, et tahaksin lihtsalt pöörast muusikat kirjutada. Eks näis, milliseid võimalusi elu toob.

    Vestelnud KAJA KANN ja MADIS KOLK

    Liina Sumera augustis 2022.
    Harri Rospu fotod

  • Arhiiv 14.09.2022

    PÕLVEST PÕLVE

    Jüri Kass

    Renate Keerd ja Enn Keerd augustis 2022.

    Renate Keerd (R. K.): Meie telefonivestlused algavad enamajaolt minu küsimusega „Tsau, mis möllad?” ja siis sa naerad mahlaka südametäie või siis vahel alustad juttu hoopis ennetava hõikega: „Et mis ma möllan, jah?!” ning seejärel arutame maailma asju ikka pikalt ja laialt. Ma ei hakkakski traditsiooni murdma ja küsin ka praegu alustuseks: „Mis möllad?”

    Enn Keerd (E. K.): Mis ma siin möllan, kütan meile õhtuks tünni.

    R. K.: Ma laotan meile teki siia murule, kas sobib, kui pikutame ja räägime siin?

    E. K.: Sobib-sobib.

    R. K.: Jube imelik on selle diktofoniga…

    E. K.: …eks ta muidugi on.

    R. K.: Aga proovime, hakkame siis kohe karmauhti pihta ja vaatame, kuhu välja jõuame.

    E. K.: No proovime, aga ma pean tünnil silma peal hoidma.

    R. K.: Mõtlen siin, et kui linnakodus näen sind valdavalt lugemas, siis suvekodus sa jälle muudkui toimetad. Siin saad oma sisemise maalooma valla päästa. Aga kuidas sa üldse puhkad ja laed ennast?

    E. K.: Ma ei teagi, kas lugemine on puhkus, see on pigem selline vajadus, ma tõesti ei oska ilma lugemata üldse olla. Kui see nüüd mingil põhjusel ära võetaks, oleks küll päris karm (jääb mõttesse). Siin loen ka vähemalt tund-kaks päevas kindlasti, selle aja ikka leian. Kuigi jah, siin on kogu aeg midagi teha. Pikk tööde nimekiri on kogu aeg kuklas. Mis on ka muidugi omamoodi puhkus, aga on ka töid, mis lihtsalt tuleb ära teha.

    R. K.: Aga kuidas sul see meeletu luge­mishuvi tekkis?

    E. K.: Ma ei tea, kas lapsepõlves õhtune muinasjuttude ettelugemine või… Ma ei mäletagi, mis see esimene impulss võis olla, aga kindlasti mängis olulist rolli ka see, et raamatukogu oli siinsamas käeulatuses.

    R. K.: Nojaa, aga see on ju valikute küsimus. Paljudel on raamatukogu käeulatuses, aga nad lähevad sealt laia kaarega mööda.

    E. K.: Aga seda ei saagi kuidagi määratleda, kuidas see tekkinud on. Juba noorest peast sai tõesti palju loetud, aga lavakasse jõudes sain aru, et mu lugemus oli küll suur, kuid suhteliselt kaootiline. Kuigi kooli kirjandusõpetajad olid väga head, sai just lavakas see lugemine kindlama suuna. Eriti just koos kõigi muude õppeainetega — kirjandusloo ja kunstiajalooga. Lavakool oli mulle ikka väga suur üldkultuuriline maitsekoolitus.

    R. K.: Sa oled ka meeletu ajaloofanaatik ja peaaegu nagu elav entsüklopeedia. Kust sinu ajaloohuvi üldse välja kasvas?

    E. K.: See lihtsalt on minuga lapsepõlvest saati kaasas käinud, see asjadest aru saamise vajadus.

    R. K.: Kas sul seda tunnet ei tekkinud, et tahaks hoopis ajalugu õppima minna?

    E. K.: Ikka, muidugi, see oli mul teine valik. Aga lavakas olid varem eksamid.

    R. K.: Mida siis täpsemalt?

    E. K.: Ma oleksin tahtnud arheoloogiat õppida.

    R. K.: Arheoloogiat?!

    E. K.: Jah, aga ma kardan, et see oleks päädinud sellega, et kõige muu kõrval oleks pidanud õppima 5–6 aastat mingit kommunistlikku saasta ja seda pärast teistele õpetama. Palju üldse oleks muuks võimalust olnud? Eks see arheoloogia oli selline soovunelm, aga tegelikult ma ju ei tea, kuhu see oleks viinud.

    R. K.: Kas sind huvitas siis reaalselt asjade väljakaevamine?

    E. K.: Nojaa, juba lapsepõlves kaevasin kõik kraavikaldad üles, lihtsalt et leida mingeid vanu asju ja uurida, kust need pärinevad. Ma arvan, et sinagi oled pärinud selle kire tuhnida mingites vanades asjades. (Naerame mõlemad.)

    R. K.: Mina? Kus ma tuhnin?

    E. K.: No pööningul. Leiad isa vana päeviku.

    R. K.: Tõsi jah, nii oli. Kusjuures see on mul siiani alles, sinu esimese klassi päevik. Tundus väga arhailine ja märkimisväärne leid. Tõesti, minu lapsepõlves oli seal Himmaste pööningul ikka väga palju põnevat.

    E. K.: Lapsepõlves oli pööning ju põhiline salapärane koht, kus käia. Ka sõprade ja tuttavate pööningutel sai kolamas käidud ja ikka igasuguseid imeasju leitud. Isegi padruneid leidsime. Sõda polnud ju toimunud üldse eriti kaua aega tagasi. Minu sünnist ju kümme aastat ainult.

    R. K.: Niimoodi polegi ma seda teadvustanud…

    E. K.: Jah… Aga kui ajaloost üldisemalt rääkida, siis ajalugu saab ju mitmeti näha. Ei ole paremat näidet kui jüriöö ülestõus. On olemas akadeemiline seisukoht ja siis on olemas Juhan Luiga seisukoht, kes näeb seda absoluutselt teistmoodi. See ongi pööraselt põnev, kuidas kõike saab nii erinevalt vaadelda ja tõlgendada.

    R. K.: Aga teatrilembus? Hakkasin nüüd mõtlema, et ega me polegi rääkinud, kuidas see sul üldse alguse sai. Sa elasid ju Himmaste külakeses Taevaskoja juures. Mis seal üldse oli ja mida ei olnud?

    E. K.: Ega seal mingit suurt kokkupuudet teatriga olnudki. Ma olin ikka täiesti maalaps. Meie teater oli ujumine, metsas käimine, jalgpall, kalalkäik. Ahja jõgi oli meie kalameka, veetsime seal tunde.

    Aga meenub reedene teatriõhtu, teleteater. Vanasti võeti enam-vähem kõik lavastused üles ja näidati teles. Neid ma ikka vaatasin. Ja algkooli päevil käisime päris tihti Intsikurmus mingitel vabaõhuetendustel. Ju need mingid rahvateatrid olid. Hüppasime kolhoosi keskuse juures kastiauto peale ja…

    R. K.: Kastiauto?

    E. K.: Jah, tavalise veoauto. Enamasti oli see parajalt ülerahvastatud. Aga see pole veel midagi; Endlasse tööle tulles vanemad näitlejad ikka rääkisid — kui nooremad kaeblesid, et buss ajab vingu sisse —, et nemad omal ajal käisid kastiautoga ringreisil, et mis praegu viga.

    R. K.: Ah ringreisil veoautoga?

    E. K.: Jajah, trupp sõitis etendusi mängima veoautoga. Ma ei tea, kas seal oli mingi palakas ka peal, aga niimoodi olla sõidetud, vähemalt nii nad rääkisid.

    Aga n-ö päris teatriga puutusin ikkagi kokku Vanemuises, keskkooli ajal. Kooli ajal sai küll niisama komejanti ja paroodiaid tehtud, see oli kuidagi elementaarne, veres.

    R. K.: Aga kas sa suudad fikseerida, mis oli sinu jaoks selline esimene totaalne raputus teatrivallas?

    E. K.: See oli ülikoolis — Toominga „Põrgupõhja uus Vanapagan”. Tõeliselt mõjuv tükk oli see ikka! See oli vapustav elamus.

    R. K.: Aga mis seal vapustas, mäletad?

    E. K.: Seal oli kõik mingis sünergias: lavakujundus oli kuidagi kosmiline, mängustiil väga erinev realistlikust mängulaadist, ja see muusika… Kõik oli nagu põhja keeratud, värve seal kokku ei hoitud. Võib-olla praegu enam üldse ei hindaks seda, aga omal ajal oli ta nii teistmoodi… Kogu tervik oli igatahes võimas, ega muud sõna olegi.

    R. K.: Läksid lavakooli otse pärast keskkooli, Kaarin Raidi kursusele. Kas mäletad tema mingit konkreetset õpetust või kreedot, mis sind kuidagi saatma on jäänud?

    E. K.: Ma ei oska öelda, kas just kreedo, aga talle oli ääretult tähtis mingi tõetunne või orgaanika. Ta ise õpetas ja oskas intuitiivselt väga hästi eraldada võltsi…, selline esmane orgaanika oli talle kohutavalt tähtis.

    Mulle väga meeldis tema töötamise stiil. See oli pehme ja leebe, vahel ka humoorikas. Kui me lollusi tegime, ega ta ei hoidnud end siis ka väga tagasi, naeris ja muigas. Aga see ei olnud kunagi solvav. Ta ei halvustanud kunagi kedagi, ta oli väga delikaatne. Selles mõttes oli meil ikka kerge; ma ei kujuta ette, kui oleks sattunud kellegi juurde, kes oleks sind isiksusena kuidagi…

    R. K.: …lõhkunud?

    E. K.: Jah.

    R. K.: Kursusejuhendajast sõltub ikka väga palju.

    E. K.: Absoluutselt.

    R. K.: Miks sa just Pärnu Endla oma koduteatriks valisid?

    E. K.: Esiteks, see oli kõige ligemal Lätile, mis oli su emale Agitale väga oluline argument. Kaarin Raid ütles ka, et kui Pärnu kutsub, mine kindlasti, et Pärnu on kihvt ja et tema on Pärnu patrioot. Ingo Normet oli siin ikka väga võimekas peanäitejuht ja Endla oli üldse väga heas kirjas. Mäletan, kuidas Ingo küsis, et kas olen juba otsustanud ja kuidas linn tundub. Ega see linn mulle erilist muljet ei olnud avaldanud. Siis Ingo ütles: „Tead, käi mere ääres ära.” Näitas veel tee kätte ja lisas, et pärast räägime edasi. Ja siis ma sain aru… Kui poolteist tundi hiljem uuesti kohtusime, siis ütlesin, et jah, ma tahan siia tulla.

    R. K.: Meri rääkis su ära.

    E. K.: Jah, kõik need pargid, see eriline mereõhk ja meri ise. Kõik see lumm oli ikka täielik.

    Aga kui Normetist rääkida, siis üks asi on see, et ta oli väga hea lavastaja, aga oluline oli ka tema hariv või valgustuslik missioon. Ta tiris meid pidevalt Moskvasse ja Peterburi etendustele ja viis meid oma tuttavate kunstikogujate juurde keelatud maale vaatama.

    R. K.: Keelatud maale?

    E. K.: Jah, kunstnikke, kes olid nõukogude ajal põlu all, Kandinsky ja Malevitš näiteks. Lisaks ta ju veel organiseeris oma tükkide esitusi nii Peterburis kui Moskvas. Neil teatrireisidel nägime nii palju, toona õnnestus ju see Võssotski Hamletki ära näha.

    R. K.: Atsaa, ja kuidas siis oli?!

    E. K.: Kuidas ma nüüd ütlen… Selline hästi emotsionaalne, minu jaoks natuke liiga lärmav ja liiga emotsionaalne ehk, praktiliselt karjuvates toonides. Pärast Eestis nägin Viidingu kehastatud Hamletit, kes minu meelest oli palju sümpaatsem.

    R. K.: Nojah, aga selle kurioosumi said vähemalt ära näha.

    E. K.: Seda küll, jah. Einoh, ikka selline moodne teater, väga uuenduslik, Hamlet teksapükstes ja kitarriga. (Naerame.) Ljubimov veel lavastas, Tagankal.

    Ja Ingo algatas ju ka sellise loengusarja, mis tol ajal oli ainulaadne. Meil käis kuus korra ikka väga põnevaid kujusid: Lennart Meri, Peeter Tulviste, Georg Meri, Runnel, Vahing, kõik ei tulegi kohe meelde. Tutvusringkond oli tal ikka meeletult lai. Nii et Ingo oli, jah, selline rahvavalgustaja.

    R. K.: Väga kihvt, seda ma üldse ei teadnud. See kõlab nagu praegu oli Von Krahli Akadeemia.

    Ent algusaastatest rääkides — kas ma mäletan õigesti, et sa töötasid noore näitlejana mingi aja ka lavamehena?

    E. K.: Jah, ligi kümme aastat. See oli toona mu vaba valik, lisa teenimise eesmärgil. Ega see kerge olnud ja paljud polnud nõus seda tegema, mõnele käis see ehk ka väärikuse pihta. Mind kutsus Peeter Kard, kes lisaks sellele, et ta oli väga muhe inimene, oli ka väga hinnatud ja kogenud näitleja. Tema oli seda juba mõnda aega teinud; ta oli sel ajal umbes 38-aastane, mis toona tundus ikka väga soliidne vanus juba.

    R. K.: Kuidas see töö praktikas välja nägi?

    E. K.: Kui oli väljasõiduetendus, siis tuli palju varem kohale minna, dekoratsioonid auto peale tõsta ja etenduskohta sõita, kohale jõudes see kõik maha laadida ja lava üles ehitada, siis tükk ära mängida ja pärast etendust, kui teised sõitsid bussiga kenasti koju, lava maha võtta, dekoratsioonid auto peale laadida ja Pärnusse sõita ja siis jälle kõik maha laadida. Koju sai tunduvalt hiljem kui normaalsed inimesed, isegi busse ei käinud enam. Aga see oli ikka arvestatav palgalisa, üks kolmandik palgast tuli juurde.

    R. K.: See on selline asi, mida praegused noored ei kujutaks ettegi.

    E. K.: Siis olid teised ajad. Alati tegin mingeid lisatöid; küll olen peete kasvatanud, küll võsa raiunud.

    R. K.: Võsa raiunud, kus?

    E. K.: Audru kandis. Anti aga kirves kätte, kraave puhastamas käisin. Igasugused kooliteatrite ja stuudiote juhendamised tulid juba hiljem. Agita tegi ju samamoodi lisatöid, küll juhtis ekskursioone, küll tegi õpilasmalevat.

    R. K.: Siit jõuamegi Agita, sinu abikaasa ja minu ema juurde, kellel oli soov Läti piirile lähemale saada, tema on ju lätlanna. See teie kokkusaamise lugu on ka üle mõistuse ilus.

    E. K.: Ikka täiesti pöörane, jah.

    R. K.: Üks teie elu alustalasid, mis sai alguse juba keskkoolis.

    E. K.: Jah, see juhtus nii, et Agita isa, kes oli Koknese kooli direktor, ja minu kooli direktor Põlvas said kuskil Moskvas konverentsil tuttavaks. Ma ei teagi, kumb selle ettepaneku tegi, et teeks sõprusfestivali — vist isegi Agita isa ehk, kes pikas perspektiivis korjas ikka tuliseid süsa oma pea peale. (Naerab.)

    Kõigepealt käisid nemad oma kooliga festivalil Põlvas. Siis jäi tütarlaps mulle silma ja järgmisel aastal läksime meie sõprusfestivalile Koknesesse ja nii me…

    R. K.: …ja nii see festival nüüd kestab teil siiamaani!

    E. K.: Jah, festival kestab siiani. (Naerame.)

    R. K.: See on nüüd väga üldine küsimus, aga mis sind teatri juures paelub? Mulle nii väga sümpatiseerib see, et sa käid ka ise palju teatris.

    E. K.: Mulle lihtsalt meeldib teater. Aga tegemise koha pealt: üks asi on loominguline eneseteostus, aga ei saa alahinnata ka seda, et sind ümbritsevad sinuga sarnased inimesed. Mõnega saad paremini läbi, mõnega halvemini, ja on erinevad arusaamad teatrist, aga nad on ikkagi ühte tüüpi inimesed. Nad on ikkagi omad. Või kui on üks lavastustrupp, siis ükskõik kas sa oled seal sees näitlejana või lavastajana, see moodustab mõneks ajaks mingi ühtse terviku, mingi mikroorganismi, milles on tohutu vägi. See ikka väga seob.

    R. K.: See on nii äge, et teater sütitab sind siiamaani ja igas mõttes. Aga kas sa vahel ära ka väsid?

    E. K.: (Paus.) Einoh, kõigest väsib. Elust väsib ka ju… Eks ta ikka niimoodi lainetena käi: vahepeal väsid ja siis jälle tahad väga teha. Aga niimoodi pole veel väsinud, et üldse ei tahaks teha.

    R. K.: Aga oled sa siis…

    E. K.: …elu mõtte leidnud? (Naerame.)

    R. K.: Just, neid teemasid me ikka käsitleme: et kuhu sa praeguseks siis jõudnud oled?

    E. K.: Ütleme nii, et ma pole ise oma mõtlemisega selles vallas kuigi kaugele jõudnud, alati olen pidanud raamatud appi võtma. (Rõkkav naer.) Eks kõik teooriad ja uskumused ole täis vastuoksusi ja igaühel on mingi oma tõde seal, aga ega ma seda küll ei saa öelda, et see küsimus oleks nüüd saanud vastuse, et miks me siin oleme ja mis meid pärast ootab.

    R. K.: Aga mida sisetunne ütleb?

    E. K.: Sisetunne ütleb nii, et ma kardan eksida. Sisetunnet võib kujundada natuke ka soovmõtlemine, sest alati saab ju igast materjalist välja võtta selle, mis sulle sobib. Ega mingit garantiid ei ole, aga vähemalt mulle tundub, et me oleme osa mingist suuremast loomeprotsessist või on vähemalt potentsiaal, et meist saavad osalised selles loomeprotsessis. Et see inimese elu ei ole ainult ajalik viiv sünni ja surma vahel. Kõige lihtsam oleks öelda, et see mõte ongi ikkagi areng. Aga ega me ei tea, kuhu see areng välja viib.

    R. K.: Eks see olegi inimteadvusele lõpuni hoomamatu, lõpmatuse printsiip kui selline.

    E. K.: Jah, ja pealegi on see nii ääretult lai teema, et seda me praegu küll lahata ei jõua.

    R. K.: Tead, mul tuli praegu meelde, kuidas ema rääkis, et kui teil siin suvilas need suured hiired sisse murdsid ja kodu rüüstama hakkasid ja kui nad lõksu jäid, siis sina matsid iga hiire valge lina sisse mässitult maamulda ja panid igaühele kaasa kommi. See oli lihtsalt nii liigutav.

    E. K.: Jah, eks need lõksud olid ka alles viimane samm, aga no mis sa teed ära, miski muu ei mõjunud. Kommi või pähkli panin jah, või mis tal see viimane söömaaeg oli. See on elementaarne hauapanus. Nad toimetasid nii kavalalt, et ma alguses mõtlesin, et see on ainult üksainus seltsimees, kes mind niimoodi tillitab ja petab. Ta oli minu silmis juba geenius ja austusest selle geniaalse olendi vastu pidin ta vähemalt matma väärikalt. Aga hiljem selgus, et ta ei olnud ainukene taibukas, neid oli mitu, ja ega siis teiste suhtes saanud vähem lugupidav olla.

    R. K.: See on nii ilus. Kas võin selle sisse jätta?

    E. K.: Tee, nagu ise heaks arvad. (Karjatab.) Ma olen ikka täielik idioot!

    R. K.: Mis nüüd?!

    E. K.: (Joostes.) Unustasin uue laari puid alla panna, nii me kütame seda tõesti kümme tundi! (Jookseb puukuurist puid tooma.)

    R. K.: Kuule, aga see puukuur on küll sinu täielik pühamu!

    E. K.: Mis pühamu, see on pigem sinu kui kõrvaltvaataja arvamus, et ma seal nii palju aega veedan. Tegelikult on asi selles, et mulle meeldib, kui asjad on korras. Ja seal peab ka olema oma kord, kas või kõige elementaarsem, et värskemad puud peavad olema tagapool, kuivemad eespool.

    R. K.: See on ikka galerii mõõtu, ja kõik on paigas nagu kellavärk.

    E. K.: Ma pean ju teadma, kus mu tööriistad asuvad.

    Siinkohal avab ema, kes on meie vestluse ajal jõudnud käia linnas turul, osta lopsakaid juurikaid ja valmistada meie teadmata imelise hautise, majaukse ja hüüab sisendusjõuliselt: „Palun sööma!” Ja kuna ema sõna on püha, siis saab meie vestlus siinkohal puntki. Millest pole hullu, sest ilma diktofonita vestleme nagunii edasi ja tõtt-öelda, nagu hiljem selgub, on lubatud 15 000 tähemärgi asemel tähemärke üle 50 000, nii et tütar peab ette võtma suure „kääritöö”, mis üle mõistuse raskeks osutub. Aga tsiteerides tegelast isa lavastusest „Võikõllane üü”, mis on ühtlasi ka tema lemmiktsitaat, siis „Elu on, nagu tema on”.

    „Elu on, nagu tema on.”
    Harri Rospu fotod

    Üles kirjutanud RENATE KEERD

  • Arhiiv 13.09.2022

    Armastust, palju armastust!

    Jüri Kass

    TMK septembrinumbri kinoosa on pühendatud 30 aasta täitumisele järjepidevas eestikeelses filmihariduses. Sellest, kuidas 1992. aastal toonases Tallinna Pedagoogilises Instituudis kõik alguse sai, kirjutab lähemalt peda filmi ja video õppetooli asutaja, režissöör ja operaator Arvo Iho. Oma erialast lähtuva õppe tagamaid avavad kunstiteadlane Elvira Mutt, produtsent Anneli Ahven ning heli- ja dublaažirežissöör Tiina Andreas. BFMi tehnikaspetsialist Tõnu Talpsep meenutab filmiõppe ja tehnikapargi kujunemist alates 1997. aastast. Operaator ja BFMi filmikunsti dotsent Elen Lotman mõõdab andmedžunglis korda luues 30-aastase sünnipäevalapse tervisemustreid ja TMK kodulehel olevast fotonurgast leiab lugeja ka Eleni koostatud samateemalise pildialbumi.

    Avaveerg on sedapuhku erandlikult intervjuuvormis; Elen Lotman vestleb filmikunsti õppekava kauaaegse õppespetsialisti Ly Pulgaga, kes 2022. aasta juulis pensionile läks ja kellest tudengid ja õppejõud kõik ühtviisi suure soojusega räägivad. — D. T.

     

    Elen Lotman: Ma tean, kui tagasihoidlik inimene sa oled, aga tahan kohe alustuseks öelda (kuigi sa seda komplimenti vastu ei võta), et sina oled olnud enamuse Eesti filmitegijate jaoks juba ligi kaks aastakümmet eestikeelse filmihariduse tüvisammas. Seetõttu küsin, mida sa pead filmiõppe suurimateks saavutusteks?

    Ly Pulk: Jah, see „tüvisammas” kõlab liiga pretensioonikalt. Olen olnud tugitöötaja, nagu ülikoolis kõik õppespetsialistid. Toestanud ja valvanud, et õppetöö toimuks häireteta, et kõik toimiks normaalselt. Teinud igapäevaselt, mis vaja, mõnikord ka „tuld kustutanud”. Ja tõesti on nii, et mina aitasin vaid kaasa! Õppekava suurimaks saavutuseks pean neid arvukaid vilistlasi, kes eesti filmi nägu kujundavad. Süda laulab rõõmust, kui ekraanile tuleb järjekordne eesti film ja tiitrites nii palju meil õppinute nimesid! Hea on kuulda nende saavutustest, edust festivalidel, õpingute jätkamisest välismaal. Tore on lugeda välisgruppide arvamustest, et Eesti pakub professionaalset teenust.

    Meil on kogenud ja missioonitundega õppejõud, kes on teinud paljude aastate jooksul suure armastusega oma tööd. Oleme pidevalt püüdnud õppekava paremaks muuta. Jüri Sillart töötas selle nimel palju. Enne iga vastuvõttu arutasime, mida annaks paremaks teha. Tema suur töö oli magistriõppe ettevalmistus 2011. aastal. Kahjuks ei saanud Jüri selle vilju näha, kuna lahkus meie hulgast õppeaasta algul 2011. Kui õnnelik ta oleks Moonika Siimetsa, Triin Ruumeti, Kaur Koka, Marta Pulga, Sten Johan Lille, Hendrik Mägari jt saavutuste üle!

    Aga revolutsiooni meie filmikunsti õppekava arengus viisid läbi sina, Elen! Sinu töö erinevate Euroopa ja võimalik, et ka kaugemate filmikoolide õppekavade läbitöötamisel ja mõtestamisel tõi õppekava struktuuri põhjaliku muutuse. See on nüüd kompaktsem ja üliõpilased väga motiveeritud, eriti esimesel õppeaastal, mil sina viid läbi kahte kompleksset kursust: „Sissejuhatus filmikeele reeglitesse” ja „Filmi väljendusvahendid”. See on tõeliselt hea filmikunsti alusharidus ja tudengid oskavad seda kõrgelt hinnata. Oled pälvinud nende armastuse ja lugupidamise.

    Vahva, et on tekkinud uus erialamoodul „Filmikunstnikud”, mida asus juhatama tuntud filmikunstnik Eugen Tamberg.

    Praegune õppekava juht Veiko Vaatman jätkab õppekava arendamist.

     

    Mis on nende aastate jooksul olnud sinu meelest suurimad muutused?

    2006. aastal alustasime BFMis erialapõhist vastuvõttu (režissöörid, operaatorid, monteerijad, helioperaatorid ja produtsendid; stsenaristika lisandus 2010). See andis sisuliselt palju juurde erialasele õppele meistrite juhendamisel. Saime koos sellega toimivad filmigrupid ja mulle tundub, et see tingis ka filmide kvalitatiivse hüppe.

    Tohutult hea, et saime 2016. aastal tagasi nelja-aastase õppe. Selle lennu suurim saavutus oli German Golubi tudengi-Oscari film „Mu kallid laibad”. Nelja-aastane õpe on andnud võimaluse läbi viia erinevaid erialaseid töötube, teha lisaks veel dokumentaalfilmi ja ühe lühimängufilmi ning suures mahus erialapraktikat.

    Muutusi tõid kooliellu kaasa ka kõik kolimised. 2006. aasta suvel kolisime aadressilt Lai tänav 13 Sütiste teele. Laial tänaval oli meil vaid kaks väikest klassi ja üks tööruum. Seoses BFMi asutamisega 2005. aastal liitusime Concordia Ülikooli meedia üliõpilastega ja Sütiste tee majast sai meie ühine kodu. Seal olid klassiruumid, tööruumid ja kinosaal. Saime oma kasutusse Kotka tänava paviljoni, kus Sillart korraldas töötube ja filmiti tudengifilme. Algas koostöö lavakatega. Kõik see uus rõõmustas ja tiivustas.

    Teine kolimine toimus 2012. õppeaasta algul vast valminud BFMi hoonesse Tallinna Ülikooli kampuses. Võimsalt kasvas filmide tehniline baas, võrreldamatuks sellega, mis oli enne. Korralik tehnika klassides, filmipaviljon, helistuudio, kinosaal.

    Rõõmu tegi eestikeelse tasuta filmiõppe algus alates 2014. aasta vastuvõtust. Olen näinud pealt tudengite makseraskusi ja mõnel juhul ka andekate inimeste õpingute katkemist, nii et see oli tõeline kergendus. Olen väga selle poolt, et nii ka jääks, et kõigil oleks võrdsed võimalused haridusele.

    Mured on igapäevase töö osa, neid ei tohi üle tähtsustada. Minul segunesid töö- ja eraelu, ka unenäod olid valdavalt tööga seotud. Ärkasin mõnikord kell viis hommikul ja esimesena meenusid täitmata lubadused või tegemata tööd. Praegu olen kuu aega puhanud ja unenägude narratiiv on teisenenud.

    Tuska teeb erialameistrite tulemusteta võitlus väärilise palga eest. Nähes iga päev, millise missioonitundega nad oma tööd teevad, hoian pöialt, et nende püüdlusi krooniks edu.

    Ma ei suutnud leppida ülikooli otsusega muuta üldaineid. Meil oli aastaid üldainete hulgas sissejuhatus filosoofiasse, valikus ka väliskirjandus, sissejuhatus semiootikasse, teatriajalugu jpm. Äkki toimus totaalne muutus: üldainetena ELU (erialasid lõimiv uuendus) ja õppimine kommunikatsiooni- ja loomevaldkonnas. Minu silmis kahandas see tublisti akadeemilist haridust.

     

    Mis on selles ametis kõige rohkem rõõmu teinud?

    See, et on olnud võimalik lähedalt näha noorte loomingulist kasvamist. On olnud hea tunne, kui olen suutnud kellelegi eneseusku sisendada ja julgustada.

    Mitmetest vilistlastest on saanud suurepärased õppejõud: sina ise, Madli Lääne-Metsalu, Mart Raun, Veiko Vaatmann, Tanel Kadalipp, Tanel Toom, Vallo Toomla, Priit Pääsuke, Kaur Kokk. Tarmo Rajaleid on BFMi tehnikaboss ja Toomas Sääs tootmisjuht. Kas pole tore järjepidevus!

    Suur rõõm oli kursusest, kes nüüd lõpetas peaaegu in corpore (meil oli esmakordselt ka kuus cum laude’t). Tahan neid kiita üksteise toetamise eest, kedagi ei jäetud hätta! Mis kõige tähtsam, nende filmid olid nii eriilmelised, nad julgesid katsetada, eksperimenteerida! Režissöörid: sitked, töökad ja visad Teresa, Katariina, Alesja ja Raoul; neil on nii palju fantaasiat ja julgust! Kogu kursuse süda, pesamuna Merili, keda tänan meeldiva koostöö eest. Nimetada võiksin inimesi igalt erialalt ja palju. Selle kursuse tõin esile ka seetõttu, et nendega koos lõpetasin ka mina.

    Algusaastatel oli mul lihtne sisse elada, sest olin Sillartiga töötanud „Varastatud kohtumise” grupis ja Rein Maranit teadsin Eesti Telefilmist. Mitmete õppejõududega olin kokku puutunud Tallinnfilmis ja Televisioonis. Leidsin sõbra ja imelise inimese ka uute kolleegide hulgast, Tõnu Talpsepa. Ta on hea kõneisik, kirjutanud tähtpäevadel kauneid kirju BFMi naistele ja kõigi BFMi meeste osalusel naistepäevad eriliselt meeldejäävaks muutnud.

    Õppejõudude hulgas on värvikaid isiksusi, kellega iga kohtumine on puhas rõõm: Peeter Simm, Sirje Runge, Elvira Mutt, Peeter Linnap, Peeter Torop, Mait Mäekivi, Anneli Ahven, Tiina Andreas, Jaak Lõhmus, Ringo Ringvee jne. Hea kuulda, et tudengite hulgas on populaarsed õppejõud noored Andris Feldmanis ja Teet Teinemaa. Jätkugu neil tahet õpetada!

    Eesti filmi tuleviku eest kannavad hoolt erialameistrid Tiina Andreas, Anneli Ahven, Peeter Simm, Mait Mäekivi, Madli Lääne-Metsalu, Andris Feldmanis, Veiko Vaatmann ja sina, Elen. Nad aitavad ka leida praktikakohti, võtavad tudengeid assistentideks, kutsuvad vilistlasi kooli abiõpetajateks, tagasisidestama semestrifilme, osalema lõputööde ja vastuvõtu komisjonides. Abiõpetajatest tõstaksin esile Tõnis Pilli, Johanna Maria Paulsonit, Moonika Põdersalu, Andres Hallikut, Aleksandra Koeli, Anna Maria Jamsi, Markus Andreast ja ka Kaupo Kruusiauku.

    Nende kaheksateistkümne aasta jooksul ei olnud minu jaoks olemas karjääriredelit. Parim töö koolis oli algusest peale õppeassistendi töö, sest see oli nii lähedalt seotud tudengitega. Alati on nemad olnud esiplaanil. See andis minu tööle üldse eesmärgi ja mõtte.

    Võin kätt südamele pannes öelda, et olen püüdnud kõiki võrdselt kohelda. Aga nn valulapsed on rohkem tähelepanu saanud ja seetõttu meelde jäänud. Mõned tublid ja andekad inimesed on ise kõigega toime tulnud ja peaaegu märkamatult kooli lõpetanud. Suur anne muidugi ei jää märkamata. 2006. aasta kursusel oli režiitudeng Andrew Bond, kelle iga koolifilm oli erilise vaatenurga, julge ja vaba lähenemisega. Äkki katkestas Andrew õpingud, teatas, et tal on palju filmiideid ja plaane, mida hakkab ellu viima. Ma ei ole kahjuks temast enam midagi kuulnud… Kus sa oled, Andrew Bond, millega tegeled?

     

    Kas eestikeelne filmiharidus on sinu arvates praegu heal järjel? Kas tulevik on heleroosa või katavad seda tumedad pilved? Kas sa märkasid oma tööaastate jooksul ka mingeid muutusi tudengites, mis laseksid oletada, kuhu liigub eesti filmi tulevik?

    Arvan, et praegu on veel heal järjel. Loodan väga, et eriala valikainete kärped uues õppekavas, mida  sel kevadel olime sunnitud tegema, on ajutine nähtus ja et kõik taastub olude paranemisel. Erialaõppes ei tohiks kokkuhoiu nimel teha kompromisse, sest siis hakkab õpetamise kvaliteet kannatama. Võib-olla oleks hea rakendada need uued „rahvusvahelised mängud” süvitsi mineva filmihariduse adra ette. Mul ei ole mitte vähimatki rahvusvahelise koostöö vastu, aga see peaks kandma kõrgemat eesmärki, kui lihtsalt kulutada pakutavat raha.

    Muutused tudengites? Tundub, et üha rohkem tähtsustatakse tulemust, püütakse saada parimat hinnet. Täiesti mõistetav — sellest sõltuvad ju stipendiumid.

     

    Mida soovitaksid tulevastele filmiaia harijatele?

    Väga tähtis on, et jätkuks tasuta emakeelne filmiõpe. Et EFI leiaks jätkuvalt võimaluse rahastada tudengifilme ja et toimiks sõbralik koostöö. Piret Tibbo-Hudgins oli aastaid hinnatud stsenaristika õppejõud ja on praegugi lõputööde kaitsmiskomisjoni liige. Edith Sepp on olnud meil produktsiooni õppejõud. Usun, et Piret ja Edith toetavad mõlemad filmiõpet ja elavad meie tegemistele kaasa.

    Filmiõpet on viimasel ajal toetanud ka Nafta Films — pikk pai neile selle eest! Head sõbrad on meil Allfilmis Ivo Felt, Rein Kotov, Pille Rünk ja Johanna Trass, kes on osalenud nii vastuvõtu- kui ka lõpukomisjonides, retsenseerinud lõputöid. Väga olulised on tehnikafirmad High Voltage ja Cinerama, mille eesotsas on meie vilistlased Alvar Kõue ja Gunnar Laal. Loodan, et kõik need head suhted säilivad ja täienevad.

    Et meie õppejõud ei väsiks ja leiaks endas jõudu jagada oma teadmisi ja kogemusi! Ka sina, Elen, pead lubama, et sa ei loobu õpetamast. Tulevastele aednikele ütlen, et taimi tuleb kasta ja nende eest pidevat hoolt kanda. Ja kõige tähtsam — seda tuleb teha armastusega!

     

    Räägi mõni mälestus oma tööaastatest.

    Eriliselt erutavad on pereheitmised, kui üks kursus lõpetab ja uued tulevad… Ühtaegu valus-nukker-rõõmus.

    Kaks väga kurba sündmust on mällu sööbinud: Jüri Sillarti äkiline lahkumine septembris 2011 ja meie kalli, vastselt kooli lõpetanud montaažitudengi Aivo Jäägeri ebaõiglaselt varajane elutee katkemine 2019. aastal. Aivo ärasaatmisel oli kogu tema kursus ja ma ei unusta ealeski seda sügavat kurbust, mis peegeldus nende nägudelt. Ta oli selle kursuse vanem ja tugisammas.

    Iga kursusega on südamlikke hetki. Ma ei unusta tudengite koori laulu „Päikeseratas”, mille nad pühendasid mulle ühel ilusal suveõhtul Prangli rahvamaja ees. Või lõpuaktust, mis oli ka minu lõpuaktus, kui Sander ja Antero nimetasid mind nende kõigi vanaemaks. Nii liigutav! Sama võin öelda ka kolleegidega hüvasti jätmise peo kohta.

    Olen selles ametis kogenud palju armastust, mille võtan koolist kaasa, ja usun, et sellest jätkub kogu ülejäänud eluks.

     

    Mis sulle auga välja teenitud puhkuse juures kõige rohkem rõõmu teeb ja ootusärevust tekitab?

    Suurim sündmus oli kaks nädalat lastelastega Sõrves maamajas olla. Nautisin iga päeva ja koosolemist nendega. Kavatsen oma elu korraldada-korrastada nii linnas kui maal. Tahan raamatuid lugeda ja kinos käia ja vanade sõpradega suhteid uuendada, kui nad mind päriselt maha kandnud ei ole. Ja teatris ja kontsertidel käia nii palju, kui pension seda võimaldab. Ja tahan ometi ükskord lähedalt näha, kuidas suvest saab sügis ja talvest kevad.

    Filmist ei saa kunagi isu täis, kui oled seda mekkinud. Tahan kursis olla selle kursuse filmidega, kes nüüd kolmandat õppeaastat alustab. Nad said mulle selle kahe aastaga väga armsaks. Jälgin kõigi vilistlaste tegemisi ja elan neile kaasa. Soovin neile kõigile suurt isiklikku õnne ja FILMIÕNNE! Õnnelik inimene jaksab palju ja saadab korda imesid. Armastust, palju armastust!

  • Arhiiv 12.09.2022

    KAASAEGNE KLASSIKALINE

    Jüri Kass

    Pinnavirvendus

    Vaatan enda ette ja mõtlen, et mul pole aimugi, kus ma Eesti kaardi järgi asun. Tean, et Rakveres, aga kus on Rakvere ja kus olen mina Rakveres? Kelle korteri või maja võtmed mul pihus on ja kelle diivanil magan?

    Kell on seitse hommikul. Me istume keldritrepil ja suitsetame jone, mis on jälle liiga suur ja jälle liiga kange, et koosviibimist lõpetada. Järgmisel hetkel, mil kõrv võtab ja silm seletab, on minu kaudne silmarõõm lahkunud Tallinna poole. Ta läks keskpäevasele bussile, sest sõi minu soovituste vastaselt liiga palju naljakaid aineid. Tal valutas terve öö kõht.

    Kui kaua viitsib see keha neid purke ja triipe vastu võtta, mitut etendust või lavastust suudab ühe päeva jooksul vaadata? Mitu sellest viiest etendusest suudab tõe pähe alla neelata, ilma et sein ette tuleks? Sein, mida ehitatakse üksnes arvamustest, sh kasvatusest, kogemustest jms. Selle seina taga on loomake, kel silmad kui kitsel ja pisarad kui krokodillil. Ühes oma pisaraga väriseb ta iga ebahelluse peale kui haavaleht. Aga ta ei näita end, sest see oleks piinlik ja kulunud.

    Kas pärast kompotti, milles tunneb nn kaasaegseid etenduskunste viljelevate pensionäride, abstraktse ja klassikalisema noodiga audiovisuaalse tüki või abiturientide lõpupeo rokast hõngu, on võimalik näha siirast tervikutaotlust, mis ei mõjuks väljaspool kirjutaja loodud kontseptsiooni kunstlikult? Meenutades tunnet, mille festival tekitas, oleks see kui ainsa söövitusega mustvalge ofort päikeseloojangust, mille võlu on püütud edasi anda kõledate joonte, mitte värvidega. Ning kuna mul pole kellegi teise värve käepärast võtta, pean tegema seda enda paleti võimaluste piires. Näen seda kui tõlgendust ruudus: üritan murendada omaenda seina, kuid samas püüan hoiduda ka kunstnike taotluste omapoolsest tõlkimisest ning keskendudagi värvidele: ennekõike intuitiivselt kogetule, kogemata tarbitule.

     

    Kaasajas ja närvis

    Esimeses lõigus sõnastatu polnud mulle teatrifestivalile sõites teada ning seetõttu olid mu ootused üsna neutraalsed. Juba pärast esimest etendust avastasin, et kaasaegsel teatril on tubli privileeg kõnetada ka sellest kauget inimest (mind), sest visuaalsed vahendid pole teab mis šokeerivad ja nendega harjub kiiresti ära. Nagu näiteks enamiku lemmikuks kujunenud Kim Noble’i lavastuses „Lullaby for Scavangers”, millele on hoiatuseks lisatud: „Lavastus sisaldab stseene, mis võivad tunduda häirivad ja olla ebasobivad alaealistele.” Dramaturgilise kabe panused olid üles kruvitud ja mängu ajendiks oli üksindus. Seda kujutati läbi moraaliküsimuste ning -põhimõtete, mistõttu publik jagunes kahte leeri. Vaheala oli nigel, kui seda üldse oligi: lavastust kas armastati või vihati. See vastandus tekkis ehk enamjaolt läbi vastuse küsimusele, kas vaklade nokusse pistmine on normaalne. Kellele on ja kellele mitte. Ja kellel pole vahet, kas see on vagel või laser mis tahes kehaõõnsuses. Mõne jaoks eristavad sedalaadi kriteeriumid kaasaegset teatrit n-ö klassikalisest: noku ja vagel on ju rõvedad. Jällegi, maailmas, kus see paar oleks sarnaselt aktsepteeritud, nagu kolju ja „olla või mitte olla”, võiks Kim Noble’i tükki näha ehk Draamateatriski.

    Soolo oli oma kontrastsuses poeetiline ning võõristuseta olid seotud tuli ja jää. Luubi alla oli võetud vahemik Noble’i elust, mis oli sisustatud kaasaegsele kunstnikule omaste tegevustega. Välistan iroonia, sest tänapäeva looming rajaneb paljuski sotsiaaluurimusel, sellest ammutatud inspiratsioonil ja perspektiivil, millega sellele lähenetakse. Ses osas oli tegu sotsiaaluurimuse musternäidisega, sest tükk kujutaski Noble’i eluperioodi, mil lahkus tema isa ja ta otsis lähedust ajal (pandeemiapuhang), mil lähedusest vajaka oli. Mädasel ja mõneti ilgel naljal oli tõsine alatoon ja seepärast mõjus see ehedana, mõnele küll ka problemaatilisena. Oma vaglatütarde ohverdamine ja neile mehe perspektiivist rolli andmine (sümbol?), samuti surnud loomade filmimine ja väntsutamine, nende silmade sonkimine võib olla põhjuseks, miks Noble’i tükki mõne teise linna teatrifestivalil ei kohta. Küll aga annab lavastus edasi tema selle eluperioodi  meeleolu, tunnet ning emotsionaalset laetusetust. Lavastusel „Lullaby for Scavangers” oli üleküllastatusest hoolimata olemas selge narratiiv ja lineaarsus. Lugu vormus tundlikuks tundetervikuks läbi ilge kõrvutamise. Mõte, sõnum, lugu või narratiiv oleks üksinduse asemel võinud sama hästi olla hirm lennukite ees, metsad või rahutused Hiinas.

    Kim Noble’i „Lullaby for Scavangers”.
    Studio Narki foto

    Noble’i isikupära väljendus tema julguses ja virtuoossuses keerata kontrastsuse nupp maksimumi, misläbi ta saavutas lisaks hästi töödeldud materjalile ka efektsuse. Rõhk polnud narratiivil — see üksnes lihtsustas muu seedimist —, vaid kõrvutustel. Nali oli hea, kuid naljaks see ka jäi. Lavastuse mõju ei ilmnenud mitte sõnades, vaid nende visuaalsetes väljendustes.

    Istun üksi Rakvere teatri kohviku rõdul neljase laua taga, vahin ja joonistan. Bussist karjub sünoptik Kaie Olm­re eˉlektronist, et päike on välja tulnud, kuigi taevas on monokroomselt hall. Pakun, et siin on 18 kraadi. Ei ole külm ega kuum. Töötaja käib mööda teatrit valjuhääldiga ringi ja kutsub piletiomanikke bussi peale, mis viib nad meelt lahutama. Või mõtlema. Ma ei tea, kui paljud siin enam mõelda jaksavad. Mina ei jaksa. Tellin teise espresso ja kujutan ette gümnaasiumi puhvetileti menüüd, kus oli kirjas „ekspresso”. Hispaanias ju öeldakse café expreso.

     

    Heli ja visuaal

    Vabatahtlike ja sõpradega suheldes imestan, kui palju on piletiomanikke ja kui paljud tahaksid piletiomanikud olla. Üle poole etendustest on välja müüdud, isegi vabatahtlikud ei pääse vaatama. Hämmastun, sest piletid pole üldse odavad. Kust tuleb see raha ja huvi tulla Rakverre kaasaegset teatrit vaatama; kas seda saab pidada hobiks? Võib-olla, sest sellega ei saa kontakti astuda: kontakti astutakse sinuga. Lisaks ei ole lihtne seda kontakti hiljem jagada: see jääb sinusse. Püüd sellest midagi vormida, sõpradega muljetada, kiita või kritiseerida päädib tihti kahetsusega ja mõttega, et milleks seda vaja oli. Ise olen sellest püüdest loobunud. Vilja on kandnud vaid spetsiifiliste ja võrdlemisi tehniliste nähtuste üle arutlemine, kuid sedagi tehes on oht langeda Linnar Priimäe postituste liigasse („miks te kõik nii koledad olete, vastik vaadata”). Tuleb piirduda lühikese, tabava ja võimalikult neutraalse jutuga. Aga mida siis välja tuua või mida jagada, kui minuga on kontakti astutud — mis minus reageeris ja kuidas ning mis osa ma sellest tõlgin? Franck Vigroux’ „The Flesh” astus küll kontakti, kuid minupoolne reaktsioon jäi napiks. Võib-olla sellepärast, et mul puudus autoõnnetuse tunne, ma pole seda läbi elanud.

    Franck Vigroux’ „The Flesh”.
    Quentin Chevrier’ foto

    Vigroux’l oli kaks inspiratsiooniallikat.1 Esiteks tema enda kogemus hetkest pärast šokki, mil aeg on justkui peatunud või välja venitatud ning vaimule, mis on kehast väljapoole avardunud, avaneb panoraamvaade varem vaid filmis nähtud stseenile — autoõnnetusele. „The Fleshi” selgrooks on muusika, mille läbi kehtestati edastatava kogemuse ruum, mis oli igati suur, võimas ja takistusteta. Lisaks biidile ja raskele staatikale kasutas Vigroux helimaterjalina ka vaikust. Heli veenis mind hetkega, kuid nõndasama see veenvus ka kadus, sest muusikalised elemendid, nagu dünaamika, helikõrgus, tämber ja rütm, jõudsid varakult haripunkti, neid ei eksponeeritud mulle kordagi eraldiseisvana ja muusika edasine kulg oli etteennustatav. Küll aga seob see muusikasse autoõnnetuse narratiivi. Muusikalist materjali võiks läbivalt iseloomustada kui venitatut, kuid kulminatsioon tuli kiiresti. Edasi, nagu arvata võiski, kandus tähelepanu helilt üle kahele etendajale, kes kehastasid autori teist inspiratsiooniallikat, J. G. Ballardi vastuolulist ulmeromaani „Crash”. Ballardi teos on lugu auto­avariiga seotud seksuaalsest fetišismist: selle peategelased erutuvad seksuaalselt läbi autoavariide lavastamise ja nendes osalemise. Kaks „The Fleshi” etendajat liikusid kogu lavastuse vältel otsekui aegluubis ning seksuaalne haripunkt saavutati lavastuse esimeses pooles, mil etendati justkui poeetiliselt seksikat maadlust. See päädis etendajate helipuldi juurde liikumisega, mis võis ilmestada kas seost Vigroux’ ja autoavarii fetišeerimise vahel või vormilise terviku loomise tahet — etendajad, kes tõlgendasid Ballardit, liikusid autori juurde, mis kehastas justkui vaid Vigroux’ kogemust, lavastuse algust, mil etendajad polnud veel lavale tulnud ja mil materjal oli heliline.

    Tõlgendatav kogemus ja heli paistsid mulle intiimsed, kuid ruum, milles viibisin, ja distants minu, etendajate ja mehaanilise stsenograafia vahel oli suur. Sestap ei jõudnud see minuni, vaid jäi seina taha. Seinale andis tuge ka lavastuse lõpp, mille lahendus oli vormiliselt veenev, kuid pisut problemaatiline ja lavastuse sisu silmas pidades liialt uhke. Kaks naissoost etendajat viisid oma liikumisega publiku tähelepanu puldi taga istuvatele meestele ning asetasid nad, või üksnes Vigroux’, loo kulminatsioonina pjedestaalile, mis tundus kas tahtlikult kahemõttelise või läbimõtlemata lahendusena.

    Festivali kavas oli ka Franck Vig­roux’ ja Kurt d’Haeseleeri „The Island”, mis oli oma abstraktsuses ja intiimsuses märksa mõjuvam. See audio­visuaalne kontsert oli inspireeritud saarte ja orgude lugudest, mis on uute hüdroelektrijaamade tammide ehitamise tõttu hävingule määratud.2

    Oma 1976. aastal avaldatud teoses „Lahkumine Matjorast” käsitleb vene kirjanik Valentin Rasputin industrialiseerimise ohte. Romaan räägib väikesel saarel asuvast külast, mida ähvardab üleujutus seoses hüdroelektrijaama külge kinnitatud tammi ehitamisega. Neli aastat hiljem neelas Lõuna-Prantsusmaal Lozère’i piirkonnas asuva Naussaci küla praegune Lac de Naussaci nime all tuntud veekogu, mis laienes sinna rajatud tammi tõttu. Viimaks kanaldavad Vigroux ja d’Haeseleer Jangtse jõel laiuva Kolme kuristiku tammi massiivsust. Paisu tekitatud veehoidla jätab vee alla 1000 ruutkilomeetrit ja üleujutatavate alade tõttu peab elukohta vahetama 1,9 miljonit inimest. Kogu struktuur on sedavõrd suur, et mõjutab Maa pöörlemiskiirust. „The Island” mõjus sarnaselt Fausto Romitelli ja Paolo Pachini audiovisuaalse ooperiga „An Index of Metals”, mis samuti käsitleb uppumist ja vajumist. Mõlema teose puhul on tunda, kuidas kostuv ja nähtav loob tsentrifuugi, millele on võimatu vastu seista. See tõmbab endasse, uputab, kukutab, tõmbleb. „The Islandi” visuaalne materjal oli kohati küllastunud, rahutu ja ülesatureeritud, teisalt rahulikult jälgiv ja kaugenev. Erinevalt „The Fleshist” on „The Islandis” visuaalselt palju kontrastsust. Nii heliline kui visuaalne kulg on kaleidoskoopiline ja areneb kiiresti mitmesse suunda. Muljetavaldav oli teose fokuseeritus  ja materjali tunnetuslik tabavus.

     

    Seinata lemmikud

    Kaks ainulaadset lavastust, mis just oma altruistliku vormi poolest teistest erinesid, olid Liisa Saaremäeli ja Emer Värgi „Sihtkoht teadmata 12 HMR” ning Tomas Gonzaleze ja Igor Cardellini „Kuldajastu”.

    Saaremäeli ja Värgi lavastus pani loop’ima Rakvere Reaalgümnaasiumi 48. lennu 12. klasside lõpupeo. Carola baaris toimunud peole sisenedes, seal koos vast lõpetanud abiturientidega tantsides ja õlut juues oli mul tunne, nagu oleksin mingis indie simulation’i mängus. Minu ümber on NPCd (non-player character), kellest mõned on baarileti taga ja tahavad mulle A Le Coqi Premiumi müüa, teised ei tee minust väljagi. Võin nende ees teha, mida tahes: nad on lihtsalt loop juunikuust, mille saan hea tahtmise korral kustutada, muud midagi. Mul pole võimalik seda muuta ega mõjutada. Tantsupõrandalt suunati mind Carola baari teisele korrusele, kuhu oli loodud märksa interaktiivsem mänguruum. Sain kuulata NPCde lugusid ja küsida neilt küsimusi. Pöördusin klassi kõige stiilsema ja romantilisema abituriendi poole, kellelt uurisin, kui tolerantne oli klass seksuaalvähemuste suhtes, kui palju esines koolikiusamist, miks ta just EMTAsse astus, kes on tema eeskujud ja mida tähendab romantika. Tulles ise Rakvere-suurusest linnast imestasin, kui pealtnäha sallivad üksteise suhtes oldi. Vähemalt väljavalitu jutu järgi. Klassis oli geisid, kes julgesid kapist välja tulla ja keda ei kiusatud. EMTA kohta uurides tuli välja, et mõnel juhul pakub noortele huvi just kaasaegne teater, mis annab lootust, et ehk lähitulevikus võrsuvad lavakast ka uued suunad. Soovitasin tal Tallinna kolides esimese asjana Kanuti Gildi SAALi piletid osta.

    Kummaline oli tunda, kuidas publiku liikmena saan mõjutada lavalolija otsuseid, kuidas soovi korral saan teada Rakvere Reaalgümnaasiumi abituriendi vanaisa, perekonna ja hoiakute kohta. Mulle avanes väga reaalne poliitiline, sotsioloogiline, psühholoogiline maailm, mis pole fiktsioon ega kellegi vaimuvili, vaid, vastupidi, uuri­muse teel omandatud informatsioon ja selle tõlgendus, kuid mis on ilma eespool mainitud seinata mulle kätte antud nagu avatud raamat. Nägin seal ennast ja nägin seal kedagi teist, nägin otsuseid, ümbritsevat keskkonda ja hardaid unistusi. Selle lavastuse otsesus, ausus ja pretensioonitus võttis põlved nõrgaks. Mul on tunne, nagu saaksin nüüd öelda, et jaa, tean küll kedagi Rakverest. Seda kõige stiilsemat ja romantilisemat sealt reaalgümnaasiumi 48. lennust.

    „Baltoscandalil” etendunud Tomas Gonzaleze ja Igor Cardellini lavastustriloogia „Kuldajastu” viimane, tarbimisele keskenduv osa avas kõrvaklappide, Põhjakeskuse riidekottide ja H&Mi siniste nokkmütsidega tuuril osalenutele kaubanduskeskuste tekkeloo. Lavastus algas Põhjakeskuse tempelliku sissepääsu ees, kus kohtusime töölisklassile iseloomulikku teksaskostüümi riietatud giidi Riina Maidrega. Kaubanduskeskusesse sisenesime kui uuele planeedile, uude biosfääri, kus giid tutvustas meile tarbimistsentrumi maastikke, kiskjaid, õhu koostist, mullastikku ja lõkse. Sarnaselt Carola baaris toimunud indie simulation’i mänguga oli ka Põhjakeskuses tunne, nagu ma võiksin teha seal kõike, mida hing ihaldab. Valikuvõimalusi demonstreeris Maidre H&Mis, kus ta rõõmsalt kohalike tarbijate seas ringi kepseldes stangedelt hilpe õhku viskas ja sellest vallanduvat rõõmu demonstreeris. Lavastus lõppes asustamata poepinnal, kus giid valjult unistas: siia võiks rajada midagi kultuurset, mis tarbijaid tarbimise kõrval ka pisut hariks, ehk mõne galeriipinna, või hoopis stuudio. Tahaksid nad seejärel rohkem ka kaasaegseid kunste „tarbida”? „Kuld­ajastu” oli düstoopiline ja seiras elu distantsilt. Sain vaadata keskklassi inimesi klaasi tagant, neid uurida ja nende üle naerda. Tundsin oma ignorantsi kontuure iseenda üle ironiseerides. Seisan ses ihasid toitvas kastis, mis dikteerib mulle, mida ma tahan, seejärel mu enda tahtmist mulle müües. Ja kui rõõmus ma olen. Loomulikult ma tahan seda! Isegi rõõmu saab endale osta. Irooniat ja veidrust lisas veelgi Maidre, kellele rõõmumaja giidiroll justkui loodud oli. Tema sarkastiline soolo sobis lavastuse ideelise dekadentlikkusega sedavõrd valatult, et „Kuldajastust” sai minu selle festivali lemmiktükk.

    Riina Maidre „Kuldajastus”.
    Alan Proosa foto

    Edasiseks

    On igati tänuväärne, vajalik ja rõõmustav, et rahvusvahelisi sündmusi ka väljaspool nende tavapäraseid asukohti korraldatakse. Kuid iga kord natuke naeran, kui sääraste keskuseväliste festivalide, kontsertide või muude kultuurisündmustega tahetakse rõhutada kunsti olulisust ja selle panust kohalikku kogukonda. Eks seal muidugi mingi panus ole ja teadlikkus neist üritustest kohaliku elanikkonna seas kasvab, sellele ma ei vaidle vastu. Kuid see kõik jääb üksnes rääkimiseks ja kirjutamiseks. Nagu eksootiliste taimede toomine põllule või lõbustus­pargi ülesseadmine keset parkimisplatsi. Muidugi koosnes „Baltoscandali” publik üksnes kaasaegse teatri huvilistest. Saaremäeli ja Värgi lavastuse järel abiturientidelt uurides, kas nad ka varem „Baltoscandalil” on käinud, vastasid nood, et polnud festivalist enne kuulnudki, olgugi et olid üheksateist aastat Rakveres elanud. Kuidas saab siis selline sündmus kogukonda kokku tuua? Seda on praegu näha ka Paide teatri puhul, et kultuurirahvas ei tee suurt kisa3, sest nad on väsinud ja ametis oma elamiskulude katmisega, sest varsti on kilo tatartki poes viis eurot. Olen õnnelik, et eesti kaasaegsel teatril ja etenduskunstidel on vähemasti mingigi väljund ja arvult arvestatav ja üsna püsiv publik, sest olles erialalt kaasaegse muusika inimene, vahin öösel lage ja lammaste lugemise asemel fantaseerin „Baltoscandaliga” sarnasest nüüdismuusika festivalist, kus pean vestlust mõttekaaslasega, kes ei ole minu professor akadeemias. Unistan, et käin sõpradega nüüdismuusika kontsertidel, pärast mida lähme kuhugi sööma ja muljetama. Unistan sellest, et mu mõtetele vastataks, mitte ei vaikitaks ega  püütaks teemat vahetada.

    Milline perspektiiv saab olla huvil millegi kaasaegse vastu, kui põhikoolis ja gümnaasiumis puudutatakse nüüdisteatrit, -muusikat või -kunsti üheksa või kaheteistkümne aasta vältel kokku ühes või kahes tunnis?  Protestida tuleks muusika, kirjanduse, kunsti õppekavade vastu: milleks toestada vart, kui juur mädaneb?

    Kuna tegu pole vingu täis arvamusartikli, vaid festivaliarvustusega, siis naasen „Baltoscandali” juurde. Keskendusin lavastustele, mis jäid enim meelde, kujutasid midagi ainulaadset või kaasaegset ja olid oma sisu või vormiga meeles ka kuu pärast festivali. Ehk siis kirjutasin nendest, mis kujundasid enim minu festivalikogemust. Kurva meelega jätsin välja ruumiantropoloogiad, sest ääreni täis lavastusteprogrammi kõrval ei jõudnud ma neid vaatama. Välja jäid ka lavastused, millest on varem kirjutatud või kõneldud. Festivali programm oli aktuaalsust silmas pidav ja oma teemades värske. Sellest kiirgasid läbi Priit Raua maitse ja eelistused, mis andsid ruumi ka poleemilistele teemadele. Ehk oleks tsipa enam oodanud midagi toorest, võõrast, võigast, mingit arvamust, avantüüri mõnelt alla kolmekümneaastaselt noorelt, aga uustulnukana jäin rahule ka veidi vähem toorega. Küll aga on nii kväär-, trans- kui ka rassiteemad tänapäeval, eriti Eestis, möödapääsmatud. Kurb näha, et neid ei kajastatud festivalil, mille taotlus on olla provokatiivne, ja linnas, mis on tuntud oma konservatiivsuse poolest.

     

    Viited:

    1 DOX 2021. Flesh. The fascinating hallucinatory universe of Franck Vigroux in its Czech premiere at Prague’s DOX. 25. VIII. — https://www.dox.cz/en/press/flesh-the-fascinating-hallucinatory-universe-of-franck-vigroux-in-its-czech-prem

    2 Henry Bruce-Jones 2021. Franck Vigroux & Kurt d’Haeseleer reflect on deep human and geographic upheaval with The Island. Factmag.com, 19. V. — https://www.factmag.com/2021/05/19/franck-vigroux-kurt-d-haeseleer-the-island/

    3 Kristiina Alliksaar 2022. Peaksime Paide teatri sulgemise teemal palju rohkem häält tegema. ERRi kultuuriportaal, 20. VI. — https://kultuur.err.ee/1608635233/kristiina-alliksaar-peaksime-paide-teatri-sulgemise-teemal-palju-rohkem-haalt-tegema

     

    GREGOR KULLA (snd 13 V 2000) õpib Eesti Muusika- ja Teatriakadeemias kompositsiooni. Ta kirjutab kultuurikriitikat, peamiselt kaasaegsest süvamuusikast, ja ilukirjandust, tegutseb helilooja, etenduskunstniku ja modellina Tallinnas ja Milanos. Avaldanud artikleid, esseid ja arvustusi Postimehes, kultuurilehtedes Sirp ja Müürileht ning ajakirjades Aplaus, Muusika ja Edasi.

  • Arhiiv 31.08.2022

    ÜKS MEES, KEDA KUTSUTI RAIVOKS

    Jüri Kass

    Raivo Trass.
    Endla teatri arhiivifoto

    Kuidas kujutada maailma, milles elame, ja mis selles maailmas toimub? Püüda mõistatada ja etendada eluhoiakuid, tõekspidamisi, lahknevusi, erimeelsusi. Mitte unustada armastust, soojust, lapsi, kodu, mälu. Et on elanud sellesinatse päikese all meiega sarnaselt mõtlevaid inimesi ja et kurdab kuu poole naabergi, kui me temast ka tihtipeale midagi teada ei taha. (Raivo Trass Pärnu Endla teatri peanäitejuhina uutest loomingulistest suundadest. TMK 2000, nr 4)

     

    Oli üks mees, kes vaatas kaugusse mõlemas suunas. Mitte üksnes üle silmapiiri, vaid ka ajatelje. Mõnikord mõtlesin — too mees vaatab minevikku, et mõista, kes me täna oleme ja kuhu homme kuulume. Tegelikult oli tema jaoks tähtsam, et just meie, tema teekaaslased, seda teha suudaksime. Tema oli silmapiiri taha juba vaadanud.

    Praegu saan aru, et too mees oli vaadanud üle silmapiiri serva juba aegu varem, kui temaga üldse kohtusime. Seepärast teadis ta hästi, mis seal, silmapiiri taga, end peidab. Aga ta ei kippunud seda meile ümber jutustama, vaid tahtis alati, et me ise samamoodi üle silmapiiri kiikaksime. Seda meest kutsuti Raivoks.

    Raivo kohta võib öelda, et ta oli jutustaja, õpetaja, teatrijuht, trikster, näitleja, lavastaja ja sõnumitooja. Võib öelda veel palju sõnu, mis tähendavad eraldi võttes kõike, aga koos mitte midagi. Raivo oli alati sõnadest natuke suurem.

    Mõnes mõttes oli Raivo nagu Eesti Odysseus, kes püüdis oma laeva läbi takistuste kodusadamasse tüürida. Aga mitte selleks, et ise koju jõuda — tema jaoks olid teekaaslased ja meeskond alati olulisemad. Näitleja, vaataja, mööduja, iga hing, keda ta oma teel kohtas, iga hing vajas kodusadamat ja Raivo oli teda lahkelt juhatamas.

    Igaühe jaoks meist on olemas nii erinev Raivo, et võimegi selle üle vaidlema jääda, milline ta siis tegelikult oli. Aga kas me lõppude lõpuks just selleks ei elagi, et mõtestada inimesi ja maailma enda ümber? Oma Rakvere teatri aastatel tegi ta kokkuvõtteid ühiselt läbitud hooaegadest. Tänu heale kolleegile on need meil praegu alles. 1978. aastal, pärast esimest peanäitejuhi-hooaega, ütleb Raivo:

    Mett ja maasikaid ei oota ma ka järgmiselt hooajalt. Kuidas me hakkama saame, kui korter on kehv, raha vähe ja igavus-hallus haigutab vahel hinges, nüristades aju, nii et ei taha midagi teha, mõelda, liigutada? See on kõige õudsem — see ongi loomingu surm, helehall udu arus ja lihastes, millest aga saab ja peab võitu saama. Treeninguga, drilliga — tahtega. Võita tuleb enesele kogu maailm ja selles elavad inimesed.

    Drilli ja trenni Raivo armastas. Tema jaoks oli tähtis, et inimene iga päev enda ja rolliga tegeleks. Isegi autorile armastas ta aeg-ajalt helistada just sellepärast, et autor ei eksiks omaenda mugavusse. Töö oli talle kõige alus. Alati võis proovida, eksida, valesti teha, aga tööd ei tohtinud kunagi tegemata jätta!

    Teine hea kolleeg meenutas kunagi Raivot, kellega võeti poole ööni koos viina. Järgmisel päeval oli proov. Viinavõtjad tulid proovi kohale, plönn kuklas, ja lootsid, et ehk Raivo halastab. Aga Raivo ei halastanud, oli kohal — viigitud, triigitud, nii valge särk seljas, et silmadel valus vaadata, ning hakkas jõuliselt prooviga pihta. Raskemat proovi too hea kolleeg oma elust ei mäletanud. Aga õhtul oli õnnelik olla. Õnnelikum kui kunagi varem.

    Raivo armastas oma inimeste pärast muretseda. Kindlasti ei olnud ta Samaaria mees, kes külmetajale mõtlematult oma pintsaku seljast annab. Raivo ei pooldanud kunagi varade ümberjagamist. Kõigil pidi olema kõike, mida neil igapäevaseks eluks ja tööks vaja läks. 1979. aastal ütleb ta trupile:

    Te kuulate mind tähelepanelikult, võtate kriitika, mis puutub kutsemeisterlikkusse, omaks, kuid kõige all hõõgub ometi Rakvere teatri peamine küsimus — elu- ja töötingimused? Kuuel inimesel puudub elamispind!? Teatril pole oma proovisaali?? Siin olen ma abitu ja võimetu! Olen juhtinud Rakvere teatrit kaks aastat. Lõppenud hooaja kokkuvõtteks võib öelda, et kunstiliselt on teater uuel teesirgel, on pimedast kurvist väljunud. Aga kui kaua peavad vastu inimesed? Kullakesed! Te olete väga, väga väsinud! Väsinud pikast ja põhjatust hooajast.

    Aga haletsus polnud edasiviiv jõud. Enda mugavusse uppumist Raivo ei kannatanud. Tema jaoks oli alati olemas mingi suurem ja kaugem perspektiiv, kuhu püüelda. Seda võtab kokku 1981. aastal öeldu:

    Meie püüdlused peavad olema kõrgemad, kaugemad, universaalsemad kui kolkaprovintsiaali mugav äraelamine, kauka ja kopka, auto ning abimajandi kõrval ka teatris rolli äramängimine.

    Mõnikord seisime Raivoga koos sadamas ja ootasime praami, et Saaremaale sõita. Ta vaatas merele, osutas mõne neemetipu poole ja kõneles, mis seal juhtunud oli või kes seal kunagi elasid. Kuigi Saaremaa ja Kuressaare olid viimasel kümmekonnal aastal Raivo suur armastus, oli tal iga paigaga Eestimaal oma sügav suhe. Ükskõik kuhu võsa vahele me ka ei sattunud, alati oli tal selle kohta mõni lugu pajatada. Enamasti rääkisid need lood Eestist, eestlastest ja meie ühisest ajaloost.

    Ühel sombusel sügispäeval sõitsime Saaremaale ja ta vaatas enne praamile sõitu üle mere, silmapiiri poole. Olime rääkinud uuest, kaasaegsest teatrist ja Raivo ütles kokkuvõtvalt midagi sellist:

    Kui meie teater kasvab välja sellest, et teeme lihtsalt kõike teistmoodi, ütleme tere asemel head aega ja sööme supi asemel kruusa, siis puudub sellel põhjus. Alles põhjus muudab ka kruusasöömise tõeks.

    Mulle meenus siis korraga, kuidas istusime ühe noorema lavastajaga Sadamateatri ees autos ja ta vaatas samamoodi kuskile kaugusse ning teatas, et talle meeldib, kui teater puudutab tema südant, mitte ei haara kubemest. Mõnes mõttes on need kaks lavastajat Eestis väga sarnased. Eriti just Raivo usaldas ennekõike südame puudutust.

    Ühte oma viimase lavastuse („Ai velled…”) lugemisproovidest tuli Raivo mõttega, et täitevkomitee ohvitser ei paku ülekuulatavale külamehele mitte sigaretti, vaid kahvlit. Ütleb küll, et palun, võta sigaretti, aga pakub kahvlit. Ja seletas seda ise: Ta peab olema nii üleolev ja mõnitav, et see on absurdne, sest ta kardab. Kui inimene kardab, siis muutub ta julmaks. Kuigi ta seda lavastusse ei jätnud, sest kahvel tundus kohmakas vahend, oli selles mõttes midagi Raivole ürgomast. Ta armastas kujundit, mis võimendas situatsiooni absurdsuseni ja tegi haiget nii näitlejale kui vaatajale.

    Mäletan, et kirjutasin kunagi Jüri Tuuliku „Varese” dramatiseeringus, et ühel tegelasel, kes unistas, on väike kingakarp, mida ta kaasas kannab, ja seal sees on saladus. Raivo luges ja ütles: Väga hea! Aga tead, mis tal seal kingakarbis on? Tol ajal veel noore inimesena ma ei teadnud ja Raivo ütles mulle ette: Tal on seal orkester. Terve sümfooniaorkester. Keelpillid, timpanid, esimene viiul, pasunad… Saad aru — tema unistus on midagi nii suurt, mis kuidagi kingakarpi ei tohiks mahtuda, aga ometi mahub. Raivol mahtus alati väiksesse kingakarpi üks suur sümfooniaorkester.

    Raivo armastas üldse panna oma lavastustes rõhke esmapilgul väheolulistele asjadele. Ta võis ilmuda nädal enne esietendust välja mingi tekstiga, mille kohta ta ütles: See! See peab seal alguses olema! Teeme! Proovime!

    Kui tekst oli ette loetud ja keegi väga särama ei läinud, siis lajatas Raivo käega lauale ja teatas ise rõõmsalt ja võidukalt: Just! Nii see peab olema! Väga õige! Selle peale tõusis ta  püsti ja hakkas rääkima. Jõuliselt, vaimustusega, tema sinisilmne pilk otsis ja kohtas korraga kõigi ruumis viibivate inimeste silmi ja kui ta lõpetas, olime kõik veendunud, et just see tekst ongi veel puudu. Ja enamasti oli ka. Raivo ei leppinud kunagi enne, kui suutis kõik inimesed sellesse uskuma panna, mida me tegime. Usk oma tegemisse oli talle väga tähtis.

    Teinekord peatas ta proovis lugemise ja ütles: Siin kuulen ma laulu. Vaikset laulu… Siis ümises ta natuke midagi, proovisaali tekkis selline kummaline habras vaikus ja tunda oli, et kõik mõtlesid millelegi just selle kohaga seotule. Mõnikord sinna kohta lavastuses laulu tegelikult ei tulnudki. Aga midagi olulist sellised abstraktsed provokatsioonid Raivo lavastustes muutsid. Selle kohta olen temalt ükskord küsinud, et miks, Raivo? Ja Raivo seletas, et kuuleb mõnikord, kui näitlejad teksti loevad, ainult sõnade rütmi ja siis ta tunneb ära, et näitlejad sõidavad tekstiga kaasa nagu rongis, aga seal ju tegelikult juhtub midagi. Tegelikult pole üks ajaloosündmus kunagi lihtsalt rongirütm. Ma tahan, et nad selle koha enda sees üles leiaksid!

    Ja jälle jõuame tagasi Raivo selle tahtmise juurde, et kõik osalised, nii lava peal, lava taga kui vaatajatena saalis, hakkaksid sellesse uskuma, milleks ta oma rännaku ette võttis.

    Kindlasti on igal lavastajal erinevad meetodid, kuidas stseenile allteksti luua, aga Raivo oma meeldib mulle siiani. Olen ka mõnikord proovinud seda võtet kasutada, aga see ei hakka tööle. Selleks peab olema siiski just Raivo ise, et oma võluva ja salapärase näitlejakergusega öelda: Siin kuulen ma laulu… Vaikset laulu… Ja juhtida trupp teksti seest välja sündmuse juurde. Nagu Odysseus, kes isegi murdunud aeruga rahus kodusadama poole tüüris, et oma teekaaslased koju tagasi juhatada.

    Raivo oli mulle alati nagu natuke isa. Aga kindlasti mitte patroneerivas mõttes. Ta ei öelnud kunagi lihtsalt: tee see ümber! Ta rääkis pikalt ja laialt, miks. Tekstikirjutajale ei saa olla paremat lavastajat kui see, kes ütleb välja põhjused. Just sellepärast armastasin ma neid hetki, kui telefon helises ja kui kuulsin Raivo häält, mis teatas: On üks selline mõte, mis sa arvad?

    Ma teadsin alati, et see kõne tähendab taas üht pikka rännakut. Rääkisin temaga oma tegemistest ja kaeblesin, kui kiire mul on, aga samal ajal juba otsisin kapist matkavarustust. Sest kui õpetaja, isa ja sõber sulle ühe korraga helistavad, siis on see kutse koju. Raivo ei jätnud mind kunagi merele, vaid viis alati sadamasse. Sellepärast ma teda armastan ja mul on väga kurb. Minu õpetaja ja sõber on surnud. Ta ei helista mulle enam kunagi, et kutsuda mind kaasa retkele. Aga tean nüüd suunda ja sihtkohta. Meil oli hea teejuht — mees, keda kutsuti Raivoks.

    Kindlasti laseks Raivo ise seda teksti lugedes mul nii mõnegi koha veel ümber teha — Ah, ei olnud nii! —,
    aga seekord jääb kõik just nii.

     

    Raivo teekaaslane, üks paljudest

  • Ajalugu 30.08.2022

    SOOME RAHVUSBALLETT 100 III

    Jüri Kass

    Algus TMK 2022, nr 5–6

     

    Vene garnisoniteatrist uude majja Doris Laine ja Jorma Uotineni eestvedamisel

    1984. aastal algas Soome Rahvusballetis uus ajajärk, paljude lühiajaliste juhtide järel palgati rahvusballeti uueks lootsiks selle kunagine solist Doris Laine. Ta oli õppinud Moskvas GITISes ja tantsinud Inglise Rahvusballeti trupis (tollal Royal Festival Ballet) solistina aastatel 1964–1966. Tantsijates tekitas esitantsija positsioonil olnud Laine kui teatri tegevjuhi Alfons Almi abikaasa valik sellesse ametisse algul vastuseisu (probleemi nähti näiteks rollivalikute puhul). Mõne aastaga kindlustas Laine aga oma autoriteedi uuel ametikohal, propageerides aktiivselt tantsu ja võites balletile laiema publiku poolehoiu ning valmistades truppi ette uue teatrimaja lava jaoks. 1984. aastal pani Laine aluse ka Helsingi Rahvusvahelisele Balletikonkursile. Tema juhtimisperioodil (mil tantsijaid oli umbes 65) võrdsustati tantsijate pensionile mineku iga: kui varem oli naistantsijate vanusepiiriks 42 ja meestel 46, siis nüüd hakkas see olema kõigil 44 eluaastat.

    Doris Laine.
    Stuudio Kuvasiskot foto

    Doris Laine jätkas kunstilise juhina suuremalt jaolt Pankovi suunda: balletiklassika kõrval esitati balletileksikale tuginevaid uusi lavastusi [Jerome Robbinsi „Les Noces” („Pulm”) Igor Stravinski muusikale, 1989],  nüüdisballetti [Jiří Kyliáni „Verklärte Nacht” („Kirgastunud öö”) Arnold Schönbergi muusikale, 1989] ja nüüdistantsu (Carolyn Carlsoni „Maa” Kaija Saariaho muusikale, 1991). Kuigi suured balletid, nagu Juri Grigorovitši „Pähklipureja” (1985) ja Jekaterina Pavlova „Giselle” (1990), tulid Nõukogude Liidust, hakkas valik ilmselgelt avarduma lääne ja nüüdisballeti suunas, lavale tulid muu hulgas hollandlase Nils Christe „Danses concertantes” (1989) ja „Pulcinella” (1991, mõlemad Igor Stravinski muusikale). 1986. aastal sai August Bournonville’i „Napoli” teise lavaelu Taani Kuningliku Balleti tantsija ja ballettmeistri Kirsten Ralovi lavastuses.

    Laine tegutsemise ajal kunstilise juhina tulid trupi repertuaari mitmed lavastused Saksamaalt, sh Tom Schillingi „Wahlverwandtschaften” („Valikulised afiinsused” Johann Wolfgang von Goethe samanimelise romaani aine­tel Franz Schuberti muusikale, 1985) ja „Abendliche Tänze” („Õhtused tantsud”, 1987), Youri Vámosi „Carmina burana” (Carl Orffi muusikale, 1987). 1991. aastal jõudis lavale Heinz Spoerli „La belle vie” („Ilus elu”, Jacques Offenbachi muusikale).

    Mitmekülgse repertuaari võimaldamiseks pidas Laine oluliseks pakkuda tantsijatele mitmekülgset koolitust. Külalisõpetajaiks kutsuti vene balletipedagoog Sergei Vikulov ja Martha Grahami tehnikale toetuv senegallane Germaine Acogny.35  Aastatel 1988–1990 töötas seal pedagoog-repetiitorina ka Tiiu Randviir. Lainele oli tähtis ka rahvusliku balleti edasiarendamine ja laval nähti mitme soome algupärandi esietendusi, sh Valgamaal sündinud Hella Wuolijoe populaarsete Niskamäe-lugude ainetel loodud Tommi Kitti koreograafia ja Eero Hämeenniemi muusikaga ballett „Loviisa” (1986) ning Marjo Kuusela koreograafia ja Jukka Linkola muusikaga ballett „Röövlitütar  Ronja” (1989). Sel perioodil tõusid tantsijate nooremast põlvkonnast solistipositsioonile Jukka Aromaa, Tiina Väre, Susanna Vironmäki, Juha Kirjonen, Sini Länsivuori, Jarkko Niininen ja Tuuli Tuominen.

     

    Doris Lainele jätkaja valimisel oli määravaks balleti tulevik ja uue balletijuhi sobivus tööks uues majas. Valituks osutus Jorma Uotinen, kes oli tantsinud Prantsusmaal ja tegutsenud Helsingi Linnateatri tantsurühma kunstilise juhina (1982–1991) ning oli orienteeritud rohkem nüüdistantsule. Enamus tantsijaid pooldas Uotineni valimist; tema laiahaardelisust ja kunstinägemust hindasid eriti nooremad tantsijad36. 1992. aastal balletijuhiks valitud Uotinen suunas truppi küll senisest tugevamalt nüüdistantsu poole, kuid ballett oli ja jäi, sest „Rahvusballeti ülesanne on esitada klassikalisi teoseid ja neid edasi viia. Seda muuta pole põhjust, sest balletitantsijad on selleks koolitatud ja see on osa nende tööst. Ma võtan seda enesestmõistetavana.”37  Balleti fookus nihkus Uotineni ametiajal selgelt idast läände. Tema tegutsemise ajal kunstilise juhina oli trupi esimeseks balletilavastuseks John Neumeieri 1985. aasta tõlgendus Shakespeare’i komöödiast „Nagu teile meeldib” („Wie es Euch gefällt”, soome k „Kuten haluatte”, Mozarti muusikale). See oli esimene Neumeieri töö Soomes, mis peagi täiendus veel „Kuningas Arthuri saagaga” („Artus-Sage”, 1995, Jean Sibeliuse muusikale).

    Jorma Uotinen.

    Uus ooperimaja pakkus uusi võimalusi. Nüüd võis repertuaari võtta teoseid, mis vajasid suurt lava ja arvukamat publikut (ligikaudu 1 400 külastajat). Balletirühma suurus kasvas kolmandiku võrra, lähenedes sajale tantsijale. Lisaks pealava etendustele sai Alminsali väikesel laval esitada ka intiimsemaid lavastusi.38 Publikuruumi suurenemine enam kui kaks korda nõudis atraktiivset repertuaaripoliitikat. Uotinen laiendas oluliselt repertuaarispektrit, mis eeldas ka teistsugust personalipoliitikat: uusi tantsijaid palgati raja tagant ja ka väljastpoolt balletimaailma. Esimese hooaja alguses korraldati suurejooneline vabaõhuetendus Parlamendihoone ees; uue maja avamine oli ajastu meediasündmus, mis aitas rängale majanduslangusele vaatamata täita teatrimaja õhtust õhtusse publikuga. Avaetenduseks valiti Vladimir Burmeistri „Luikede järve” 1960. aasta redaktsioon Pariisi Opérale (lavastas Josette Amiel) noorte solistidega: Nina Hyvärinen, Minna Tervamäki ja Anu Sistonen ning Antti Honkanen, Jarkko Niininen ja Juha Kirjonen.39

    Uus lava võimaldas mitmel balletiklassika teosel täies hiilguses lavale jõuda, kuid need ei tulnud enam idast, vaid läänest, ennekõike Prantsusmaalt. Suurtest balletilugudest lavastati Rudolf Nurijevi „Pähklipureja” (1994) ja „Uinuv kaunitar” (1999), Patrice Bart’i „Don Quijote” (1995), John Cranko „Romeo ja Julia” (1996) ja „Onegin” (2000), Natalia Makarova „Bajadeer” (1997)40 ja Sylvie Guillemi „Giselle” (1998). „Giselle’i” esietendus pälvis rahvusvahelise tähelepanu — see oli prantslannast tantsustaari esimene suurlavastus (osal etendustest tantsis Guillem ise ka nimiosa). Selle lavastusega esineti 2001. aastal seitsme etendusega ka Pariisi Châtelet’ teatris. Repertuaari jõudis Millicent Hodsoni rekonstruktsioonina Wacław Niżyński „Kevadpühitsus” (1994), seegi oli tollal lavastus, mis tekitas tantsuringkondades suurt huvi. Uotinen tõi Soome publikuni mitmete tuntud koreograafide lavastusi, sh William Forsythe’i „Steptext” (1993, J. S. Bachi Chaconne’i muusikale Partiitast sooloviiulile nr 2 d-moll) ja „The Second Detail” (1996, Thom Willemsi muusikale), Ohad Naharini „Kyr” (1993), „Perpetuum” (Johann Strauss noorema muusikale) ning „Queens of Golub”, „Tabula Rasa” (1995) ja „Arbos” (1997, kõik Arvo Pärdi muusikale); Jiří Kyliáni „Forgotten Land” („Unustatud maa”, 1996, Benjamin Britteni „Reekviem-sümfoonia” muusikale), Nacho Duato „Duende” (1997, Claude Debussy muusikale), Angelin Preljocaji „Le Spectre de la Rose” („Roosivaim”, 1997, Carl-Maria von Weberi muusikale) ja „Les Noces” („Pulm”, 1999, Stravinski muusikale), Per Jonssoni „Ur” (1998)41 ning Itzik Galili „Blue Grass” (G. F. Händeli, W. A. Mozarti, E. Satie ja A. Vivaldi muusikale) ja „Earth Apples” („Maaõunad”, 2001, Argentiina laulja Mercedes Sosa muusikale).

    Sampo Kivelä ja Susanna Vironmäki John Neumeieri balletis „Kuidas soovite”.
    Soome Rahvusballett, 1993.

    1990. aastatel korraldati Soome Rahvusooperis suurejoonelisi aastavahetuse galasid, kus tantsisid maailmakuulsused, sh Carla Fracci, Emmanuel Thibaut, Jean-Guillaume Bart, Agnès Letestu, Paloma Herrera, Irina Dvorovenko ja Maxim Belotserkovski.

    Uotinen tõi jõuliselt esile soome nüüdistantsu, lavale tulid Arja Raatikai­neni „Painajainen 2” („Luupainaja 2”, 1993, Joe Davidowi muusikale), Kenneth Kvarnströmi „That was all I wanted, so I stuck my finger in his eye” ja „Verienkeli” („Vereingel”, 1994), Tero Saarineni „The Drowned” (1993), „Samalle aaltopituudelle” („Samale lainele”, 2000), aga ka 1986. aastast Soome Rahvusballetis tantsinud Marilena Fontoura „Kajo” (1998, Henryk Góre­c­ki muusikale) ja „R&J” (2000), mis jutustas Prokofjevi partituuri lühendatud versiooniga kompaktselt Romeo ja Julia kurva armastusloo.

    John Neumeier Soome Rahvusballeti tantsijatega balleti „Kuidas soovite” proovis 1993.

    Mitmekülgne repertuaaripoliitika nihutas balleti ja nüüdistantsu piire, laiendas kogemusmaailma, haris ja kasvatas publikut. Uotineni omaloomingust tulid lavale „Ballet Pathétique”42,  „Kaapeli” („Kaabel”, Helsingi Kaablitehases, 1993), „Petruška” (1994), „Lasisonaatti” („Klaassonaat”, 1994), „Hallaöö” (1995)43 , „Kolmas öö” (1999), „Uni” (2001) jt. Ta ühendas balletimaailma tantsuteatri traditsioonidega. Uotinen on öelnud: „Minu jaoks tähendab teatri tegemine korra ja kaose koosmõju. Teater on uni ja ärkvelolek, lavaline luule. Teater, mis jäljendab tegelikkust, ei saa olla huvitav. Teater on teise reaalsuse loomine… See, mis pole veidi moonutatud, ei köida meeli.”44 Uotinenile oli hingelähedane „poeetiline tantsuteater”. Tema koostöö näitleja ja lavastaja koolitusega prantsuse valguskujundaja Claude Naville’iga andis suuna soome nüüdistantsu esteetikale.45 „Jorma Uotinen  on pigem emotsiooniuurija kui jutuvestja. Tants on abstraktne, see ei jutusta lugu, aga ometi ütleb selle iga liigutus midagi,” ütleb Javier Torres.46 Sageli inspireerisid teda maalikunstnikud, sh Egon Schiele („Huuto”/„Karje”, 1984). „Tugevad visuaalsed vahendid olid Uotineni trumbiks. (—) Lisaks visuaalsusel põhinevale dramaturgiale oli nende puhul uudseks see, et teosed ei sisaldanud ühtegi õiget seletust või lugu; vaataja sai arendada mittelineaarselt kulgevatest pildinarratiividest sõnumi iseenda tajuhorisondi järgi, vabastades sel moel oma alateadvuse teose tõlgendamise vajadusest,” sedastab Raisa Rauhamaa.47 Uotineni teostes kajastus postmodernismi individualism. Suure kunstniku tõekspidamised avaldusid repertuaaris ka laiemalt, Soome ballett elas nüüd selgelt uues hinguses ja traditsioonipiire ümber korraldavas õhustikus. Olles alates 1992. aastast järjepidevalt külastanud Soome Rahvusballetti, võin öelda, et minu jaoks oli Soome ballett Uotineni kunstilise juhtimise all kõige mitmekülgsem ja põnevam. Paraku on mitmekülgsel ja ulatuslikul repertuaaril tantsijatöö poolelt vaadatuna ka omad miinused ja riskid. Tollase solisti Susanna Viromäki sõnul: „Keha ei talu kiireid muutusi. Tantsijatel oli toona arvestatav hulk raskeid vigastusi.”48

    Antti Keinänen Jorma Uotineni balletis „Ballet Pathétique”. Soome Rahvusballett, 2003. (Foto 2010. aastast.)

     Uue aastatuhande skandinaavialik algus

    Rahvusballeti pikem periood Soome balletijuhtidega katkes 2001. aastal, mil uueks kunstiliseks juhiks valiti taanlanna Dinna Bjørn. Taani Kuninglikus Balletis tantsijana töötades oli Bjørn tutvunud Taanis silmapaistvat rolli mänginud Bournonville’i tööde ja tehnikatega ning kujunenud rahvusvaheliselt tunnustatud Bournonville’i tehnika õpetajaks ja lektoriks. Siiski oli Bjørni ajal Soome Rahvusballeti repertuaaris ainult üks Bournonville’i ballett, juba varem mängukavas olnud „Napoli”. Seekord jõudis see lavale Frank Anderseni ja Dinna Bjørni lavastusena üheks hooajaks, 2005/06.49 Mitmed teosed tulid Bjørni juhtimise ajal lavale Hollandist: Toer van Schay­ki ja Wayne Eaglingi „Pähklipureja ja hiirekuningas” (2002), Rudi van Dantzigi versioon „Luikede järvest” (2004)50, Hans van Maneni „Black Cake” („Must kook”, Pjotr Tšaikovski, Jules Massenet’, Pietro Mascagni, Igor Stravinski ja Leoš Janáčeki muusikale) ja „Andante festivo” (Jean Sibeliuse muusikale, 2002), Kyliáni „Svadebka” („Pulm”, Igor Stravinski muusikale, 2004) ja „Stepping Stones” (John Cage’i ja Anton Weberni muusikale, 2005). Menukaks kujunesid Ben Stevensoni „Tuhkatriinu” (2001) ja Alexei Ratmansky 2004. aastal Taani Kuninglikule Balletile loodud „Anna Karenina” (Rodion Štšedrini muusikale, repertuaaris aastatel 2007–2009). Uuenduskuuri sai ka „Uinuv kaunitar” (2008), mille lavastas Soome Rahvusballetis tantsinud mehhiklane Javier Torres. „Uinuva kaunitari” lavastus oli lühendatud ja „lapsesõbralikuks” muudetud, koostöös dramaturg Anneli Mägelaga õnnestus Torresil seada lavale põnev muinasjutt, mis erines selle balleti traditsioonilisest divertismentlikkusest. Carabosse roll oli jagatud kaheks nais- ja meestantsija vahel, mis hakkas põnevalt tööle eriti Minna Tervamäki ja Albero Morino esituses.

    Jaakko Eerola ja Minna Tervamäki Glen Tetley balletis „Pierrot lunaire”. Soome Rahvusballett, 2003.

    Ametisse astumise esimestel minutitel teatas Bjørn ajakirjanduses: „Meie aja koreograafe valides otsin autoreid, kes oskavad klassikalist sõnavara tänapäevaselt kasutada. Heaks näiteks Jiří Kylián, niisamuti Paul Lightfoot ja Johan Inger.”51 Nii jõudsidki publiku ette Kyliáni „Petite mort” [muusika: Wolfgang Amadeus Mozarti Klaverikontsert A-duur (KV 488), II osa Adagio ja Klaverikontsert C-duur (KV467), II osa  Andante, 2006] ja „Sechs Tänze” (muusika: Wolfgang Amadeus Mozarti „6 saksa tantsu”, 2006), Johan Ingeri „Walking Mad” (Maurice Raveli ja Arvo Pärdi muusikale, 2008), aga ka Ted Brandseni „Four Sections” (Steve Reichi muusikale, 2002), Glen Tetley „Pier­rot lunaire” („Kuu-Pierrot”, Arnold Schönbergi muusikale, 2003). Bjørn säilitas väljakujunenud repertuaaripoliitika: kõrvuti õhtut täitvate ballettidega (sh Patrice Bart’i „Tšaikovski”, esmalavastus 2005)52 ning John Neumeieri „Kajakas” (Rodion Štšedrini muusikale; Soome Rahvusballeti repertuaaris aastatel 2006–2009). Alates 2002. aastast etendati pealaval igal hooajal üks tripla, st kolmest balletist või nüüdistantsu lavastusest koosnev kava, ja väiksemaid lavastusi tehti Alminsalis. Rahvusvaheliselt tuntud soome koreograafide Jorma Elo ja Tero Saarineni kõrval said võimaluse lavastada mitmed teisedki soome koreograafid, sh Eesti Rahvusballetis hooajal 1994/95 tantsinud Susanna Leinonen [„Suo tihkua vihreä tammi” („Trikle, Green Oak”/ „Soo nõrutab rohelise tamme”, Mia Erlini muusikale, 2003)]. Sel perioodil tegutses Soome Rahvusooperis külaliskoreograafina eestlanna Aita Indrikson-Vuolanto, kes aitas lavale tuua Giacomo Puccini ooperi „Pääsuke” („La Rondine”, 2002) ja W. A. Mozarti ooperi „Võluflööt” („Taikahuilu”, 2006). Bjørni lahkumisõhtu programm (2008) koosnes kolmest lühiballetist: Glen Tetley 1973. aastal valminud ballett „Voluntàries” (Francis Poulenci muusikale), George Balanchine’i viimane Djagilevi trupile loodud ballett „Kadunud poeg” („Le Fils prodigue”, Sergei Prokofjevi muusikale) 1929. aastast ja Harald Landeri „Études” (Carl Czerny muusikale Knudåge Riisageri orkestreeringus) aastast 1948.

    Dinna Bjørni juhtimisperioodi on üldiselt peetud kunstiliselt vaoshoituks. Uotineni järel tundusid need aastad paigalseisuna. Vaja oli tarmukamat juhti.

    Sari Ikonen ja Sara Saviola Val Caniparoli balletis „Jekyll & Hyde”. Soome Rahvusballett, 2020. Soome Rahvusooperi ja -balleti fotod

    Ka järgmine balletijuht, aastatel 2008–2018, oli taanlane — Kenneth Greve, kes oli paljudes asjades oma eelkäija vastand. Kui Bjørnil oli kauaaegne juhikogemus, siis Greve täitis balletijuhi ametit  esimest korda ja tegi seda suure ambitsiooniga. Talle meeldis olla „esikaanel”. Nii nagu Uotineni perioodilgi sai ballett nüüd taas rohkem tähelepanu, piletimüügi poolest elati taas paremaid aegu. Balleti sünnist saadik oli olnud justkui normiks selle allumine ooperile. Balletijuht töötas ooperijuhi alluvuses, ooperil ja balletil oli ühine eelarve, mille üle otsustas lõppude lõpuks ikkagi ooperijuht.53 Greve hooajal saavutas ballett ooperiga kauaoodatud võrdse staatuse, samas aga muutus balletirühma koosseis sedavõrd rahvusvaheliseks, et rahvusballetist tundus vahel isegi naljakas rääkida. Greve soovis rühma noorendada ja üle 40-aastastele tantsijatele pakuti varasemat pensionile minekut. (See oli ka karjääripoliitiline noot paljudele vanema generatsiooni tantsijatele.) Uusi tantsijaid värvati peamiselt väljastpoolt; Greve juhtimisperioodil pääses kohalikest truppi üksnes viis noort tantsijat ja näiteks 2015. aastal olid trupi rohkem kui seitsmekümnest tantsijast alla poole kohalikud. See tänapäevane tendents, mida meiegi oma balletiteatrites näeme, paneb mõtlema, kas olulisem on rahvusvahelisus või omanäolisus. Üks ei pea välistama teist, kuid traditsioonide järjepidevuse jaoks on vajalik, et oleks piisavalt kohaliku tantsumaastiku kasvandikke ning et juhtimine oleks kohalikku traditsiooni austav ja edasi viiv. Selles osas on Eesti balletis toimitud arukamalt. Kuid järelkasvu probleeme ei ole ka Soomes unustatud; positiivne oli see, et Greve eestvedamisel käivitati nn  noorte trupp. 2008. aastal võeti rahvusballeti praktikantideks üksteist noort tantsijat, kellele pakuti erialaste oskuste süvendamiseks täiendõpet ja võimalust alustada balletiartisti eluga. Nii sai neile lühikeste lepingupõhiste tööotste asemel pakkuda järjepidevamat tööd. Noorte trupist sai tuule tiibadesse ka Atte Kilpinen, kes hiljem on tantsinud nii rahvusballeti põhikoosseisus, Hamburgi Balletis kui Tero Saarineni trupis.

    Kui Bjørn täitis repertuaari teiste koreograafide teostega, siis Greve tahtis ise lavastada. Ta tõi lavale „Luikede järve” (2009), mille oli varem lavastanud Prahas54 , ja „Scheherezade” (2010). Kaks balletti lavastas ta koostöös helilooja Tuomas Kantelineniga Hans Christian Anderseni muinasjuttude põhjal: „Lumekuninganna” (2012) ja „Väike merineitsi” (2015). Need olid lääged „Disney muinasjutud”, mis püüdlesid iga hinnaga kommertsedu. Publikumenu saavutati, kuid meelelahutuslikud vaatemängud stiilis „kõik müügiks” ei hiilanud ei hea ajastuteadlikkuse ega  stiilitundlikkusega.55

    Soome iseseisvuse 100 aasta juubeli lähenemine kajastus ka balleti mängukavas, lavale tulid rahvuseeposest „Kalevala” ja  Jean Sibeliuse muusikast inspireeritud Tero Saarineni „Kullervo” (2015) ning Marjo Kuusela balleti „Seitse venda” taaslavastused (aastatel 2013 ja 2017). Korduvalt nähti laval ka Jorma Uotineni töid.56

    Greve juhtimisperioodil etendati balletiklassikutest August Bour­non­ville’i balletti „Sülfiid” (2010, Frank Anderseni ja Eva Kloborgi lavastuses), „Korsaar” (2012, Ivan Liška lavastuses) ja „Giselle” (2018, Cynthia Harvey lavastuses). Kenneth MacMillani ballett „Manon” (Jules Massenet’ muusikale) jõudis Soome Rahvusballeti repertuaari 2011. aasta märtsis ja juba kahe kuu pärast etendus see Eesti Rahvusballeti kavas. Nii jõudis lõpuks mängukavva selle kuulsa inglise koreograafi looming, mille lavale toomise eest nii siin- kui sealpool lahte kandis hoolt Karl Burnett. „Coppélia” uuslavastus (2012) puhus klassikusse uut hingust: koreograaf Marc Ribaud ja kunstnik Dirk Hofacker kandsid selle sündmused üle varase filmimeistri Georges Mélièsi filmistuudiosse.57 Lugu jutustavatest ballettidest etendusid veel John Cranko „Tõrksa taltsutus” (2009, Domenico Scarlatti muusikale Kurt-Heinz Stolze orkestriseades), Saksamaal tegutseva austraallase Terence Kohleri esmalavastus „Cinderella — A Tragic Tale” („Tuhkatriinu — traagiline lugu”, 2011, Lera Auerbachi muusikale), Heinz Spoerli 2007. aastal Zürichis lavastunud „Peer Gynt” (2014), Javier Torrese „Kaunitar ja koletis” (2014, Ottorino Respighi muusikale), Jorma Elo „Suveöö unenägu” (2015, Felix Mendelssohni muusikale) ja „Alice Imedemaal” („Liisa Ihmemaassa”, 2016), Slovaki koreograafi Natália Horečná „Romeo ja Julia” (2016) ja David Bintley „Tuhkatriinu” (2018). 20. sajandi mõjuvõimsate koreograafide lavastustest etendusid Jiří Kyliáni „Bella figura” (2013, Lukas Fossi, Giovanni Battista Pergolesi, Alessandro Marcello, Antonio Vivaldi ja Giuseppe Torelli muusikale), Jerome Robbinsi „Glass Pieces” (2014, Philip Glassi muusikale), Nacho Duato „Bach. Forms of Silence and Emptiness” (2016), Carolyn Carlsoni „If To Leave Is To Remember” (2016, Philip Glassi muusikale)  ja „Pneuma” (2018, Gavin Bryarsi muusikale), Angelin Preljocaji „Les Nuits” („Ööd”, 2018, muusika: Natacha Atlas & Samy Bi­shai, 79D). Aja jooksul tulid avalikuks lood Greve sobimatust käitumisest tantsijatega, mille tulemusel ta vabastati paar kuud enne ametiaja lõppu juhikohustustest.58 Greve oli juht, kes näis tegutsevat pigem isiklike ambitsioonidega ja oma rahvusvahelise tuntuse kasvatamisega rühma mitmekülgse arendamise asemel.

    Uue kunstilise juhina alustas 2018. aastal Rootsi Kuningliku Balleti ja Hongkongi Balleti juhi kogemusega Madeleine Onne. Rootslanna kunstiliste valikute keskmes oli balletiklassika, näiteks „Korsaar» Anna-Maria Holmes’i 2020. aasta lavastuses. („Liška lavaversioon põhineb Marius Petipa 1899. aasta lavastusel, Holmes’i lavaversioon Konstantin Sergejevi 1973. aasta lavastusel.) Kaasaegsema repertuaari valikutes oli eelistatud klassikalise balleti tehnikat kasutav koreograafia, nagu John Neumeieri „Sylvia” (2019, Léo Delibes’i muusikale), Pär Isbergi „Pipi Pikksukk”(„Peppi Pitkätossu”, 2019, Stefan Nilssoni ja Georg Riedeli muusikale) ja Liam Scarletti „Carmen” (2020, Georges Bizet’ muusikale Martin Yates’i orkestratsioonis).

    Repertuaaripoliitika osas näis Onne jätkavat Bjørni vaateid, kuid tema perioodi varjutasid lockdown’id. Koroonapiirangute tõttu muutus lavastuste lavaküpseks saamine ja etendamine problemaatiliseks. Val Caniparoli „Jekyll & Hyde” (2020, Frédéric Chopini, Krzysztof Penderecki, Henryk Górecki, Wojciech Kilari ja Henryk Wieniawski muusikale) valmis paljuski virtuaalselt.59 Onne perioodil lavastus ka ehk tänapäeva tuntuima rootsi koreograafi Alexander Ekmani ballett „COW” (2020, Mikael Karlssoni muusikale). Austraalia koreograafi Lucas Jerviesi „Spartacus” (2021, Aram Hatšaturjani muusikale) tõi mängukavva nõukogude balleti tippteose uues värskes hinguses. Balleti sajandaks sünnipäevaks valis Onne Jorma Elo balleti „Sibelius” ja David McAllisteri  „Luikede järve”, mis koroonapiirangute tõttu esietendus virtuaalselt, televisioonis ja internetis.

    21. sajandi Skandinaavia juhtide perioode Soome Rahvusballetis sidus püüdlus tutvustada nn lühiballettide õhtutega avaramalt tantsumaailmas toimuvat. Siingi oli rõhuasetus läänel, lavale tulid Tim Rushtoni „Dominium” (2002, Philip Glassi ja Martin Åkerwalli muusikale), Mats Eki „FLUKE” (2007, muusika: Fläskkvartetten), Christian Spucki „Le tableau perdu” („Kadonnut kuva”/„Kadunud pilt”, 2009, Felix Mendelssohn-Bartholdy 4. sümfoonia, „Itaalia sümfoonia”muusikale), Uwe Scholtzi „Sieb­te Sinfonie” („Seitsmes sümfoonia”, 2009, Ludwig van Beethoveni 7. sümfoonia muusikale), Nicolo Fonte „Cornered” (2010, Gavin Bryarsi, Ross Edwardsi ja Philip Glassi muusikale), Ohad Naharini „Minus 7” (2010), William Forsythe’i „Workwithinwork” (2010, Luciano Berio muusikale) ja „In the Middle, Somewhat Elevated” (2013, Thom Willemsi muusikale), Petr Zuska „Lyrical” (2011, muusika: Ukraina ja Ida-Slovaki ballaadid „Lada” ja „Vyshivanka”), Jacopo Godani „Spazio-Tempo” (2014, muusika: 48Nord, Ulrich Müller ja Siegfried Rössert), Wayne McGregori „Infra” (2019, Max Richteri muusika) jt. Jätkati ka traditsiooni tellida lavastusi soome koreograafidelt. Lavale jõudsid Tero Saarineni „Georgia” (2003, muusika: erinevad teosed, sh Camille Saint-Saënsi „Surmatants”, „La vie en rose” Édith Piafi repertuaarist ning Time Machine’i „Woodstock Jam”), „Kirkastunut yö” („Kirgastunud öö”, 2005, Arnold Schönbergi muusikale) ja „Mariage” („Pulm”, 2012, Igor Stravinski muusikale), Marilena Fontoura „Carmen” (2003, Georges Bizet’ ja Rodion Štšedrini muusikale) ja „Viime heinäkuu” („Viimane juuli”, 2007, Nicolas Roubanise, Fernando Sori, Eric Satie, Dmitri Šostakovitši, Pēteris Vasksi ja Franz Schuberti muusikale), Kenneth Kvarnströmi „Hohto / Shine” (2009, William Lawes’i, Mika Vainio ja Ludde Hagbergi muusikale), Jorma Elo „HAPPY is HAPPY” (2004, Wolf­gang Amadeus Mozarti muusikale), „OFFCORE” (2008, Philip Glassi muusikale), „Double Evil” (2012, Philip Glassi ja Vladimir Martynovi muusikale), Mammu Rankaneni „Taivaaseen juurtunut puu” („Rooted to Sky”/„Taevasse juurdunud puu”, 2011). Repertuaar on küll mitmekesine, kuid samas eklektiline. Näib, et rohkem kui kunstilistest tõekspidamistest lähtus repertuaaripoliitika „rahvusvahelisuse” ja „trenditeadlikkuse”soovist.

    2021. aasta kevadel teatas Madeleine Onne, et ei kasuta oma lepingulist jätkamisaega. Tema järglaseks valiti Mehhikost pärit Javier Torres, kelle tulemise suhtes olen optimistlik, kuna tänu oma pikaajalisele tantsijakarjäärile tunneb ta kohalikku balletimaailma ja tema lavastused balletirühmale on osutunud õnnestunuks. Soome Rahvusballett on saanud saja-aastaseks, palju on katsetatud, tehtud, nähtud. Praegusel poliitilisel maastikul näib, et ida-lääne-suunaline piir ei kao, kuid tahaks loota, et see ei ole jäik. Soome ballett on olnud ajaloos tähtsaks riikidevahelisi piire ületavaks sillaks ja loodetavasti osatakse seda eripära säilitada, ühendades parimat. Jääb vaid soovida talle õnne ja loota, et tal jätkub tahet leida tasakaal rahvusvahelise ja rahvusliku tantsukunsti vahel.

     

    Viited ja kommentaarid:

    35 Irma Vienola-Lindfors 1991. Doris Laine: On tullut aika vaihtaa Kansallisbaletin johtajaa. — Tanssi, nr 2.

    36  Sauli Miettinen 2020. Jorma Uotinen. Helsingi: Otava, 2020, lk 253.

    37 Irma Vienola-Lindfors 1991. Jorma Uotinen ei ryhdy radikaaleihin muutoksiin. — Tanssi, nr 2.

    38 Jorma  Uotinen alustas tantsijate koreograafia-töötubadega. Tantsijatele anti võimalus proovida kätt lavastamises, neid teoseid etendati pärast Alminsalis. Need töötoad olid suunanäitajaks paljudele tantsijatele koreograafiks kasvamisel, sh Tero Saarinenile, Sami Saikkonenile, Marilena Fontourale ja Javier Torresele.

    39 Aastatel 1983–2008 juhatas Soome Rahvusooperi orkestrit sageli Eri Klas, ka „Luikede järve” esietendusel uues majas 1. XII 1993. Eesti balletiloos sai Burmeistri „Luikede järvest” 1954. aastal alguse Helmi Puuri tähelend. Uotineni juhtimisel loobuti Soome Rahvusballetis tantsijate jagamisest solistideks ja rühmatantsijateks; see võimaldas kasutada noori talente ka solistidena. Greve juhtimisperioodil kehtestati taas vana klassifikatsioon, mis aga kaotati tema lahkumise järel.

    40 Jekaterina Pavlova versiooni „Varjude vaatusest” nähti Soomes esmakordselt 1987. aastal. Makarova versioon valmis Ameerika Balletiteatrile 1974. aastal. Makarova „Bajadeer” (1980) on esimene läänes esitatud lavaversioon sellest kuulsast orientalismiteemalisest balletist. — Balleti „Bajadeer” kavaleht, 2016.

    41 Jorma Uotienil tekkis idee kutsuda Per Jonsson (1956–1998) lavastama pärast tema balleti „Schakt” (Peter Bengtssoni muusikale, 1983/1986) nägemist. „Ur” (Lars Åkerlundi muusikale) jäi Jonssoni viimaseks tööks. (Mietinen 2020, lk 327)

    42 Uotinen üritas kaotada klassikalise balleti vastandumist nüüdistantsule. See inspireeris teda looma Tero Saarinenile soolot „B12” (Serge Aubry muusikale), millest 1989. aastal kasvas Helsingi Linnateatri tantsurühmal välja omamoodi klassikalise balleti maailma kirjeldav „Ballet Pathétique” (Pjotr Tšaikovski 6. sümfoonia muusikale). Teine kuulus soolo sellest lavastusest on „Blue Ballerina” (Helsingi Linnateatris tantsis seda Andrea Ladanyi, Soome Rahvusballetis Nina Hyvärinen).

    43 „Halla” („Hall”) ja „Yö” („Öö”) esietendusid Viinis festivalil „ImPulsTanz” 1995. Balleti „Hall” inspiratsiooniallikaks oli Hugo Simbergi maal.

    44 Jorma Uotinen 1985. The Art of Dance. Helsingi: Kirjayhtymä, lk 8.

    45 Auli Räsänen 1995. Baletinjohtaja. Rmt.: Suomen Kansallisbaletti tänään. Porvoo: Werner Söderström Osakeyhtiö, lk 37.

    46 Javier Torres 1999. — Balletiõhtu „Noces – Steptext — Kolmas yö” kavaleht.

    47 Raisa Rauhamaa 1997. Julkisuus ja taide: Miten valokuva teki Jorma Uotisesta tähden. Rmt.: Valokuvan tanssi. Oulu: Pohjoinen, lk 223.

    48 Raisa Rauhamaa 1998.  Susanna Vironmäen ballerinan paini. — Tanssi, nr 4. Samasugust kriitikat olen kuulnud tollastelt tantsijatelt ja füsioterapeudilt.

    49 Dinna Bjørni Taanis 1992. aastal loodud teise vaatuse koreograafia balletile „Napoli” on viidud vastukaaluks esimese ja kolmanda vaatuse realismile veealusesse maailma. — Balleti „Napoli” kavaleht, 2005.

    Dinna isa Niels Bjǿrn oli Taani Kuningliku Balleti kunstiline juht aastatel 1961–1965. Oma esimest hooaega Soome Rahvusballetis juhtis Bjǿrn veel Oslos tegutsedes; alates 1990. aastast oli ta juhtinud ka Norra Rahvusballetti ja Helsingis oli tema abiks Allan Land.

    50 1988. aastal Amsterdamis esietendunud Rudi van Dantzigi versioonis pole „Luikede järve” keskmes mitte Odette, vaid prints Siegfried, kes pöörab selja olulistele õukonnaintriigidele. Ta eelistab talupoeglikku elustiili. Odette pole selles versioonis mitte luigeks nõiutud naine, vaid olend, kes sümboliseerib Siegfriedi ideaalseid mõtteid autentsusest ja puhtusest. Odile seevastu esindab materialistlikke ja sensuaalseid jooni. — Balleti kavaleht, 2004.  Lavastuse karaktertantsude koreograafiks oli Toer van Schayk.

    51 Jan-Peter Kaiku 2001. Dinna Bjørn haluaa baletin näkyvän myös oopperan ulkopuolella. — Tanssi, nr 1.

    52 „Ma ei ole tahtnud jutustada tema elulugu, vaid minu eesmärk on olnud kirjeldada mõnede kujundite kaudu tema sisemiste vastuolude dramaatilisust.” — Patrice Bart 2005. Tsit.: Balleti „Tšaikovski” kavaleht.

    53 2007. aastal tõi ooperi raske majanduslik olukord kaasa reformid, teatrijuhiks määrati väljastpoolt ooperimaailma tulnud Päivi Kärkkäinen, kelle alluvuses said ooperi ja balleti kunstilised juhid võrdse positsiooni. Ballett saavutas iseseisvuse nii rahalises mõttes, repertuaarivalikute kui ka personali osas. Uus kunstiline juhtkond komplekteeriti järgmisel aastal, balleti uueks kunstiliseks juhiks sai Greve. 2015. aastal muudeti ka teatri ametlik nimi Soome Rahvusooperiks ja -balletiks. Greve taastas 2009. aastal rahvusballetis tantsijate tiitlid: uuele tavale vastavalt määrati rahvusballetis ametisse staar-, esi- ja soolotantsijad. Minna Tervamäki nimetati staariks, étoile’ideks nimetati hiljem ka Petia Ilieva, Jaakko Eerola, Salla Eerola, Nicolas Ziegler, Samuli Poutanen, Eun-Ji Ha, Michal Krčmář ja Tiina Myllymäki. Madeleine Onne’i ametiajal aga staartantsija nimest loobuti ja soolotantsijate klass jagati esimeseks ja teiseks solistiks.

    54 Soome ajakirjanduses võis enne esietendust korduvalt lugeda sellest, kuidas Kenneth Greve „uuendab” ja libreto „probleemid” leiavad lahenduse. Nii aga ei juhtunud. Lavastus ei lummanud ei uudsuse ega traditsioonilisusega. Värskendamises puudus läbivus ja sihikindlus. Seekord ei armunud prints Siegfried mitte luike, vaid tunniks ajaks Odette’i näol naisesse, kelle Rothbart oli kinni püüdnud ja luigeks võlunud. Kõmulisust taotleti homoerootilise armastuse lisamisega — Siegfriedi sõber Benno on  temasse armunud, kuid asjatult. Benno reedab sõbra, ent lõpuks ohverdab end Siegfriedi ja Odette’i õnne nimel. Greve säilitas vana ja lisas uut, tulemuseks oli segadus. Greve oli palju traditsioonilisi kohti uuesti koreografeerinud ja karaktertantsude osa lühendanud. Luikede rühmatantsud olid uue liikumismaterjaliga, nende olemus oli muutunud „inimlikumaks”. Suuremalt jaolt oli balletist kaotatud „valgete vaatuste” rühmatantsu ornamentika — tableux vivants’i puudumine lõi ettekujutuse sellest, mis juhtub, kui võtta klassikaliselt balletilt ära sellele omane arhitektuur. Tulemuseks oli maastiku muutumine igavamaks, „mustas kastis” tantsivad väikesed luiged mõjusid kontsertnumbrina jne. Sidususe asemel kasvas divertismentlikkus. Greve oli säilitanud Petipa ja Ivanovi klassikalise koreograafia tipphetked ja need jäidki selle lühendatud lavaversiooni kõrghetkedeks. See oli lavastus, mis kuvandina tõi vaimusilma dieedikuuri läbinud petipaliku klassitsismi.

    55 Näiteks „Lumekuningannas”, mille Kenneth Greve külalisetendustega ka Kopenhaagenisse viis (2017), oli keiserliku aja Helsingit kujutavasse lavapilti toodud „rahvusliku” elemendina letkiss (letkajenkka) ehk rivijenka.

    Kenneth Greve viimases balletis Soome Rahvusballetile, „Kalevalamaa” (2017), astusid lavale tänapäeva pärimusmuusikat viljelev Värttinä, akordionist Kimmo Pohjonen ja Soome Ravusooperi koor. Lavale loodi pilte Soome ajaloost ja tänapäevast. Tegemist oli värvikireva spektaakliga, mis mängles rahvuslike ikoonidega: rahvuseepos, Marimekko, Tom of Finland, Jorma Uotinen, Angry Birds jne, kuid tegi seda pinnapealse stereotüüpsusega. Oli neid, kes võtsid lavastuse vastu innustunult, kuid oli ka neid, kelle jaoks see oli kõike muud kui hästi serveeritud kavalkaad.

    56 „Colours” („Värvid”, 2006, Kimmo Pohjoneni muusikale), „Black Water” („Must vesi”, 2010, Tuomas Holopaineni muusikale, loodud esmalt 2009. aastal Malmö Skånes Dansteaterile), meesrühmale loodud „Jord” (2016, rokk-kvartett Apocalyptica muusikale, loodud algselt 2005. aastal Taani Kuningliku Balleti meesrühmale).

    57 Rudolf Nurijev tõi „Tuhkatriinu” (1986) tegevustiku 1930-ndate Hollywoodi.

    58 Esimene meediaskandaal Greve ümber kerkis esile 2010. aastal, mil osa tantsijatest kritiseeris  rahvusringhäälingus YLE tema juhtimisstiili meelevaldsust ja tantsijate ülekoormamist (haiguslehed olevat aastaga  kahekordistunud). 

    59 Tööd lihtsustas tõik, et Caniparoli oli rühmaga juba tuttav; 2017. aastal oli ta toonud Helsingis lavale „Kameeliadaami” Frédéric Chopini muusikale.

     

    Kasutatud  materjalid:

    Jussi Iltanen. Kansallisbaletin käänekohtia. — Kansallisbaletti 100 vuotta — Ooppera–Baletti (oopperabaletti.fi).

    Anne Makkonen. Suomen taidetanssin historiaa. Teatterikorkeakoulun julkaisusarja 57. Suomen taidetanssin historiaa (teak.fi).

    Maija Paavilainen 1994. Joutsenlammen esitysperinne Suomessa. — Tanssi, nr 1.

    Auli Räsänen 1995. Suomen Kansallisbaletti tänään. Porvoo: Werner Söderström Osakeyhtiö.

    Tiina Suhonen 1997. Kaunoliiketaiteesta tanssirealismiin: Suomalaisen tanssin historiaa. Rmt.: Valokuvan tanssi. Toim. Hanna-Leena Helavuori, Jukka Kukkonen. Riitta Raatikainen, Tuomo-Juhani Vuorenmaa. Oulu: Pohjoinen, lk 11–34.

    Heidi Almi (toim.) 1992. Suomen kansallisbaletti 1922–1992. Helsingi: Fazer.

    Irma Vienola-Lindfors & Raoul af Häll­ström 1981. Suomen Kansallisbaletti 1922–1972. Helsingi: Fazer.

    Johanna Laakkonen, Aino Kukkonen, Raisa Rauhamaa, Riikka Korppi-Tommola, Tiina Suhonen, Eero Hämeenniemi, Harri Kuusisaari, Jukka O. Miettinen, Heta Rei­tala & Joanna Weckman 2021. Se alkoi joutsenesta. Sata vuotta arkea ja unelmia Kansallisbaletissa. Keuruu: Otava.

    Soome Rahvusooperi ja -etenduste andmebaas Encore (opera.fi).

  • Arhiiv 30.08.2022

    30 AASTAT JÄRJEPIDEVAT EESTIKEELSET FILMIHARIDUST

    Jüri Kass

    Käesolevasse albumisse on kogutud fotod, mis pärinevad filmikunsti õppekava vilistlastelt ja õppejõududelt ja on pildistatud tudengitega seotud sündmustel (sh tudengifilmi võtetel, kaitsmistel, väljasõitudel jne.) viimase kolmekümne aasta jooksul.

    Albumis on pilte järgmistelt vilistlastelt ja õppejõududelt: Sten-Johan Lill, Tiina Andreas, Kristjan-Jaak Nuudi, Moonika Siimets, Tanno Mee, Margit Keerdo-Dawson ja Elen Lotman. Moonika Siimetsa võtete piltide autoriteks on Rivo Sarapik ja Viljar Sepp.

    Kui keegi pildil olijatest märkab pildiallkirjades vigu aastaarvudes või nimedes, siis kindlasti kommenteerige — saame ära parandada. Pilte ootame alati juurde. Sel aastal kuulutasime välja videomaterjalide kogumise ja tekkis muljetavaldav videoarhiiv (arhiivi digitaliseeris ja sorteeris Oliver Päss), kuid fotosid kogume samuti. Nii et kui käesolevat arhiivi satub vaatama mõni endine õppejõud, kooli töötaja või tudeng, kellel on samuti ajaloo jaoks pilte jagada, palun saatke need elen@tlu.ee.

    ELEN LOTMAN

    .rbs_gallery_6420ddd852206Spinner{ margin: 50px auto; width: 50px; height: 40px; text-align: center; font-size: 10px; } .rbs_gallery_6420ddd852206Spinner > div{ background-color: #333; height: 100%; width: 6px; display: inline-block; -webkit-animation: rbs_gallery_6420ddd852206-stretchdelay 1.2s infinite ease-in-out; animation: rbs_gallery_6420ddd852206-stretchdelay 1.2s infinite ease-in-out; } .rbs_gallery_6420ddd852206Spinner .rbs_gallery_6420ddd852206Rect2 { -webkit-animation-delay: -1.1s; animation-delay: -1.1s; } .rbs_gallery_6420ddd852206Spinner .rbs_gallery_6420ddd852206Rect3 { -webkit-animation-delay: -1.0s; animation-delay: -1.0s; } .rbs_gallery_6420ddd852206Spinner .rbs_gallery_6420ddd852206Rect4 { -webkit-animation-delay: -0.9s; animation-delay: -0.9s; } .rbs_gallery_6420ddd852206Spinner .rbs_gallery_6420ddd852206Rect5 { -webkit-animation-delay: -0.8s; animation-delay: -0.8s; } @-webkit-keyframes rbs_gallery_6420ddd852206-stretchdelay { 0%, 40%, 100% { -webkit-transform: scaleY(0.4) } 20% { -webkit-transform: scaleY(1.0) } } @keyframes rbs_gallery_6420ddd852206-stretchdelay { 0%, 40%, 100% { transform: scaleY(0.4); -webkit-transform: scaleY(0.4); } 20% { transform: scaleY(1.0); -webkit-transform: scaleY(1.0); } } 1998. Aleksei Aleksejev dokirežissööride kursuselt Laia tänava montaažiruumis aastal2004. Margit Keerdo ja Elen Lotman oma diplomifilmi _Naaber_ võtteplatsil2005_D~12005. Elen Lotman ja Lembit Ulfsak Moonika Siimetsa filmi _Deus ex Machina_ võttel2005. Lembit Ulfsak Moonika Siimetsa tudengifilmi _Deus ex machina_ võtteplatsil2006 Kaader Tanel Toomi Inglismaale õppima mineku tõttu valmimata jäänud magistrikursusel filmitud lühifilmist Rasmus Kaljujärve ja Marika Vaarikuga2006. Mirtel Pohla ja Agnes Aaliste näitlejatena Jim Ashilevi ja Margus Karu lõputöö _Sireenid_ võttel2007. Alvar Kõue ja Rein Pruul maadlevad Aaton A-Minima kaameraga2008 aastal vastu võetud lend Sütiste hoone kinosaalis2012. Esimene kursusebänd esimesel Püha Jüri Päeval - Mattias Veermets, Kaur Kokk, Greta Varts, Elari Lend2012. Esimene Püha Jüri Päev Sütiste tee maja kohvikus, vaid pool aastat pärast Sillarti lahkumist, mida sai nimetatud ka kui _Püha Jüritus_2012ST~12015. Filmiajaloo õppejõud Jaak Lõhmus tudengitega Nova kinosaalis2015. Hetk Lembit Petersoni näitlejatöö eksamilt režiitudengite Ulrike Brett Uukkivi ja Rebeka Rummeliga2015. Juba traditsiooniliseks kujunenud kursusebändide kontsert Püha Jüri Päeval, laval stsenaristikatudengid Triin Kadaja ja Andreas Aadel2015. Väljasõit tudengitega mööda Eesti filmide võttepaiku kuni Tõstamaani, fotol endale omases seisundis Tõnu Talpsep2016. 21 sajandi tudengid tööhoos2016. Helitudeng Liisa Taul dekoratsiooni seina viimistlemasGrupipilt Sütiste tee maja kõrvalHeli 2001 ja legendaarne Matti Kuortti Film AudiosHelitudengite workshop. Kristjan Kurmi näoilme peegeldab seda, mida tähendab kogemusõpeJIMASH~1Jüri Sillart Sütiste tee kabinetis oma kõige tuttavlikumas poosisJüri Sillarti ajal mitme lennu teise kursuse filmiks olnud Vanapagana filmide kunstinõukogu ees kaitsmineKotka tänava paviljon mis asus ühe vana koolihoone aulasKSHINN~1KSOLUL~1Kõik, kes mäletavad Jüri Sillartit, mäletavad ka seda tassi.Ly Pulk kõigile Sütiste teel õppinud tudengitele tuttavas keskkonnas, alati avatud õppetoolisMargit Keerdo foto Rasmus Merivoo filmi _Tulnukas_ võtteplatsiltMirtel Pohla ja Agnes Aaliste Jim Ashilevi ja Margus Karu lõputöö võttelMoonika Siimetsa lühifilmi _Tere! Mina olen Tom_ võttel, näitleja Andres Maimik ja operaator Elen LotmanMärt Avandi ja Ott Sepp filmi _Tulnukas_ platsilNoor režissöör Kaur Kokk loominguliselt viljastavates tingimustes puhkehetkelNITLEJ~1Nüüdseks on meie hulgast lahkunud nii meenutaja kui meenutatav - Maria Klenskaja kõneleb Püha Jüri Päeval 2016Operaator Ivar Taim ja režissöör Moonika Siimets võttelOperaator Meelis Veeremets ning sobiv riietus Rasmus Merivoo filmi _Tulnukas_ võtteplatsileOperaatorite eriala meister Mait Mäekivi arutamas midagi tudengitega Sütiste tee hoones, pildil Markus Orav, Ivar Taim, Sten-Johan Lill ja Raimo KaubiOperaatoritudeng Aivo Rannik ja seisundOperaatoritudengid Sten-Johan Lill ja Ott TiigirandPaviljonis ehitamise oskuse saavad kõikide erialade tudengid. Ehitamas montaažitudeng Aivo Jääger ja stsenaristikatudeng Johan KuduPJPPRE~2Praegune BFMi tootmisjuht Toomas Sääs kui ta veel Kotka tänava paviljoni tehnikalaos töötasProdutsent Kristjan Pütsep, kunstnik Kristjan Suits, näitleja Pääru Oja ja režissöör Kaur Kokk ning tüüpiline tudengifilmi olukordRasmus Merivoo hiigelkäsi filmi _Sagedused_ võtteplatsil tervitamas Volmer Kliimandit ja segadusse ajamas Ants AndreastRasmus Merivoole iseloomulikult salvestatud hetked Priit Pääsukese filmi _Sagedused_ võtteplatsiltRekvisiidilao talgutel juhtub huvitavaid asju. Montaažitudeng Kaupo Muuli 2016 vastu võetud lennustRežiitudeng Kaur Kokk ja produktsioonitudeng Kristjan Pütsep tudengifilmile omases seletamatus olukorrasRežiitudeng Rein Zobel 2012 aastal vastu võetud lennust tudengifilmi dekoratsioonisRežiitudeng Triin Ruumet tudengifilmi võtteplatsiRežissöör Moonika Siimets, operaator Elen Lotman ja näitleja Pille Pürg _Deus ex machina_ platsilSarjast legendaarseid koolitöötajaid - Nova hoone valvelaudSillart nimetas rezhii-ope-kunstnik tandemit _kuldseks kolmansuseks”. Üks selline tudengifilmis 2005 - Moonika Siimets, Elen Lotman, Jaagup RoometSirje Runge arvestus veel Sütiste teel, pildil Mihkel Soe, Heiko Sikka, Sirje Runge, Robert Linna, Alvar KõueSTEN-J~1Sütiste tee maja legendaarne kohvik ning kohvikupidaja, keda kõik tol ajal õppinud tudengid mäletavadTanel Toom filmi platsil, mis praaklindi tõttu valmis ei saanudkiTarkovski filmi Stalker kaadri koopia jaoks valmiv dekoratsioon milles filmitakse set extension harjutus koos Tartu 3D tudengitegaTudengifilmi jaoks iseloomulik olukord. Tormi Torop ja Rauno Kuusik 2014 vastu võetud lennustTudengifilmi jaoks iseloomulik situatsioonTudengifilmi montaaž kestab sageli öid ja päevi ning elu valgub montaažiruumist ka esikusseTudengifilmide askeetlikud tootmistingimused õpetavad nutikust ja paindlikkust tehnika ära mahutamiselTudengite õppeaja kustumatud mälestused on seotud kogu kooli personaliga, nagu näiteks meeldejäävate kohvikutöötajategaTudengitööde kasinad tingimused nullindate alguses, Elen Lotman kaameraga, Tanel Toom põrandaharjast tehtud poomigaVolmer Kliimand BFMi ees HMI valgustite testpäevalVärskelt koristatud tudengifilmi dekoratsioon ning sõnum kooli tootmisjuht Toomas Sääs_ilePPESPE~1Üks vanemaid pilte Jüri Sillarti tukastamisest loengus, võetud salaja tudengi poolt veel Laia tänava klassiruumisvar rbs_gallery_6420ddd852206 = {"version":"3.1.5","id":5884,"class":"id5884","roboGalleryDelay":1000,"mainContainer":"#robo_gallery_main_block_rbs_gallery_6420ddd852206","loadingContainer":"#rbs_gallery_6420ddd852206-block-loader","loadingContainerObj":"rbs_gallery_6420ddd852206-block-loader","columnWidth":"auto","columns":3,"resolutions":[{"columnWidth":"auto","columns":3,"maxWidth":960},{"columnWidth":"auto","columns":2,"maxWidth":650},{"columnWidth":"auto","columns":1,"maxWidth":450}],"lightboxOptions":{"gallery":{"enabled":true,"tCounter":"%curr% of %total%"}},"overlayEffect":"direction-aware-fade","boxesToLoadStart":12,"boxesToLoad":8,"waitUntilThumbLoads":1,"LoadingWord":"Loading...","loadMoreWord":"Load More","noMoreEntriesWord":"No More Entries","horizontalSpaceBetweenBoxes":15,"verticalSpaceBetweenBoxes":15,"lazyLoad":1,"wrapContainer":"#robo-gallery-wrap-rbs_gallery_6420ddd852206"};
  • Arhiiv 26.08.2022

    „RANNAPARM” — KOMPROMISSITU OOD PIIRIDETA VABADUSELE, AGA KINDLASTI MITTE SUVALINE KOMÖÖDIA

    Jüri Kass

    „Rannaparm”. Režissöör ja stsenarist: Harmony Korine. Operaator: Benoit Debie. Produtsendid: Charles-Marie Anthonioz, Mourad Belkeddar, Steve Golin, John Lesher. Helilooja: John Debney. Kunstnik: J. Mark Harrington. Osades: Moondog — Matthew McConaughey, Lingerie — Snoop Dog, Minnie — Isla Fisher, Captain Wack — Martin Lawrence, Flicker — Zac Efron, Lewis — Jonah Hill jt. Mängufilm, kestus 95 min. © Iconoclast/Anonymus Content/Le Grisbi Productions/SPK Pictures/Vice Films/Riverstone Pictures/Rocket Sience. USA. Esilinastus 9. III 2019.

     

    2019. aastal linastunud „Rannaparm” („The Beach Bum”) ei ole teinud erilist kassat ega saanud rohkelt auhindu, sest kriitikud ja ehk ka paljud vaatajad on selle filmi puhul lähtunud pingutuseta kätte paistvast pindmisest kihist. Käiku on läinud segadusse ajavate filmide üks (retseptsiooni)variantidest, kus otsustatakse, et teos siiski ei ole deep. Teise hindamisvariandi puhul saanuks tõdeda, et kuna asi on kahtlane, sest pole kindel, millised on tegijate peidetud taotlused, tuleb igaks juhuks kuulutada teos sügavaks. Hinnangut, et tegemist pole sügava filmiga, on ehk toetanud ka McConaughey (Moondog) ja Harmony Korine’i (režissöör-stsenarist) intervjuud, kus nad on andnud küsijatele mõista, et erilisi tagamõtteid filmist otsida polegi vaja. Säärane vastamine on aga trikiga ja sellega ühemõtteliselt, sõna-sõnalt nõustumine liialt lahtisest uksest sisse minemine. Vastuse allegoorilisem tõlgendamine oleks sisukam, sest show-maailmas tulebki lugeda rohkem n-ö ridade kohalt, mitte ridu endid. Samuti on „Rannaparmu” puhul mugav eira­ta mõlema mehe (McConaughey ja Korine) sisemaailma arenguteed, mis sellise, omas võtmes täiusliku teoseni nagu „Rannaparm” üldse viia sai.

    Niisiis ei ole „Rannaparm” komöödia tavalises, nalja tegemise mõttes. Mitte et film tervikuna nalja ei sisaldaks, aga see, et nalja saab, on pigem midagi tasuta kaasande sarnast, nagu neid 1930-ndatel mõnikord ajalehtedele lisati. Nagu ohverdatud vigur males, tänu millele saab võimalikuks partii tegelik edu.

    „Rannaparm” ei ole ka stoner comedy, millena teda siin-seal on püütud määratleda, sest ka kanep, tubakas ja alkohol on vaid komponendid, ilma milleta ei saaks peategelane Moondog vajalikul määral šokeerida. Film ei soovita kanepit ega viina, vaid annab läbi võimsa liialduse kinnituse, et igaühe otsus rebida end lahti kellegi teise reeglitest on siin ja praegu tema vaba valik. Pidada Moondogi aga hedonismi harrastajaks oleks sama, mis pidada kala ennekõike heaks ujujaks. Kala lihtsalt ujub, teadvustamata, et see pole kõndimine ega lendamine, ja Moondog toimib samadel alustel — mõlemad on need, kes nad on.

    Juba pealkiri „Rannaparm” sisaldab vaataja jaoks lõksu, sest nii koleda pealkirjaga film justkui ei saakski olla tõsine kunstiteos. Paraku on filmi pealkiri osa teose tervikkoodist, mille iga vaataja peab ise lahti muukima. Eduka koodimurdmise eelduseks on siin võime evida vabadust eelarvamustest. Nn tavavaataja võib filmi tegelikku olemust mõista ehk vahedamaltki kui kõrgelt õppinud ja rohkesti ajakohaseid kriteeriume omaks võtnu, kes laveerib osavalt sümbolite ja parasjagu kultuuriliselt tähtsana näivate maamärkide vahel. Veelgi enam, lihtne „poetagune” võib omaenda elukogemustest lähtudes kohe näha, et tõepoolest, kõigel meie ümber ei olegi mingisugust sügavamat mõtet, kõik voolabki nii, nagu see filmis ka Moondogi jaoks voolab. Tõdemus, mis on hämmastavalt sarnane ida mõtteloo essentsiga. Aga „Rannaparm” ei annagi ennast vaatajale lihtsalt kätte; ta libiseb eest ära just hetkel, mil arvad, et oled millestki aru saama hakanud.

    Filmi allhoovused ei ole peidetud, aga neid ei pruugi ka palja silmaga näha, kui ei ole McConaughey ja Harmony Korine’iga samal võnkesagedusel. Kuigi Moondogi roll ei olnudki algselt mõeldud McConaugheyle (see oli kirjutatud Gary Oldmanile), on saadud tulemuse võtmeks just nende kahe mehe loomejoone kokkusaamine hetkel, mil „Rannaparm” oli küps sündima. See film on nagu võimas kosmiline purse, mis varem sündida ei olekski saanud ja mida hiljem poleks tema loojatel enam vaja olnud. Korine’i tähendusrikas mitmeaastane filmipaus tõotaski teost, mis ei soovi vaid veidi meelt lahutada. Lapsena kommuunis elanud mees, teismeliste seksist ja mõnuainetest ning inimese sisekaemusest filme loonud tundlik natuur, kes on ennast otsinud ka läbi raamatute kirjutamise, fotograafia ja muusikavideote, oli „Rannaparmu” teostamiseks — mis oma sügavamas kihistuses ei jaga ainsatki õpetust ega taotle mitte midagi — küps samal hetkel, mil McConaughey oli küps Moondogi rolli jaoks.

    „Rannaparm”, 2019. Režissöör Harmony Korine. Moondog — Matthew McConaughey ja Lingerie — Snoop Dog.

    McConaughey raamidevabadust ja iseenda elu üle otsustamise jutlusi saame nautida tema YouTube’i monoloogides või ka näiteks videodialoogides Sadhguruga (Jagadish „Jaggi” Vasudev), aga ka tema raamatus „Greenlights”, mis sisaldab kokkuvõtet mehe ellujäämisõpetusest. Vaba hinge McConaughey eneseabi loengute tuuma moodustavad jõulised nõuanded teemadel, kuidas lõpuks ometi hakata elama omaenda elu, kuidas loobuda mõtetust kellelegi teisele meeldimise püüdest, kuidas teha selgeks, mis on inimese tõeline loomus siin elus ja kuidas seda kohe järgida, kuidas jõuda eduni ka lõpuks enesega rahul olles, kuidas mõista, et iga inimene on iseenda eluraamatu autor jne. Oma asja kompromissitu ajamine teeb McConaughey sõnul ainsana õnnelikuks, võtab ära hirmu põrumise ees, teeb vaimu vabaks ja annab loomele tiivad. Vaid nii sünnib orgastiline loomevabadus, mis võib viia ka eduni tegevusväljal. Ja kui ei vii, siis kompenseerib kosmose ees ausaks jäämisest saadud rahulolu ja enesearmastusest ja -austusest tulenev hea läbisaamine iseenesega kogu maailma arvamused. Läbi näitleja ja kirjutaja isikliku kogemuse edasi antud teesid ei paigutu niivõrd filosoofia valda, pigem on need dharma kirjeldamise püüd. Rõõm protsessist, mitte protsessijärgsest eesmärgist on sarnane india mõtteloost ammugi lähtunud õpetusega, et tähtis pole mitte tulemus, vaid pühendumine tegevusele.

    Ka „Rannaparmu” õpetussõnadeta sisetukseteks on vabanemine enesele seatud keeldude-käskude orjusest, loobumine kellegi teise — laiemalt võttes lausa meie ajastu või veelgi laiemalt, paradiisist väljaheitmise järgse elukorralduse — ette antud kinnismõtetest. Seega võib „Rannaparmust” arusaamise alus peituda McConau­ghey ja Korine’i täiuslikult samases teemamõistmises; just siit saame leida mõttelise silla, mis viib filmi loojate sisemaailmast üle kaljulõhe filmi endani. Selle tulemusena on sündinud film, mis oma sisemise tühjuse kui absoluudi kaudu on täielikum kui mis tahes temaga näiliselt sarnane  moraliseeriv teos.

    „Rannaparmu” „idee” seisneb viimasegi idee lahustamises olematusesse. Läbi kontseptsioonituse ja eesmärgituse, samal ajal protsessi ilu kaotamata, näidatakse kõige äärmuslikumate vahenditega tegevusväljal omaks võetud kategooriate — jah, ka hea ja halva — tegelikku olemust, mis budismi järgi on oma loomult kaduvad ja seega tühjad. Alles pärast totaalset šokki, mis ei ole naljakas, aga toimuva olemust paljastades kõikehaaravalt kergendav, saabub mõistmine, et päriselt olemas olevat tuleb nüüd alles otsima ja harjutama hakata. Nüüd lõpuks saab alata iseenda väärtuslik inim­eksistents. Filmis kõlab ütlusi, nagu we are all the same, mis ongi mõistetavad igaühele omal tasandil. Mõistmisvõimekusest hoolimata jääb igal juhul sõnumiks tõdemus, et kõik lihtsalt toimub ja toimib — selline ongi universumi loomus.

    „Rannaparm”. Moondog.

    „Rannaparmu” ei saa eelmainitu tõttu määratleda ka žanriliselt ja hea oleks seda mitte proovidagi, kuna ka film ise ei määratle mitte midagi. Teosel on oma tegevuskäik, sest muidu peaksime vaatama valget ekraani (mis oleks muidugi veelgi täiuslikum, aga sel juhul peaksime me teadma, et tegemist on filmiga „Rannaparm 2”). Siin ei tehta meie apokalüpsisemaigulise hullumajamaailma kulul nalja, vaid pelgalt eksegeesitakse seda mõnede tema eredate fenomenide kaupa, samas muidugi ka terviklikult üldistades. Jah, küll läbi keskse loo, mis koondab enda ümber kõik vajaliku. Näidatav mandumiskultuur on sätitud nalja kattevarju alla, valatud jaburasse vormi. Aga ilma naljatunnet tekitamata. „Rannaparmu” võiks siiski soovi korral paigutada zen-filmide kategooriasse; see oleks täpne ja aus määratlus, aga ainult juhul, kui määratleja annab endale aru, et ka zen on kokkuvõttes kontseptsioon, mistõttu oleks seegi paigutus tinglik.

    Kui kunstnik tunneb hästi oma ajastu inimesi ja oma ajastu loomust, saab ta alati olla kirjeldatavast paar sammu ees. Moondog kehastab kastirahva jaoks ohutut sümbolit, kedagi, kes nad ise oma ulmades tahaksid olla. Modelleeritud tavanormidest hirmuga kinni hoidvate inimeste jaoks kehastab peategelane nende endi projektsiooni ulmaellu, kus piiridega elukorraldus ja mugavustsoon on lõpuks hüljatud, kus ollakse vaimselt sõltumatu ja oma salamõtteid enam ei varjata. Tegelikus elus teeseldakse rahulolu „õige” elumudeliga, et mitte kohtuda homse päeva oota­matustega ega langeda teiste, „tähtsate” inimeste põlu alla. Kuid kui ollakse sedavõrd out of mind, nagu Moondog kahtlemata „edukate” jaoks on, siis aktsepteeritakse salamõnuga ka narkouima loomet ja otsitakse vaba vaimu lendu kas või roppustest. Sest see isik (Moondog) on olnud nii vaba ja võimas, tavainimesele oma loomevõimalustes kättesaamatu. Vaesed raamides järeleahvijad on aga sunnitud siingi tegutsema oma võltsimidži nimel teadlikult, erinevalt mehest, kes ei tea isegi seda, mis tal parajasti seljas on.

    Moondog kui veider elukunstnik ja vagabund on kõrvalseisjatele nagu sülle kukkunud ohutu võimalus teeselda üheskoos poolehoidu ja imetlust seal, kus ise üle oma varju hüpata ei julgeta. Nii pälvibki tõeliselt vaba mees Moondog väärt kirjandusauhinna isikutelt, kes ennast enne magama jäämist temaga igatsevalt ja salaja samastavad, et siis hommikul taas hirmutada tema kui veidrikuga lapsi, kes ei taha koolis käia.

    Filmi ei tooda sisse spirituaalset aspekti, seoseid valgustumisega tuleb vaatajal näha ilma toetava arengu- või virgumispüüdluse teemata. Vaimne püüdlus annaks alibi käituda nn välise maailma suhtes põlastavalt. Moondog nii kergelt ei libastu, ta jääb, nagu Lennoni „Imagine”, kindlaks loobumisele, mis on vaba ka usulisest paradigmast. On väheoluline, kas Moondog tõmbab auditooriumi täiuslikult haneks või ehk ongi ta  nn pärisvalgustunu, sest valgustumine kui püüd, kui egotripp või ka määratlus ei ühtiks valgustumise kui sihiga/absoluudiga. Moondog lihtsalt on. Ilma vaimse kastmeta ei lähe valgustumine tavaliselt masside silmis eheda fenomeni alla, kuigi sümptomid võivad olla hämmastavalt sarnased.

    Hullu, elupõletaja või ehk isegi labase elunautija roll oleks igatahes täiuslik kattevari tegelasele, kes ei soovigi, et teda tavakombel läbi nähtaks, ja samas ei pruugigi see kõik olla roll. Vaatajatena me selles küsimuses selgust ei saa, vastus polegi selles filmis oluline. Mehena kleidi kandmine võib olla teadlik samm, et näidata sama tegevatele wannabe’dele, kuidas nende uuskultuur väljastpoolt paistab, aga see võib olla ka minaseosed lahustanud isiku kogemata tehtud valik. Kõrvalseisja ei saa lõpuni kindel olla, kas see, et Moondog kleiti kannab, on teadlik samm või mitte, ja igaks juhuks tuleb siis taas teeselda vaimustust ja alasti kuningale aplodeerida. Lisaks pole olemas valgustumise mõõtu juhul, kui inimene ise ei tea sellisest kategooriast mitte midagi. Kuigi taas, tegemist võibki olla teadliku valikuga, et end tegevusvälja seostest legitiimselt (hinnangu „ta on hull” abil) lahti haakida.

    „Rannaparm” on niisiis teos, mis paneb eriti rängalt proovile nende vaatajate taluvuspiiri, kellel on väljakujunenud arusaamad „õigetest” inimelu standarditest ja käitumismallidest. „Tõde” teadev ja järgiv inimene ei suuda ju mõista, miks keegi võiks üleüldse vilistada turvalisele elujärjele või heale renomeele. Filmi kaudu (enda arvates) nõelata saanutele jääb alibi, et „väheväärtusliku inimolendi” kaudu ebamugavate teemade näitamine ei ole tegelikult tõsiseltvõetav. Teisest küljest sobib film elutarkadele, kes ei solvu ka siis, kui nende sisemine salamaailm kinolinal paljastub — tark suudab sel hetkel kaasa muiata.

    Kompromissitu kontseptsioonituse huvides on see film sunnitud näitlikustama ka valudetaile, mis ei jäta kahtlust,  et määratlemiskategooriad on tõepoolest hüljatud. Lõpuni tingimusteta inimene suudab tingimusteta armastada ning jah, ka seks ja sellega seotud arusaamad on vaid kontseptsioon. Seetõttu ei ole Moondogile tema abikaasa Minnie (Isla Fisher) suhe nende sõbra Lingeriega (Snoop Dog) probleem. Ratastoolis mehe vägivaldne röövimine on seik, kus läbi äärmusliku näite kinnitatakse, et hea ja halb on mõlemad tegevusvälja kontseptsioonid.

    „Rannaparm”. Minnie — Isla Fisher ja Moondog.

    Moondogi otsus raamat kirjutada ei tulene soovist olla taas „rahaga abielus”, sest ta pole seda kunagi olnudki. On selge, et auhinnad ja nominatsioonid ei ole praegu enam märk kõrgtasemel raamatust või filmist, ja seda Moondog Pulitzeri saades ilmekalt ka tõestab. Aga tõepoolest, miks peaks keegi, kes ei hooli tulemusest, tegutsema näiliselt tuleviku nimel? Kas kiusu või pulli pärast? Ei kumbagi, sest ta on mõistnud, et tegemine ja mittetegemine on sama kaaluga. Seega, miks mitte siis üks kord teha? Et hiljem Pulitzeri saanud teost Moondogil kirjutada vaja ei olnud, tõestab raha põletamine filmi lõpus, mis võtab käest viimasegi argumendi neilt, kes lootsid, et Moondogi raha siiski huvitab. Pettunutel jääb üle vaid tõdeda, et mees oli enne rikas parm, nüüd aga vaene parm. What a shame!

    „Rannaparm”. Moondog.

    Ei tohi unustada, et „Rannaparm” on siiski fiktsioon, mida pole võimalik päriselus jäljendada. Igapäevases reaalsuses võiks Moondogi koht vabalt olla sundraviasutus, Captain Wack (Martin Lawrence) ei ajaks segamini haisid ja delfiine, peaaegu pimedad isikud ei tegutseks lenduritena jne. Ka Minnie mõistaks päriselus, et tema abikaasa geniaalsus ei seisne mitte ta loomes, vaid võimes jääda iseendaks, isegi kui see nõuab kaatritäie raha ärapõletamist. Päriselus oleks Moondogi analoogiline käitumine eluaegne meditatsioon koopas või valgustunud inimese rahumeelne eluläbine maailmavaatlus. Need asjad oleksid proovimist ja saavutamist väärt.

     

  • Arhiiv 25.08.2022

    UNESCO MUUSIKALINNA TIITLIGA „JAZZKAARELE”

    Jüri Kass

    Tänavune, 33. „Jazzkaar” toimus juba kaheksandat korda Telliskivi loomelinnakus, kus selleks on üsna soodsad tingimused: kaks erineva mahutavusega saali koos juurdekuuluva baari ja sobiva lavaga, hea asukoht kesklinna piirimail ja ühtlasi võimalus külastada ka Fotografiska näitusi. Peale Tallinna oli sel aastal üritusi  veel viies Eesti linnas ja kontsertide valikki oli üsna mitmekesine. Käesolev ülevaade piirdub siiski peamisega, käsitledes Telliskivi loomelinnakus toimunud kontserte, mida oli üle kolmekümne. Välja jäävad ka kodukontserdid ja linnaruumi ettevõtmised, mis džässi reklaami huvides on kahtlemata vajalikud, kuid mitte just päris tõsiseltvõetavad. Festivali avakõned olid kultuuriministrilt ja Tallinna linna esindajalt ja selleks oli ka põhjust: tänavusest aastast on Tallinn Euroopa UNESCO muusikalinn! See tiitel toob koos võimalustega kaasa ka kohustusi, millest „Jazzkaare” festival oli üks esimesi.

     

    24. aprill

    Vabal Laval: Joel Remmeli & Peedu Kassi „Ood metsale”

    Joel-Rasmus Remmel (klaver), Peedu Kass (kontrabass), Martin Petermann (trummid, SPD-S-sämpler ja etnilised löökpillid), Jaan Jaanson (kitarrid), Aleksander Paal (saksofon ja flööt), Jason Hunter (trompet ja flüügelhorn), Marten Meibaum (tšello), Hans Christian Aavik (viiul), Bert Prinkenfeld alias Bert on Beats (elektroonika), Tencu (videokunstnik), Meelis Lusmägi (valguskunstnik) ja Kaur Kenk (helikunstnik).

    Tegemist on süidi vormis teosega üheksale muusikule ning video-, valgus- ja helikunstnikule. Suurepärane, hästi läbi komponeeritud ja ka uuenduslik teos —  minu andmeil pole seni keegi (peale paari aasta taguse ebaõnnestunud projekti „Saja lugu”) kasutanud teose ühe osana videoprojekti. Ma ei oska öelda, kui palju oli video- ja valguskunstniku osa partituuris kirjas (või oli see jäetud asjaosaliste endi otsustada?), kuid siinkirjutaja arvates oli seda pisut palju. Videokunstnik oli küll näinud palju vaeva ja ka kvaliteedile polnud midagi ette heita, kuid siin tekkis põhimõtteline küsimus: kas nii põhjalikult läbi tunnetatud/komponeeritud muusikale, milles on ka suurepärased soolod, on üldse visuaaltausta vaja? See on pigem kuulaja muusikast arusaamise alahindamine. Antud juhul kippus see oma liialt närvilise kirevusega soovitule vastupidist efekti andma, kellegi kontseptsiooni peale surudes ja keskendumist hajutades tähelepanu kõrvale tõmbama. Omal kohal oli see vaid lisapalana autorite duo esitatud lõigus. Muusikateos ise oli sedavõrd hästi ja põhjalikult läbi komponeeritud, et sellise „puust ja punaseks” spikri järele polnud mingit vajadust. Teose nautimist segas pisut ka meie džässipubliku harjumatus kuulata selliseid, meil harva esitusel olnud stiilis suurvorme — pikad aplausid süidi osade vahel (mis kompositsiooni ja ka esituse poolest olid igati teenitud) jupitasid teose ära, laskmata tekkida korralikul tervikul. Tõsi, džässis on juba ammu tavaks aplodeerida õnnestunud soolode peale, kuid antud juhul muutus see mitmel korral segavaks. Isegi sedavõrd, et ühel juhul „uputasid” vilumatud kuulajad aplausi sisse ära uue osa alguseks ette nähtud vaikse linnulaulu… Kogu selle pika jutu lõpetuseks tuleb aga tõdeda, et teos ja ka selle esitus olid sedavõrd nauditavad, et see jäi lõppkokkuvõttes prevaleerima. Ja saalitäis kuulajaid tänas autoreid-esitajaid püsti seistes pika aplausiga. Suurepärane ja stiilne algus tänavusele festivalile!   

    Joel Remmel & Peedu Kass. „Ood metsale”.

    25. aprill

    Vabal Laval: „Jaak Sooäär 50”: Eesti keeled” feat. Riho Sibul & Vaiko Eplik

    Jaak Sooäär ja Ain Agan (kitarrid), Tuule Kann ja Pille Karras (kandled), Riho Sibul ja Vaiko Eplik (laul ja kitarrid).

    Sellega tähistati Jaak Sooääre 50 aasta juubelit. Tavaliselt valitakse sel puhul kontserdile kõige esinduslikum lõik juubilari möödanikust. Ilmselt siis peab Jaak seda perioodi oma senisel muusikuteel kõige väärtuslikumaks. Selle koosluse parimad aastad jäävadki 21. sajandi algusesse, kui valmisid nende kolm tähelepanu äratanud albumit, aga ilmselt mälestati sama kontserdiga ka eelmisel aastal lahkunud ansambli raudvara Jaak Johansoni. Kooslus Eesti keeled oligi olemuselt mitme stiili piirimail: ansamblis olid esindatud  võrdselt kolme stiili muusikud: kaks džässimeest (Jaak Sooäär ja Ain Agan), kaks rahvamuusikut (Tuule Kann ja Pille Karras) ja kaks rokkarit (Riho Sibul ja Vaiko Eplik), kõik  tuntud tegijad. Varalahkunud Johansoni asemel oli kaasatud Vaiko Eplik, kes sulas ansamblisse nii, nagu oleks ta seal kogu aeg olnud. Samas oli tema lugu meie kuulsatele Unodele — Naissoole ja Loobile pühendatud „Go on, Uno!” — kõige džässilikum sellel kontserdil (bossanoova oli ka mõlema Uno lemmikrütme). Mõnusalt asjakohase meenutuse ansambli hiilgeaegadest tegi Tuule Kann oma stiilse Kuu­salu rahvalaulu esitusega. Kui veel lisada juubilari improvisatsioonid ja Riho Sibula rokilikult kähedahäälne laul,  sai kokku täiesti omapärane, kuid stiilitult stiilne kava.

    Riho Sibul ja Jaak Sooäär kavas „Jaak Sooäär 50”: Eesti keeled feat. Riho Sibul & Vaiko Eplik. Birgit Vaarandi fotod

     

    Fotografiska saalis: Rajandi/Koldits ja „Elajannad”

    Eva Koldits (tekstid), Mingo Rajandi (kontrabass), Erki Pärnoja (kitarr), Meelis Vind (klarnetid), Tobias Tammearu (saksofonid), Johannes Kiik (tromboonid), Villu Vihermäe (tšello ja gamba) ja Ahto Abner (trummid).

    „Elajannad” on omanäolise helilooja Mingo Rajandi huvitav ja hästi kõlanud teos seitsmele instrumentalistile ja lugejale, kus vägagi tähtsal kohal on lavastuslik külg. Vastavalt reklaamile olevat see tänapäeva naise pilk vanakreeka tragöödia kangelannade maailmale. Neid teemasid kandev muusika oli küll hämar ja sünge, nagu ka peaesinejate ajastu stiilis riietus, kokkuvõttes aga siiski  suunaga valguse poole. Sellest tulenevalt andsid ansamblis tooni  madalakõlalised instrumendid (kontrabass, bassklarnet ja tromboonid), ehk nagu ütleb Rajandi: „… ka bassipillide südames on varjul puhkemist ootav meloodia, õrnus ja ilu.” Eriti jäidki meelde Meelis Vindi ja Erkki Pärnoja soolod bassklarnetil ja kitarril. Tekste esitanud tuntud näitlejatar Eva Koldits oli ka kõnealuse etenduse lavastaja. Kahjuks ei leidnud ma kusagilt teavet tekstide autori kohta, mis esitati väga mõjuvalt ja sobisid etendusse suurepäraselt. Publiku vastuvõtt  oli tunnustav — pikk aplaus.

     

    Vabal Laval: Neil Cowley (Suurbritannia)

    Neil Cowley on minimalismi viljelev pianist ja helilooja. Hoolimata heast reklaamist oli tulemus kesine,  Cowley  kasutas põhiliselt praeguse popmuusika suurmoe võtet: tüütuseni korratud naiivsed kolmkõlad naaberastmetelt. Erilist fantaasiat ega loomingulisust see ei vaja, sekka ka sama elektroonikaga kesisevõitu visuaaltaust, mis uputatakse kõik ülipika pedaali alla. Oli tõsiselt kahju sellele kulutatud ajast.

     

    26. aprill

    Vabal Laval: „Eesti džässiauhinnad 2022”; Holger Marjamaa, Heikko Remmel & Lee Pearson

    Džässiauhindu annavad välja Eesti Jazziliit ja „Jazzkaar” koostöös festivali toetajatega, tänavu juba 16. korda. Auhinnad antakse välja viies kategoorias:

    Aasta džässmuusiku auhind — pianist ja helilooja Kirke Karja

    Noore džässitalendi auhind Anette Tamm

    Aasta džässihelilooja — kontrabassist ja helilooja Peedu Kass

    Aasta džässiedendaja Klassikaraadio ja Ivo Heinloo

    Aasta džässansambel Sooäär/Yaraljan/Ounaskari trio

    Kõik laureaadid said kingiks fotograaf Kaupo Kikkase töö sarjast „Sisekosmos” ja rahalise auhinna. Õhtu jätkus eelmise aasta džässmuusiku tiitli laureaadi Holger Marjamaa ansambli kontserdiga.

    Holger Marjamaa (klaver), Heikko Remmel (bass) ja Lee Pearson (trummid) on tähelepanu vääriv kooslus. Kui varasematel aastatel on „Jazzkaarel” olnud probleeme Fotografiska saali võimendusega, samas kui Vabal Laval on see alati olnud ideaalilähedane, siis seekord oli vastupidi: juba mitmendat korda oli Fotografiska saali võimendus laitmatu, Marjamaa kontserdil Vabal Laval aga kahjuks ülepingutatud. Trio kõlanivoo oli ligi 10 Db võrra liiga tugev, mistõttu mattus suur osa basskitarri partiist üldisesse müdinasse. Mina aga (ja ma pole ainus!) tahaksin kuulda iga nooti, eriti nii suurepärase bassisti mängust, kui seda on Heikko Remmel. Antud juhul aga mattus see kõik helimehe  tõttu, eriti kahes esimeses, rajumas loos, üldisesse fooni. Kahju! Kui Heikko võttis kontrabassi, paranes olukord veidi, kuid võimenduse üldine nivoo jäi siiski põhjendamatult kõrgeks.

    Kontserdist niipalju, et valdav osa sellest oli Holger Marjamaa (klaver, helilooja) (uudis)looming, milles tähelepandav osa oli ka Heikko Remmelil ja Lee Pearsonil. Kuna kahte esimest on niigi palju kiidetud — ja igati teenitult —, tõstaksin siin esile ka Lee Pearsonit. Tänavu polnud küll esimene kord teda „Jazzkaarel” kuulda — ta osales festivalil juba 2008. aastal Roy Ayersi ansamblis —, kuid tõele au andes mulle sellest korrast midagi erilist ei meenu. Seekord aga äratas ta tähelepanu oma aktiivse ja loomingulise mänguga. Eriti tooksin välja tema löögi sisemise energia, mida ta oskas kasutada tempot säilitades. See on omadus, millest meie trummarite enamikul puudu jääb. Suurepärane kontsert, mille ebaõnnestunud algusest on tuliselt kahju.

    Eesti džässiauhinnad 2022. Tiia Teder (keskel, Klassikaraadio) auhinnasaajatega.
    Rene Jakobsoni foto

     

    Fotografiska saalis: Duo Tafenau & Vind feat. R. Padilla

    Raivo Tafenau (saksofon), Meelis Vind (klarnet) ja Ricardo Padilla (löökpillid).

    Duo Tafenau & Vind võib tagasi vaadata oma ligi paarikümne aasta pikkusele tegevusele. Pärast eelmise helikandja „Two Minds & Two Lines” valmimist pausi teinud duo tuli festivaliks uuesti kokku. Sel puhul liitus tuntud duoga ka tšiili löökpillimängija Ricardo Padilla. Kui siiani oli duo lööklauseks „Džäss kahele”, siis nüüd oli „Džäss kolmele”. Tulemus oli igati arvestataval tasemel. Nagu Raivo märkis, ei oska ta Ricardo pille nimepidi välja tuua — neid, kusjuures meile täiesti tundmatuid, oli nii palju. Raivo nimetaski neid lihtsalt „vidinateks”. Jääb vaid imetleda Ricardo fantaasiat nende kasutamisel. Tulemus oli igati meistrite vääriline (mida kõik kolm ka kahtlemata olid). Noored, õppige, kuidas ebatraditsioonilise koosseisuga huvitavat muusikat teha!

    „Jazzkaar 2022”: Duo Tafenau & Vind feat. Ricardo Padilla.
    Urmo Männi foto

     

    Vabal Laval: Macijej Obara Quartet  (Poola, Norra, Rootsi)

    Macijej Obara (Poola, saksofon), Dominik Wania (Poola, klaver), Ole Morten Vaagan (Norra, bass) ja Jon Fält (Rootsi, trummid).

    Macijej Obara Quartet saabus siia seoses Tallinna UNESCO muusikalinnaks kuulutamisega sama tiitliga Poola linnast Katowicest, tuues tervituse nende festivalilt „JazzArt”. Macijej Obara on Poola džässielus tuntud juba 2006. aastast, kui ta võitis Poola noorte džäss­ansamblite konkursi. Käesoleva kvartetiga on nende koostöö toimunud alates 2017. aastast, kui nende album „Unvolved” (ECM) pälvis maineka Fryderyki preemia kahes kategoorias. Vaieldamatult kaasaegne džäss selle erandiga, et nad ei kasuta mingitki elektroonikat, nii haruldane, kui see tänapäeval ka pole. Suured meistrid omal alal. Väärt elamus!

    Macijej Obara Quartet.
    Sven Tupitsa foto

     

    Fotografiska saalis: Trio _ IO (Poola) 

    Zofia Ilnicka (flööt), Łukasz Marciniak (kitarr) ja Jakub Wosik (viiul).

    Teine poolakate esindaja tänavusel festivalil oli maksimaalne kontrast eelmisega — elektroakustiline koosseis, mis reklaami kohaselt ühendab vaba improvisatsiooni ja kaasaegset kammermuusikat. Oli see nüüd džäss? Aga miks ka mitte? See oli sedavõrd piirimail, et on raske otsustada. Aga muusika oli improvisatsiooniline ja omapäraselt huvitav. Näiteks saime teada, mis häält teeb flööt, kui otsast sisse puhuda…

     

    27. aprill

    Alexela Kontserdimajas: Dee Dee Bridgewater & Estonian Dream Big Band (USA-Eesti)

    Dee Dee Bridgewater (USA, vokaal), Estonian Dream Big Band, dirigent Siim Aimla.

    Läksin kontserdile mõningase ärevusega, sest kuigi teatud eas daamide puhul pole kombeks vanust mainida, räägivad enam kui 50 artistiaastat enda eest. Selles eas võib iga aasta tuua suuri ootamatusi — meeles oli veel suhteliselt hiljutine „elamus” omaaegse supertähe, sama vana Bobby McFerrini esinemisest Nordea kontserdisaalis. Seekord oli kõik aga parimas korras algusest peale: juba fuajees lõi sobiva meeleolu New Orleansi stiilis ansambel, kes mängis tuntud džässistandardeid. Tänavuse festivali peaesineja kandis oma tiitli auga välja. Hoolimata naislaulja jaoks kõrgest east (71!), oli solist nii hääleliselt kui ka muidu hiilgavas vormis. Kontsert koosnes džässi klassikast tänapäevastes seadetes, kus oluline osa oli meie bigbändi muusikutel, kes sellega ka auga toime tulid. Dee Dee Brid­gewater oli ka hea suhtleja, mõõduka huumoriga ja, mis vägagi oluline, ei kaldunud liialdustesse. Laulja tutvustas ka oma tütart China Mosest, kellel oli meeldiv alt ja kes esines ka paari päeva pärast omaette kontserdiga. Läksin huviga kuulama. Kõnealune kontsert täitis igatahes kõik lootused, ka bigbänd ja eriti solistid Raivo Tafenau tenorsaksofonil, Aleksander Paal altsaksofonil, Jason Hunter trompetil, bassist Mihkel Mälgand ja pianist Jürmo Eespere. Ja muidugi dirigent Siim Aimla. Tänan, üks üle aastate elamus!

    Dee Dee Bridgewater.
    Eve Saare foto

     

    Vabal Laval: Kadri Voorand (vokaal ja klaver) ja „Kontsertlesila”

    Nagu Kadri kohe algul teatas, olid selle kontserdi ajendiks mõned teda vaevama jäänud uitmõtted, mis vajasid välja elamist. Kontsert, kui seda nii võib nimetada, oligi magamistoalik: saalis madratsid, tekid ja padjad, mida Kadri soovitas vajaduspõhiselt ka kasutada. Müsteeriumi tekitamiseks oli ta üllatuskülalisena appi kutsunud tuntud kitarristi ja helilooja Erki Pärn­oja. Ise tuli ta lavale öösärgitaolises (ilmselt siiski mitte tõelises), maani ulatuvas, avaras valges tualetis ja istus klaveri taha. Eelmainitud soovitusi küll ilmselt enamikul täita ei õnnestunud, kuna esituse, mida võiks liigitada vabaimprovisatsiooniks, helinivoo tõusis kohati üpris kõrgele, Kadri ise aga sattus vahepeal üsna transitaolisse seisundisse. Selline lähenemine oli ka ainuvõimalik — kuigi Kadri on suurepärane laulja, olnuks pärast Dee Dee kontserti mõttetu diivale samas stiilis konkurentsi pakkuda. Antud juhul, miks ka mitte, üritas ta seda teha ebatavalises vormis.

     

    28. aprill

    Vabal Laval: Avishai Cohen ja tema „Big Vicious”

    Avishai Cohen (trompet, süntesaator ja efektid), Uzi Ramirez ja Yonatan Albalak (kitarrid), Aviv Cohen (trummid) ja Ziv Ravitz (löökpillid ja live-sämpling).

    Tuntud trompetivirtuoosi ja helilooja  Avishai Coheni ansamblil (NB! mitte segi ajada tema nimekaimu, bassist Avishai Coheniga) oli üpris huvitav koosseis, mis tekitas omapärase olukorra: kasutati palju idamaiseid rütme, mille õigeid nimesid ma kahjuks ei oska nimetada. Juba algus oli omapärane — Avishai tuli lavale tunkedes ja asus elektroonikat näppima. Peatselt lisandusid ka teised ja ühinesid, alates trummaritest, tasapisi solistiga. Erilise kõlavärvi andsid kaks kitarristi, kellest kumbki polnud otseselt bassimängija funktsioonis. Kõik, kaasa arvatud trummarid, kasutasid ohtralt elektroonikat. Kuna teadustamist ei peetud vajalikuks, ei oska ma lugude autoreid öelda, kuid tõenäoliselt oli see, vähemalt enamikus, ansambli liidri looming. Omapärase valikuna tuleks mainida teise loona esitatud töötlust kuulsast Chopini „Leinamarsist” (Klaverisonaadi nr 2, b-moll III osa), kus solist demonstreeris oma suurepärast tooni ja kõrgeid noote. Huvitavaks tegi asja aga improvisatsioonilise vahelõigu käsitlus, kus trompeti 4/4 taktimõõdu taustal mängisid saateinstrumendid 12/4, st kolm korda kiiremini. Kõik ansambli liikmed said oma võimeid pikkades soolodes tõestada. Trompetisti iseloomustas üldse suurmeisterlik üleolek mängutehnilistest probleemidest, aga oma tõelisi võimeid demonstreeris ta alles lisapalana esitatud pikas soololoos, mille algus oli omapärane: bänd tuli lavale ja võttis kohad sisse, siis tuli aga Avishai Cohen, hakkas mängima ja bändi muusikud, mängimata ainsatki nooti, lahkusid lavalt… Kogu kava võiks paigutada nn seisundimuusika kategooriasse. Kokku­võtteks vägagi iselaade, kuid üldsegi mitte halb elamus.

     

    Fotografiska saalis: Valter’s Harpejji Band

    Valter Soosalu (harpejji), Artis Boriss (klahvpillid), Ott Adamson (trummid) ja Kirsten Kütner (kitarr).

    Selle harjumatu kõlaga nime taga on tegelikult muusikariist harpejji (loe harpedži), mille maaletoojaks on Valter Soosalu. Siinkohal oleks vist sobiv lugejaile lühidalt tutvustada seda uut, alles 2007. aastal USAs loodud instrumenti. Harpedjji ühendab nii klahvpillile kui elektrikitarrile omaseid mänguvõtteid. Tal on 24 bassi- ja kitarrikeelt, tema kõla on pigem kitarrilik, harmoonia- ja faktuurikäsitlus meenutab samas klahvpilli.

    Valter’s Harpejji Band on üks maailma esimesi selle instrumendi keskseid originaalmuusikat viljelevaid ansambleid. Seega võis nende kontserti ka reklaamüritusena võtta. Algul tutvustaski Valter oma uut lemmikut ja selle võimalusi, üritades ka mõned soolonumbrid esitada. Solisti taset ta seekord küll välja ei andnud, kuid ülevaate pilli võimalustest sai tõesti. Lugu paranes tunduvalt, kui ühinesid teised, varem ansambli Põhja Konn liikmetena tuntud bändi liikmed Kristen Kütner kitarril, Artis Boriss klahvpillidel ja Ott Adamson trummidel. Tänu nende muusikalisele energiale sai kava hoo sisse ja nüüd, saatepillina, õigustas ka harpejji end, lisades huvitavaid kõlavärve. Ka Valter tundis end nüüd vabamalt ja mängis mitmeid huvitavaid soolosid. Peamiselt funky-stiili kalduv kava leidis publiku ülisooja vastuvõtu. Jõudu tööle uue instrumendi avastamisel!

     

    Vabal Laval: China Moses (USA)

    China Moses (laul), Vincent Charrue (klahvpillid), Josiah Woodson (kitarr), Laurent Salzard (bass) ja Davy Honnet (löökpillid).

    See oli kontsert, kuhu läksin suure huviga. Oli ju muusik päev varem suure menuga esinenud Dee Dee Bridgewateri tütar, kelle paljulubavat alti ka ema kontserdil kuulda sai. Üllatavalt palju oli kontserdile tulnud keskealist publikut. Kahjuks seekord mu ootused ei täitunud. Kuigi väliselt olnuks nagu kõik korras, jäi sisu pool lahjaks, seda kõikenakatavat energiat, mida Dee Dee kontserdil oli küllaga, tütrel polnud. Ka reklaamis lubatud „suurepärast svingitunnetust” polnud kusagilt leida. Asja ei parandanud ka tema kalduvus sisutühjale lobisemisele. Kontakti publikuga igatahes ei tekkinud, ta ei saanud isegi nooremat publikut tantsima, kuigi lavaesine oli selleks tarbeks tühjaks jäetud. Vastupidi, oli üpris palju lahkujaid, seda just nooremate seas, kellele see kava ju mõeldud oligi. Mis teha, ema kingad osutusid tütrele (esialgu?) liiga suureks. Oma osa oli siin ka viletsal helikvaliteedil, kuid selles pole meie mehi põhjust süüdistada — tal oli oma helitehnik kaasas.

     

    Fotografiska saalis: Maarja Nuut & Nicolas Stocker (Eesti, Šveits)

    Maarja Nuut (vokaal ja live-elektroonika) ja Nicolas Stocker (trummid).

    Maarja on meil hästi tuntud multiinstrumentalist ja helilooja, kes on välja andnud ka kolm sooloplaati, mitmetest koostööalbumistest rääkimata. Nagu ta enda kohta kirjutab, on tal „instinkt ja vajadus sondeerida erinevate maailmade helistiile ja tehnikaid — nende salajased keeled ja koodid saavad osaks (…) loomekeerisest, kaotamata sidet esivanemate hingedega”. Selle eesmärgi nimel on ta rakendanud nii vokaali kui tähelepanuväärse kogumi elektroonikat, mille käsitlemisel ilmutab silmapaistvat osavust. Sama eesmärgiga on ansamblis ka väga heal tasemel Šveitsi avangardtrummar Nicolas Stocker. Kuigi nende mängitud muusika oli omaette põnev, meeldis mulle Maarja Nuut viiuldajana rohkem — tema praegune looming oli liialt elektroonikakeskne. Kuid loodetavasti läheb ka see vaimustus üle ja Maarjas löövad uuesti välja  mängiva muusiku geenid. „Jazz­kaarel” tutvustasid nad 2021. aastal Kopli stuudios valminud ja laia tähelepanu pälvinud albumit „Hinged”.

     

    29. aprill

    Vabal Laval: Hamilton de Holanda Trio

    Hamilton de Holanda (mandoliin), Salomão Soares (klaver) ja Thiago Big Rabello (trummid).

    Kavas olid brasiillaste (ja mitte ainult!) ebajumala Tom (Antonio Carlos) Jobimi surematud hitid.

    Hamilton de Holanda on legendaarne Brasiilia mandoliinivirtuoos ja helilooja, kes mängib unikaalset brasiilia kümnekeelelist mandoliini (bandolim). Selle muusika mängimiseks vajaliku pagasi omandas ta noorena tänavatel samba eelkäijat ja seega džässi sugulast choro’t mängides. (Muide, bossanoovat, mis on välja arenenud sambast, nimetatigi algul just džäss-sambaks!) Ta on mänginud koos paljude džässi tippudega, alates Wynton Marsalisest ja Chick Coreast, võitnud mitmeid Latin Grammysid ja Brasiilia muusikaauhindu. „Jazzkaarel” esines ta koos nimeka noore pianisti Salomão Soaresi ja trummar Thiago Big Rabelloga. Pianist, kes kasutas kahte erinevat klahvpilli, mängis ise ühega neist ka bassi. Seega igati väärikas ja ülihuvitava kõlaga koosseis. Alustatigi kahe Tom Jobimi tuntud teemaga: „Wave” („Laine”) ja „Desafinado”. Järgnevalt demonstreerisid nad oma improvisaatorivõimeid ja virtuoossust meile vähem tuntud teemadega. Suur osa kontserdist kulus paraku võimenduse probleemide lahendamisele: küll polnud solisti mikrofon sisse lülitatud, kaua otsiti klahvpillimängijale, kes mängis ka bassipartiid (nagu seda Hammondi orelil tavaliselt tehakse), õiget tämbrit jne, mis oli seda hämmastavam, et võimendusega tegeles brasiillaste oma helimees. Lõpuks lahendaski klahvpillimängija probleemi ise, otsides pillilt talutavalt kõlava registri. Kuna see kõik võttis üpris kaua aega (lavalolija ei kuule ju seda helipilti, mis saali läheb), tekkis korralik kõla alles kontserdi viimasteks lugudeks. See, mis  nüüd tuli, oli tõeline ja vastupandamatult haarav brasiilia rütmika — kõik kolm esinejat olid vaimustavad virtuoosid. Vägev elamus! Kahju, et sellest ainult osa pärale jõudis.

    Hamilton de Holanda.
    Eve Saare foto

     

    Fotografiska saalis: Maria Faust ja Jazz Catastrophe

    Maria Faust (saksofon), Lars Pilgaard (kitarr) ja Anders Vestergaard (trummid).

    Olles varasematel aastatel kuulnud Maria eesmärgipäraselt skandaalseid, nn agressiiv-konfliktseid programme (erandina võiks välja tuua eelmisel sügisel Nigulistes kuuldud suurepärast „Maarja missat”), läksin kontserdile teatava ettevaatlikkusega. Õnneks oli seekordne kava koos kitarrist Lars Pilgaari ja trummar Anders Vestergaardiga katastroofist kaugel. Olemata küll sellise stiili austaja, pean tunnistama, et oma idee selles leidus ja seda arendati vabaimprovisatsioonile kohaste vahenditega. Sellele osale mitte just väga arvukast publikust, kes olid kava kuulama tulnud, see meeldis. Nõuti isegi lisapala.

     

    Vabal Laval: Siim Aimla Funk Band feat. Alika Milova, Eleryn Tiit ja Silver Laas programmiga „Respect the Funk”

    Alika Milova (vokaal), Eleryn Tiit (vokaal), Silver Laas (vokaal), Siim Aimla (saksofon), Jason Hunter (trompet), Sten Valdmaa (tromboon), Paul Daniel (kitarr), Roland Jairus (bass), Artis Boriss (klahvpillid) ja Karl-Juhan Laanesaar (trummid).

    Funk-stiil on meie tuntud saksofonisti, dirigendi ja pedagoogi soontes tuksunud ammu ja antud kavaga tegi ta kummarduse selle stiili raskekaallastele, alates James Brownist, Mi­chael Breckerist, Aretha Franklinist kuni Nils Landgrenini. Tulemit võib kuulata värskelt ilmunud heliplaadilt „Blind Date”, mida kontserdil esitletigi. Kuna kogu septett koos lauljate trioga oli tänu plaadi tegemisele üliheas vormis, said arvukad funky-sõbrad elamuse täie raha eest, kui nii võib öelda. Siim ise sai end aga näidata niihästi suurepärase, ka seda stiili valdava saksofonistina kui ka asjaliku kontserdivedaja/-juhi ja suhtlejana. Tulemuseks poolteist tundi heatempolist ja ebapõhjamaiselt temperamentset muusikat. Repertuaarivalik oli tehtud kõikide eelmainitud suuruste hittide seast. Solistidest võiks välja tuua kõik kolm lauljat; tunnustamata ei tahaks jätta ka instrumentaalsoliste Siim Aimlat, Jason Hunterit ja Artis Borissi. Keda lähemalt huvitab, kuulake albumit! Müts maha ka helimeeste ees — kogu helipilt oli veatu.

    Siim Aimla Funk Band feat. Alika Milova, Eleryn Tiit ja Silver Laas programmiga „Respect the Funk”.
    Siiri Padari foto

     

    30. aprill

    Fotografiska saalis: Kalle Pilli Quintet, „Lantau”

    Kalle Pilli (kitarr), Keio Vutt (saksofonid), Joel-Rasmus Remmel (klahvpillid), Janno Trump (basskitarr) ja Ramuel Tafenau (trummid).

    Tundub, et koroonaepideemia on muusikute produktiivsusele lausa väetavalt mõjunud, uusi plaate tuleb nagu Vändrast saelaudu. Ka Kalle Pilli Quintet esitles oma värskelt ilmunud, tõsi küll, juba oktoobris salvestatud ja ka kohapeal vinüülina saadaval olnud plaati „Lantau”. Kuna plaat oli äsja valminud, polnud ka mingit kahtlust ansambli heas mänguvormis, mis koosseisu vaadates pidanuks niigi selge olema. Nagu öeldud, olid esinejad tasemel ja plaadi sisu ümberjutustamise asemel soovitaksin asjahuvilistel see lihtsalt läbi kuulata. Esitlusel viibinud kuulajad jäid igatahes rahule.

     

    Vabal Laval: Siiri Sisask ja Kristjan Randalu, „Lingua mea”

    Siiri Sisask (vokaal), Kristjan Randalu (klaver), Carsten Netz (Saksamaa; saksofon, klarnet ja elektroonika), Petros Klampanis (Kreeka; kontrabass), Paul Wiltgen (Luksemburg/USA, löökpillid),  Linda-Anette Verte (viiul), Egert Leinsaar (viiul), Sandra Klimaite (viiul) ja Theodor Sink (tšello).

    Kontserdiga tähistasid Siiri Sisask ja Kristjan Randalu oma koostöö kahekümnendat aastapäeva. Nende episoodiliselt toimiva koostöö tulemusel on ilmunud siiski juba kolm albumit: „Jälg” (2002), „Teine jälg” (2006) ja „Lingua mea” (2011). Plaatide ilmumise aastatel toimusid neil esitlustuurid Saksamaal, samas kui nende viimast plaati ei oldud Eestis veel kuuldudki. Nii oli igati sobiv teha seda koosluse 20 aasta tööjuubeli märkimiseks. Randalu filigraansed seaded toovad meisterlikult välja Sisaski laulude erilise tundeskaala varjundid ja ka tekstide (sh nii Uku Masingu kui ka Peeter Volkonski omade) tagamaad. Omapärase hääle ja maneeriga laulja on teinud koostööd erinevate koosseisudega, alates rokkansamblitest „Ruja” ja „Vitamiin” kuni  poistekoorini, ja salvestanud heliplaate nii teiste autorite kui ka oma muusikaga. Kristjan Randalu on viimastel aastatel nii süva- kui džässmuusikuna pidevalt pildil olnud. Meenutagem vaid, et tema musitseerimist võib kuulda rohkem kui 40(!) albumilt. Ka käesoleva kontserdi jaoks oli kokku kutsutud soliidne seltskond: keelpillikvartett, mida täiendasid pianist (loomulikult Randalu ise) ja  rahvusvaheline koosseis: Petros Klampanis (kontrabass), Carsten Netz (klarnet ja elektroonika) ning Paul Wiltgen (löökpillid). Kava koos mõningate kommentaaridega Siirilt ja Kristjanilt kanti ette uskumatu sisemise energiaga. Ma ei oska kommenteerida, kui palju oli Kristjan korrigeerinud palade seadeid võrreldes plaadistusega, aga need kõlasid vägagi kaasaegselt. Pianist ise ei püüdnudki nii väga silma paista, vaid leppis saatele vajaliku tausta lisamisega. Niigi suurepärase kava kirsiks tordil kujunes aga lisapalaks mängitud tuntud lastelaul „Igaühel oma pill”, mida tõlgendatigi sõna-sõnalt, st kõik muusikud said soolovõimaluse. Eriti huvitavad olid muidugi Kristjani ulatuslik improvisatsioon, kus ta sai näidata kogu oma meisterlikkust, ja Siiri veidi nagu tuva laulikute stiilis pikem soololõik. Kontsert oli mulle kindlasti üks selle festivali suuremaid elamusi.

    Siiri Sisask & Kristjan Randalu ja bänd kavaga „Lingua mea”.
    Teet Raigu foto

     

    Fotografiska saalis: Marten Kuningas, programm „Bowie 75”

    Marten Kuningas (vokaal ja kitarr), Erki Pärnoja (kitarr), Raul Ojamaa (kitarr), Peedu Kass (bass), Taavi Kull (klahvpillid) ja Kristjan Kallas (trummid).

    See etteaste oli pühendatud popmuusika uuendaja, legendaarse David Bowie 75. sünniaastapäevale. Kõnealuses programmis tõid kuulajate ette oma nägemuse legendist tema suured fännid Marten Kuningas, Erki Pärnoja ja Miljardid: Raulo Ojamaa, Arvi Kull, Peedu Kass ja Kristjan Kallas, igati aktsepteeritav koosseis, kellelt on viimastel aastatel ilmunud kaks albumit. Kuna Bowie salvestas oma elu jooksul 27 albumit, oli repertuaari valik suur ja kava sai igati ülevaatlik. Paraku osutusid Bowie kingad kõnealusele koosseisule pisut suureks. Kuigi esitustele ei saa midagi ette heita, jäi just lauljal puudu Bowie’le omasest karismaatilisusest. Seega võis kuulda poolteist tundi suurepärast tantsumuusikat.

     

    Fotografiska saalis: Artist Talk: Dirty Loops (Rootsi)

    Kontserdiga tähistas Telliskivi Loomelinnak oma 8. sünnipäeva.

    Minu andmetel oli tuntud rootsi bändi Dirty Loops oodatud Tallinna juba mitu aastat. Bändi moodustasid neliteist aastat tagasi Stockholmi Royal College of Musici tudengid: klahvpillidel Jonah Nilsson, bassist Hendrik Linder ja löökpillimängija Aron Mel­lergårdh. Praeguseks on
    koosseisule lisandunud ka teine klahv­pillimängija, Kristian Krafting. Koostöös heliloojate ja produtsentide Andreas Carlssoni, David Fosteri ja Quincy Jonesiga (kes oli muide ka tunnustatud džässorkestri juht!) on bänd tõusnud nn klubimuusika kõrgliigasse ja esinenud kõikjal maailmas. Nende helikeel on segu popist-džässist-fusion’ist-funky’st ja r’n’b-st. Antud juhul tõusis esiplaanile küll funky. Imetlust äratab põhilaulja Jonah Nilssoni tohutu ulatusega hääl, mille ülemist registrit ta põhiliselt kasutab. Rahva sai bänd „pöördesse” juba esimese looga. Publik lahkus suuremas osas ülimalt rahulolevana.

     

    1. mai

    Vabal Laval: Saara Pius & band, „Pidu loomariigis”

    Saara Pius (laul), Joel Remmel (klaver), Janno Trump (bass ja seaded) ja Ahto Abner (trummid).

    Festivali viimane päev algas Tallinnas Vabal Laval meeleoluka perekontserdiga. Selle perenaine oli näitleja ja laulja Saara Pius, keda abistasid Joel Remmel, Janno Trump ja Ahto Abner. Saalitäis vägagi erinevas eas lapsi nautis koos vanematega üritust täiel rinnal. Vahva oli kuulda tuntud lastelaule džässipärases maitsekas esituses. Kindlasti harjutas see lapsi kuulama ka selliselt käsitletud harmooniaid. See on parim viis noori džässi helimaailmaga samm-sammult harjutada. Saara Pius on hea lastega suhtleja ja koostöö lastega sujus ka bändil suurepäraselt. Rahulolu üritusega oli üldine.

     

    Vabal Vaval: Kenny Garrett & Sounds from the Ancestors (USA)

    Kenny Garrett (alt- ja tenorsaksofon), Corcoran Holt (kontrabass), Rudy Bird (löökriistad), Vernell Brown (klaver) ja Ronald Bruner (trummid).

    Kauaoodatud ameerika külaline, altsaksofonist Kenny Garrett sai džässilavadel tuntuks juba ligi 40(!) aastat tagasi. Pika aja jooksul on ta teinud koostööd paljude džässiikoonidega, nagu Miles Davies, Chick Corea, Duke Ellington, kui vaid mõned nimetada. Tal on olnud kaheksa Grammy nominatsiooni ja 2006. aastal võitis ta Grammy albumiga „Five Peace Band Live”. Kõnealusel kontserdil demonstreeris ta ka oma head süntesaatorimängu oskust. Seekordses kavas osutati erilist tähelepanu löökriistade mängijaile, keda oli koosseisus kaks — üks traditsioonilise trummikomplektiga ja teine, kes mängis põhiliselt conga’sid ja muid vähemkasutatavaid löökpille. Trummar Ronald Bruner demonstreeriski meile oma fantastilist mängutehnikat; talle oli antud ka ligi viie minuti pikkune soololõik.  Garretti kava paistis üldse silma pikkade kompositsioonidega: nii esitasid Garrett ja eelnimetatud trummar ligi poole kontserdi pikkuse soolodueti, mis sisaldas ka saksofoni ülipikka soolokadentsi. Kui kontsert oli põhiosas üles ehitatud vabaimprovisatsioonile, siis ülipikale kadentsile järgnenud  lõpulugu kaldus rohkem bebop’i valda. Täit tunnustust väärib Garretti oskus saada publik pihku meile suhteliselt harjumatu vabaimprovisatsiooniga. Siin tuli esile tema mitu aastakümmet lavakogemust. Aga ega sellise meistri mängu saagi sõnadega edasi anda, seda peab ise kuulma ja nägema.

     

    Fotografiska saalis: Alfa Collective

    Anett Tamm (laul), Kristen Kütner (trummid), Taaniel Pogga (klahvpillid), Robert Nõmmann (bass) ja Martin Petermann (trummid).

    Pretensioonika nimega noortebänd Alfa Collective lõpetas festivali Fotografiska saalis toimunud osa. Nagu nad end ise reklaamivad, esitavad nad eklektilist džäss-funk’i ja kunstpoppi, mida iganes nad selle all ka silmas ei peaks. Ansambli eestvedajaks on tänavu noore džässitalendi auhinna võitnud Anett Tamm. Veel lisavad nad endi iseloomustamiseks: „Tänaseks on ansambel suundunud eksperimentaalsematele radadele, segades julgelt žanreid ning kombineerides džässmuusikat elektrooniliste elementidega.” Julgelt ja pretensioonikalt öeldud! Nende eelmisel aastal ilmunud plaadi põhjal nimega „Hello Egg”, mille lugusid ka sellel kontserdil mängiti, seda väita siiski ei julgeks. Lugude pealkirjad (näiteks „Katkise koorega muna” või „Okastega muna”) eeldaksid sügavamat filosoofilist sisu, mida nii noorelt autorilt ei eelda. Kuid lugudel iseenesest midagi viga ei olnud. Kitarrist Kristen Kütner mängis paar huvitavat soolot ja oli teisigi ilusaid hetki, kuid tervikut kontserdist ei tekkinud. Kohati olid näha traagelniidid ja midagi, mis selle mosaiigi kokku liitnuks (kui mitte võtta arvesse aeg-ajalt tantsu keerutavat Anetti), ei leidnud. Liigitaksin nende muusika lihtsama nimega „seisundite muusika” kategooriasse.

     

    Vabal Laval: Cyrille Aimée (Prantsusmaa)

    Cyrille Aimée (vokaal ja looper), Laurent Coulondre (klaver), Lex Warshawsky (bass) ja Yonatan Rosen (trummid).

    Festivali lõpetas samuti kaua oodatud prantsuse lauljatar Cyrille Aimée. Nagu tutvustuses öeldakse, on ta laulnud end prantsuse tänavakohvikutest Broadway lavadele. Ja sinna ei saa teatavasti mitte ainult ilusate silmade eest! Tema kavas leidus kõike: head laulu, scat’i1, osavat looperiga tegutsemist ja ka täiesti arvestatavat kitarrimängu oma laule saates. Kõike seda tegi ta teatava huumori ja loomingulise mõnuga, mis nakatas ka publikut. Siin kehtib sama, mida kirjutasin Kenny  Garretti kohta:  seda on võimatu sõnades edasi anda, seda peab ise kuulma ja nägema. Väärikas ja tujuküllane lõpp 33. „Jazzkaarele”.

    Seekordne festival tuleb lugeda õnnestumiste hulka ja seda mitte ainult tippesinejate tasemest lähtudes. Siin näen ma meie noorema džässmuusikute põlvkonna suurt teenet: nende tase on tohutult tõusnud, ulatudes juba rahvusvahelise tipptasemeni; neid on põhjust kuulama tulla. Erilist heameelt tegi tõsiasi, et ka meie president leidis oma pingelises töögraafikus aega külastada kahte festivalikontserti.

     

    Kommentaar:      

    1 Scat-laul on improvisatsioonilises džässis populaarne ja sageli kasutatav laulmisviis, kus sõnade asemel kasutatakse rütmiliselt sobivaid silpe, nende tähendusele tähelepanu pööramata.

  • Arhiiv 24.08.2022

    TEISITI…

    Jüri Kass

    Kas mäletate eesti luuletajaid, neid igiammuseid?  1919. aastal kirjutab Henrik Visnapuu oma „Kolmandas kirjas Ingile“, et midagi on teisiti: „See aasta tuleb kevad teisiti, tiu-tiu! Ja teisiti, see aasta teisiti…” Luuleread jätkuvad, Visnapuu lausa hõiskab ja laulab ekstaatiliselt, loetleb, mis kõik tulemas on: „…naeru, linde, lilli’t hoi! Ja päikest, meeletumalt päikest ”, ning lisab: „Paar prahvakut veel rõõska äikest: Mürr-mürr!“

    Ka tänavused Eesti muusika päevad kandsid alapealkirja „Teisiti”. Elav ja tundeline oli see festival tõepoolest.

    Sõnal „teisiti“ on mitmetine tähendus. Festivali „majakene“ oma muusikaliste vormide ja „arhitektuuriliste” lahendustega jättis helge ja rõõmsa mulje. Ja kui argipäev võib taas tuua nukraid hetki, on Visnapuul lohutuseks öelda: „Ja öö on ainult väike valgusring.” Nii mõnelgi kontserdil tekkis mul soov Visnapuu kombel hõisata ja rõõmustada, hüüda ja elada kaasa eesti luulele ja muusikale. Luulet on eestlased ikka armastanud ja elamusliku muusika põrkumist tumedate sündmustega on kogetud sajandeid. Eesti rahva „elutantsu” tuletati meelde ka The Bright Future Ensemble’i kontserdil Arvo Pärdi keskuses 23. aprillil, kus põimusid ajalugu ja tänapäev. Ansambli [Anna-Liisa Eller (kannel), Taavi Kerikmäe (süntesaatorid, elektroonika, theremin), Dan Laurin (plokkflööt, Rootsi/Eesti) ja Anna Paradiso (klavessiin, Rootsi/Itaalia) ettekandes avanes kuulajaile keskaeg ananüümsete autorite teostega „Trotta“ (1340) ja „Constantia“ (kogumikust „Codex Faenza” (u 1300), lugu Leipzigi lähedalt Liebertwolkwitzist pärit barokiajastu organistist, muusikaliste traktaatide autorist, heliloojast, poeedist ja advokaadist, oma noorusest kümme aastat kaptenina Põhjasõtta  jätnud  David Kellnerist (1670 — 6. IV 1748). Muu hulgas tegutses Keller ka Turus ja hiljem Stockholmis (organistina), Tartus (õppis Åbo Akademis ja Academia Gustavianas), Tallinnas (Niguliste kiriku organistina aastail 1701–1702) ja astus läbi Pärnustki.1 Arvo Pärdi keskuses kõlas tema „pärl” aegade hämarusest, Visnapuu luuletusest mitte just vähem ekstaatiline „Chaconne”, mis võis valmida juba Liivi- või Eestimaal, aga ilmus trükis mõnevõrra hiljem, kui Kellner oli juba ametis Stockholmis organisti ja kellamängijana. Nüüdismuusika poolelt põimusid ajalooliste teostega kaks esiettekannet: Britta Byströmi  (snd 1977) „Off on a comet” (2021) ja Helena Tulve (snd 1972)  „Was it Light?” (2019). Just selliste üllatavate kombinatsioonidena tasubki üles ehitada massiivseid ja ressursimahukaid festivalipanoraame.

    The Bright Future Ensemble koosseisus: Anna-Liisa Eller (kannel), Taavi Kerikmäe (süntesaatorid, elektroonika, theremin), Dan Laurin (plokkflööt, Rootsi/Eesti) ja Anna Paradiso (klavessiin, Rootsi/Itaalia) esinemas Arvo Pärdi keskuses. EMP 2022.
    Rene Jakobsoni foto

    Tänavuse, väga avatud festivali alapealkiri „Teisiti“ võimaldas mitmekülgset lähenemist festivali programmile. Selle sõna tähendusväli avaneb aga vastavalt kuulaja või muusiku lähenemisnurgale ja varasemale kogemustepagasile. Ka korralduslikus mõttes erines festival paarist varasemast: esiteks oli taas võimalus esitada ja kuulata kontserte tavapärases kontserdiolukorras. (Meenutagem, et aasta tagasi toimusid Eesti muusika päevad vaid virtuaalselt, kaks aastat tagasi ajaliselt hiljem ning enne seda olid nad seotud „World Music Daysi” kontseptsiooniga. Nii et lähiajaloo vaates oli 2022. aasta festival igati teistmoodi üritus.

    Klavessiinist nüüdismuusika kontekstis oleks vaja kindlasti kirjutada mõni ulatuslikum kirjatükk. Ka nüüd oli klavessiin olemas 19. aprillil Arvo Pärdi keskuses: sümfooniliselt mahuka sooloklaveri õhtuga alustas festivali Tallinna üritusi pianist Irina Zahharenkova, kelle esituses kuuldi Tõnu Kõrvitsa teose „Kuutõusu laulud” klavessiinile esiettekannet.

    Klavikordi kasutamisest nüüdismuusikas pole varem olnud põhjust rääkida. Esimese hooga võib tunduda, et see instrument kõlab kontserdisaalis üsna kehvalt ja eeldab vaikset keskkonda, publiku süüvimist helimaastiku vaiksema ja tasasema kõlaga varjundirikkasse ääremaasse. EMPil aga ilmutas see näiliselt vaikse ja hapra kõlaga instrument end õige mitmel õhtul. See armas, valdavalt 16.–18. sajandil kasutusel olnud instrument on tõusnud meil esile klavessiinifestivalide aegu. Klavikordi kõla võis nautida veel ka The Bright Future Ensemble’i kontserdil Taavi Kerikmäe esituses, siis küll näiliselt vanamuusika valda kuuluvas teoses — kui värskelt võib vahel tunduda mõni arhailine partituur! —, ja Tatjana Kozlova-Johannese uue heliteatriteose „Söövitab. tuhk” ettekandel Ene Naela tundlikus interpretatsioonis. 

    Mitu EMPi kontserti andsid tervikliku elamuse, korrastatud kava ning mõtestatud interpretatsiooniga kaemusliku kogemuse. Nii võib õnnestunuks pidada Eesti Filharmoonia Kammerkoori koostööd akordionist Momir Novakovićiga 21. aprilli kontserdil Eesti Arhitektuurimuuseumis. Mõnes mõttes küllaltki lihtne põhimõte esitada vahelduvalt a capella koorimuusikat ja akordioni soolorepertuaari võimaldas kooril valmistada ette väiksem kogus esiettekandele tulnud vokaalteoseid ja samas pakkuda publikule teatavat variatiivsust: kontserdikavas oli õhku ja ruumi, et erinevad heliloojad esile pääseksid. Eesti muusikamaastik on viimasel ajal muutunud; ka kohapealse „materjali” ja ressurssidega saab korraldada rahvusvahelise haardega festivali, sest mitmed siin tegutsevad muusikud ja heliloojad on pärit teistsugustest kultuuriruumidest.

    Ansambli The Bright Future Ensemble koosseisu kuulub lisaks meie interpreetide paarile Anna-Liisa Eller ja Taavi Kerikmäe ka juba festivalilt „Ceciliana” tuttav abielupaar: eesti juurtega Dan Laurin (Rootsi) ja Anna Paradiso (Rootsi/Itaalia). See on omamoodi hea tähelepanek, et nii varajase kui ka  nüüdismuusika kuulajad on sageli eksperimenteerimishuvilised ja uudishimulikud ning miks siis mitte neid kahte kokku tuua, luua muusikalooline kaar ja tekitada väitlus selle üle, kas nüüdismuusika ikka on nii omaette nähtus, nagu vahel väidetakse. Ansambli kontserdi kaassõnas on öeldud, et  see „ühendab endas hääli, mis ei ole varem kunagi koos laulnud. Kadunud traditsioonidest pärit instrumendid ärkavad [meie] kaasaegses dialoogis uuele elule.” Kohtumiselt ühel Rootsi festivalil alguse saanud teos „Was it Light?” Helena Tulvelt, kes samuti on alati tunnistanud oma sidet varasema ja senini elavalt hingava muusikatraditsiooniga, sh gregoriuse koraali sügava allikaga, oli siinkohal igati sobilik valik. Nii palju vanamuusikat, kui seda tõi oma kavaga sisse The Bright Future Ensemble, ei ole Eesti muusika päevadel just tihti kõlanud, aga see sobitus kenasti festivali kavasse ja kontserdipaika, Arvo Pärdi keskuse saali. Kontserdi ülesehituses mängis oma osa ka tantsuline element; kasutati niihästi varajasele kui ka nüüdismuusikale loodud tantse, mis oma dramaatilise ülesehituse ja narratiivse vaheldusrikkusega sobiksid hästi muusikateatri ja miks mitte ka tantsuteatri materjaliks. Pärast 14. sajandi anonüümse autori teose „Trotto” esitust pöördus Dan Laurin publiku poole ja tuletas meelde, et meie puhul tavapärane mugavas pehmes toolis muusika kuulamine oli tol ajal tundmatu.

    Nüüdismuusika kontekstis on ju ka varem esitatud varajast muusikat ning loodud stiliseeritud uudisteoseid varajase muusika instrumentidele; niisamuti on varajase muusika teosest saadud inspiratsiooni täielikult uue helipoeemi loomiseks. Meenuvad näiteks Arvo Pärdi, Lepo Sumera, Erkki-Sven Tüüri ja Helena Tulve varasemad teosed. Eestis on Hortus Musicus ja Vox Clamantis hoidnud läbi aegade üleval traditsiooni, mille kohaselt varajase muusika interpreedid esitavad nüüdismuusikat, kasutades tihti ka varajase muusika instrumente või  iseloomulikku vokaalikäsitust. Samuti on astunud selles suunas samme Irina Zahharenkova, kes on tegelnud põhiliselt varajase või klassikalise muusika repertuaariga, kuid on nüüd teinud tutvust ka eesti heliloojate uudisloominguga. Üks esimesi selles vallas oli Lauri Jõelehe looming, nüüdsetel Eesti muusika päevadel võis aga nautida juba täispikka kava klaverile või klavessiinile loodud teostest, neist enamus esiettekanded. Huvitaval kombel ei mõjunud Bright Future Ensemble’i varajase muusika näited mitte tagasivaatena minevikku, vaid värske avanguna järgnenud esiettekannetele ning ulmelise reisina olevikku, kui mitte tulevikku. Avanes igavikuline teispoolsus.

    Pärast varajase muusika näiteid oli võimalik tutvuda rootsi helilooja Britta Byströmi  loominguga. Laurin keskendus ümber Byströmi teose „Off on a comet” ulmelisele maailmale kandle ja theremin’i rütmilisel taustal. Rõõmsalt pulseeriv muusika  jättis ruumi ka poeesiale. Klavessiini ja kandle dialoogis esines hetki, mis meenutasid nii mõndagi ansambli Una Corda nüüdismuusika kontserti ja Mirjam Tally heliloomingut. Meile tuttavat Una Corda helipilti värvisid theremin ja plokkflööt. See oli tore viide rajale, mille on sisse tallanud trio Una Corda oma maitseka valikuga eesti heliloojate uutest teostest. Uusi teoseid kuulates meenus erksalt, et meil on olemas pikaajaline kandle ja klavessiini mängimise traditsioon ning et nende instrumentide omavahelist pingestatust ja võimalikke helimustreid on heliloojad juba pikemat aega saanud uurida ja katsetada. The Bright Future Ensemble’is mängib kaks duot: pigem varajase muusika poole kaldu Dan Laurin ja Anna Paradiso ning Anna-Liisa Eller ja Taavi Kerikmäe. Viimaste helisulamis on juba duo varasematel aegadel ühinenud varajane ja nüüdismuusika ning kirja pandud muusika ja improvisatsioon. Uut kvartetti selle täies koosseisus oli võimalik kuulata just Britta Byströmi ja Helena Tulve teoste esiettekannetel. Neid kahte uut teost ühendas mõttelaad, mis heitis õhku terve kaskaadi küsimusi. Vastused, kui neid loo jooksul üldse anti, olid pigem avatud ja mitmeti tõlgendatavad.

    Britta Byström.
    Arne Hyckenbergi foto

     

    Jätkuvalt on maailmas juba tunnustust leidnud heliloojaid, kelle looming ei ole veel jõudnud eesti publikuni. Seda võib tõdeda ka juba 1977. aastal sündinud Britta Byströmi puhul. Byström alustas trompetimängijana ja õppis kompositsiooni Pär Lindgreni ja Bent Sørenseni käe all. Tema muusikat on mänginud BBC sümfooniaorkester, Gürzenichi orkester, Detroidi sümfooniaorkester ja Rootsi Raadio sümfooniaorkester, solistidest Malin Broman, Rick Stotijn, Radovan Vlatković ja Janine Jansen. Tal on ette näidata hulgaliselt auhindu: 2014. aastal pälvis tema vioolakontsert „A Walk After Dark” (solist Ellen Nisbeth) Brandenburgi biennaalil Da Capo auhinna; 2016. aastal võitis ta Ameerikas maineka Elaine Lebenbomi naisheliloojate mälestusauhinna, jmt. Byströmi „BBC Promsi” tellimusteos „Parallel Universes” Royal Albert Halli 150. aastapäevaks tuli esiettekandele 2021. aasta augustis, esitajad BBC Philharmonic ja dirigent John Storgårds. Byströmi olulisemate helitööde seas on veel „Many, Yet One” (2016), mille tõid esiettekandele Detroidi sümfooniaorkester ja dirigent James Gaffigan, ning topeltkontsert „Infinite Rooms” viiulile/vioolale, kontrabassile ja orkestrile (kirjutatud solistidele Malin Bromanile ja Rick Stotijnile), mis sai 2020. aastal Stora Christ Johnsoni auhinna. Byströmi muusika kohta on kirjutatud, et ta pöörab tähelepanu kõlale ja selles on impressionismile omast tundlikkust.

    Byströmi uus teos „Off on a comet” on inspireeritud Jules Verne’i samanimelisest ulmeromaanist (pr k „Hector Servadac”, 1877). Byström kujutab seal komeedi poolt kaasa haaratud Maa väikesele tükile jäänud nelja inimest, The Bright Future Ensemble’i liikmeid. Teoses on kokku üksteist osa, millest EMPi raames kõlasid viis esimest: „Luule ja maavärin”, „Kummalised muutused”, „Saladuslik meri”, „Veenus [on] ohtlikult lähedal” ja „Vastamata küsimused”. Teose kaassõnas esitab helilooja järgmisi küsimusi: Miks on päeva ja öö vaheldumine lühenenud kuuetunniseks? Miks on ida ja lääs pooled vahetanud? Mis on see tundmatu planeet seal taevas Kuu lähedal? (See osutub Maaks.) Ulmeline ja seikluslik taust võimaldab helilooja sõnul luua humoorika atmosfääri neljale päikesesüsteemis rändajale. Teos algas rütmikalt: Dan Laurin soleeris plokkflöödi meeldiva tooniga klavessiini, süntesaatori ja kandle pulsseerival toel. Teose esimese poole tantsuline rütmikus seostus tantsunäidetega 14. sajandist. Järgnevate osade jooksul näitas helilooja ka oma poeetilisemat ja tundeküllasemat külge.

    Mulle meenus 2010. aasta, mil tähistati laialdaselt Robert Schumanni 200. sünniaastapäeva ja valmis Helena Tulve teos „Mondnacht” („Kuuvalge öö“) J. von Eichendorffi sõnadele sopranile ja kandlele, mille tellis Düsseldorfi festival. Mäletatavasti oli ka selle teose teemaks valgus, seda nii valgusallika mõttes kui ka eksistentsiaalsemas tähenduses. 2022. aasta jaanipäeva aegu esietendus Helena Tulve uus dokumentaalne loodusooper „Hundid“ Mecklenburgi Riigiteatris. Nüüd korraks veel David Kellnerile mõeldes tundub, et saksa ja eesti kultuuriruumi vaheline tunglemine kestab ajast aega. Kuid tagasi Helena Tulve loomingu juurde! Omamoodi muusikateatri teoseks kujunes ka tema neljale mängijale kirjutatud „Was It Light?” („Oli see valgus?”, 2019). Teose kaassõnas on kirjas küsimused Theodore Roethke nägemuslikust luuletsüklist „The Lost Son” („Kadunud poeg”): 

    Oli see valgus?

    Oli see sisemine valgus?

    Oli see valgus valguse sees?

    Helena Tulve.
    Marco Giugliarelli foto

    Teose alguses kõlab see originaalkeeles instrumentalistide esituses. Mind on alati lummanud, kui kammermuusika kontsert astub oma rangetest piiridest välja ja avardab oma ruumi ja temaatikat. Just midagi sellist juhtus sellel kontserdil. Eksperimenteerimine vormiga õnnestub ainult tänu muusikute heale koostööle, täpselt paika pandud kavale ja huvitavate autorite helimaailmade kõrvutamisele.  Rakurss on tihti see, mis timmib paika viimased niidikesed, et teosed avaldaksid kuulajale uudset mõju. Tulve on oma teose kaassõnas viidanud selle loomisajale, 2019. aastale, mil ta olevat tundnud, et „enne suuri muutusi ja dramaatilisi sündmusi oli midagi rahutut ja isegi ähvardavat juba õhus”. Need aimdused on ta omil sõnul muusikasse kudunud.

    Teose alguses kõlavad, edaspidi tooni andvad sügavad registrid, mis on saavutatud peamiselt elektrooniliste vahenditega, olid heas mõttes ootamatud ja keskendusid kõlatämbritele. Samas leidis kuulaja teosest ka Tulve tuttavamat poolt: talle iseloomulikult filigraanseks lihvitud kammermuusikat, väga head instrumenditunnetust kandle ja klavessiini ning nende dialoogide puhul, mis omakorda viitasid Tulve varasematele teostele. Ansamblist tulenevalt on uus teos kirja pandud küllaltki haruldasele koosseisule: klavessiin, plokkflööt, kannel ja süntesaatorid, mis ilmselt ei lase teost tavapärastel ansamblitel oma kavasse võtta. Samas annab just selline instrumentide kooslus teosele omapärase värvingu, näiteks loob plokkflöödi naturaalne, puidust kumav mõnus tämber teose kõlafaktuurile siduva soojuse. Teose esimeses osas esitavad instrumentalistid (kaassõnasse kirja pandud) teksti, mis toob sisse teatava muusikateatri elemendi. Kuid edasi areneb muusika ka ilma sõnalise sosistava tekstita, püsides puhtalt kõlaliinidel, kammermuusikaliselt keerukal suhestatusel. Teos on omamoodi jutustav, paeluvalt ulmeline, pakkudes lisa ka õhtu esimeses osas kõlanud rootsi autori ulmemaailmadele. Samas on hetki, mil Tulve kammermuusikaline paleus on täiesti karge ja minimeeritud, piirdudes vähese helimaterjaliga. Teisal leiame viiteid jaapani bambusflöödi shakuhachi pärandile. Paralleel shakuhachi’ga tekib kindlasti plokkflöödi soojast tämbrist ja Dan Laurini varajase muusika interpretatsioonist läbi imbunud, väga loomulikust ja süvitsi minevast musitseerimislaadist. Siin on mõtisklusi, mis on peaaegu improvisatsiooni piirimail, ja seda üllatavamad on sel hetkel dialoogi astuvad elektroonilise nüansiga helid, mille tämber pärineks otsekui ulmefilmide klassikast.

    Tundub, et helilooja ainsaks piiranguks teose kirjutamisel ongi olnud neli mängijat; edasi laseb ta kuulajal oma fantaasiakeerdudest üha uuesti üllatuda, hoides teda samas dramaturgiliselt sidusa liini kütkes. Teose üldisele tõsisele suunitlusele vaatamata leiab siit ka heliloomingulist lustimist ja piiramatut fantaasiarikkust; tagasi pole hoitud õieti millegagi.

    (Järgneb.)

     

    Viide:

    1 Kenneth Sparr 1997. David Kellner — A Biographical Survey. Stockholm, Sweden. — http://www.tabulatura.com/davidkellner.pdf

  • Arhiiv 23.08.2022

    ENN SÄDE FOTOALBUM 16. Vallo Kepi pildid „Rasketest aastatest”

    Jüri Kass

    Üksjagu kurioosne seik meie filmiloos: neljaseerialisest Eesti Telefilmi linateosest saab juurdevõtete ja ümbermontaaži tulemusena tavaline 80-minutiline film. Pealkirjaks tuleb „Rasked aastad”. Peaaegu keegi ei tea sellist filmi. Sellest on vaid üks filmikoopia, seegi arhiivis veel digiteerimata. ( Vaata ka siinseid albumeid nr 3 ja nr 11 — „Lindpriid”.) Sestap on põnev pakkuda Vallo Kepi pilte sügisest 1972. Vallo on tollal 21-aastane fotohuviline poiss, on jäänud silma Rein Maranile, kes on „Lindpriide” ja nüüd ka „Raskete aastate” peaoperaator. Nii Vallo räägibki: „Kuna Rein mind käekõrval Telefilmi tõi, siis ilmselt hoidis ta mul ka silma peal. Sealt loogiline jätk võtta poiss operaatorite gruppi assistendi assistendiks. Lühidalt kassetilaadijaks. Aga vabadel hetkedel olin omast lõbust priitahtlik piltnik.”

    Ning peaaegu ainsad fotod tollest juurdevõtete ajast ongi siinsed Vallo pildid. Mina ise olen juba tagasi Tallinnfilmis, ehkki käin helimehena ka nendel võtetel. Välja arvatud üks isevärki võttepäev Nooruse tänaval, mis nüüd teadupärast Suur-Kloostri on. Ratsapolitseinikud, ehmunud mass neiusid, uskumatult efektselt kõlav hobuste kabjaplagin munakivisillutisel. Mind asendab kolleeg Jaak Elling, kes algaja helimehena mäletab tänaseni režissöör Karasjovi kui tervet võtteplatsi täitvat persooni.

    Vladimir Karasjov teeb juurdevõtteid mingi saatanliku lustiga, ta on pärast „Lindpriide” ärakeelamist otsekui vabam ka suhetes filmirühmaga. „Teeme sotsrealistlike nõukogude revolutsiooniliste filmide antoloogia või ehk krestomaatia” — umbes nii mäletan teda tollal seletavat. Eisenstein, Pudovkin, Kulešov, Dovženko, Vertov… Kas keegi teab? Ja 1989. aastal räägib ta mulle Pariisis linti: „ … see on riik, kes võtab endale funktsiooni juhtida ja kamandada kunsti. Aga ta ei julge seda siiski välja öelda, et ma keelan selle seepärast, et sa ei täida minu käsku. Kuid pole olemas ka säärast paberit, et film on keelatud sellepärast, et need käsud pole täidetud. „Rasked aastad” on tehtud minu poolt just vastu tulles kõikidele soovitustele ja kõikidele nõudmistele paranduste osas. See on film, kus kõik käsud täidetud, kõik parandused tehtud — see oli minu rahuldus, omamoodi autosatisfaktsioon. Ma leidsingi suure rahulduse selle filmi vastuvõtu ajal, kui samad mehed, kes tapsid „Lindpriisid” just sellel põhjusel, et see ei vasta ajaloolisele tõele, ütlesid „Raskete aastate” puhul: „Jah, seda ka ei olnud, aga see oleks võinud nii olla…””

    Tulemuseks on purupunase filmi skelett. Arvata on, et parteipoisid mõistavad — Karasjov irvitab nende üle, aga… Väga raske südamega lastakse „Rasked aastad” vaikselt ETVs ekraanile enne jaanipäeva, 21. juunil 1973 ja ega ma teagi täpselt, kuidas. Karasjovi saatanlikkus peitub ju ka selles tões, et film on ja jääb venekeelseks. Tõlketeksti loeb eestikeelsele filmile peale Tallinna Vene Draamateatri üsna komissari häälega naisnäitleja. (Ega ometi eesti subtiitritega?) Muidu poleks filmitegijad saanud oma selle filmi lavastusrahasid kätte, mis ju „Lindpriidelt” saamata jäävad. Üksnes suurest armastusest filmikunsti vastu ei ela isegi nõukogude filmarid.

    .rbs_gallery_6420ddd8769edSpinner{ margin: 50px auto; width: 50px; height: 40px; text-align: center; font-size: 10px; } .rbs_gallery_6420ddd8769edSpinner > div{ background-color: #333; height: 100%; width: 6px; display: inline-block; -webkit-animation: rbs_gallery_6420ddd8769ed-stretchdelay 1.2s infinite ease-in-out; animation: rbs_gallery_6420ddd8769ed-stretchdelay 1.2s infinite ease-in-out; } .rbs_gallery_6420ddd8769edSpinner .rbs_gallery_6420ddd8769edRect2 { -webkit-animation-delay: -1.1s; animation-delay: -1.1s; } .rbs_gallery_6420ddd8769edSpinner .rbs_gallery_6420ddd8769edRect3 { -webkit-animation-delay: -1.0s; animation-delay: -1.0s; } .rbs_gallery_6420ddd8769edSpinner .rbs_gallery_6420ddd8769edRect4 { -webkit-animation-delay: -0.9s; animation-delay: -0.9s; } .rbs_gallery_6420ddd8769edSpinner .rbs_gallery_6420ddd8769edRect5 { -webkit-animation-delay: -0.8s; animation-delay: -0.8s; } @-webkit-keyframes rbs_gallery_6420ddd8769ed-stretchdelay { 0%, 40%, 100% { -webkit-transform: scaleY(0.4) } 20% { -webkit-transform: scaleY(1.0) } } @keyframes rbs_gallery_6420ddd8769ed-stretchdelay { 0%, 40%, 100% { transform: scaleY(0.4); -webkit-transform: scaleY(0.4); } 20% { transform: scaleY(1.0); -webkit-transform: scaleY(1.0); } } Pilt 01Pilt 2Pilt 3Pilt 4Pilt 5Pilt 6Pilt 7Pilt 8Pilt 9Pilt 10Pilt 11Pilt 12Pilt 13Pilt 14Pilt 15Pilt 16Pilt 17Pilt 18Pilt 19Pilt 20Pilt 21Pilt 22Pilt 23Pilt 24Pilt 25Pilt 26Pilt 27Pilt 28Pilt 29Pilt 30Pilt 31Pilt 32Pilt 33Pilt 34Pilt 35Pilt 36Pilt 37var rbs_gallery_6420ddd8769ed = {"version":"3.1.5","id":5833,"class":"id5833","roboGalleryDelay":1000,"mainContainer":"#robo_gallery_main_block_rbs_gallery_6420ddd8769ed","loadingContainer":"#rbs_gallery_6420ddd8769ed-block-loader","loadingContainerObj":"rbs_gallery_6420ddd8769ed-block-loader","columnWidth":"auto","columns":3,"resolutions":[{"columnWidth":"auto","columns":3,"maxWidth":960},{"columnWidth":"auto","columns":2,"maxWidth":650},{"columnWidth":"auto","columns":1,"maxWidth":450}],"lightboxOptions":{"gallery":{"enabled":true,"tCounter":"%curr% of %total%"}},"overlayEffect":"direction-aware-fade","boxesToLoadStart":12,"boxesToLoad":8,"waitUntilThumbLoads":1,"LoadingWord":"Loading...","loadMoreWord":"Load More","noMoreEntriesWord":"No More Entries","horizontalSpaceBetweenBoxes":15,"verticalSpaceBetweenBoxes":15,"lazyLoad":1,"wrapContainer":"#robo-gallery-wrap-rbs_gallery_6420ddd8769ed"};
  • Fotonurk 23.08.2022

    ENN SÄDE FOTOALBUM 15. Tõnu Kargiga nässu läinud „Ameerika mägedes”

    Jüri Kass

    Olin valinud oma pildid siia fotonurka ja alles seejärel, üle 28 aasta, sain seda filmi taas vaadata… Koopia on kohutav, film on hullem, kui mäletasin. Ega siinsed read sissejuhatuseks küll kenad pole, mööngem.

    See peaks olema Peeter Simmi esimene rahvusvaheline koostööfilm eriti keerulisel 1993. aastal. Tallinnfilm on lagunemas, oleme kõik äkki vabakutselised. Ela, kuidas oskad!

    Mõeldud on see lugu ju lahtise käega tehtava muinasjutulise farsina Eesti kauboikapitalismi sünni algusest. Filmirühm saadakse kergesti kokku: ripakile jäänud tegijaid ju jätkub, kõik võtavad Tõnu Kargi seiklusi teatava lustiga. Raskel ajal „leiba ja tsirkust”! Tehakse uudne erafirma Lege Artis Film, välja ilmuvad ungari-juudi-prantsuse poisid, kes tulevad oma rahanutsuga… Meite mehed on selles osas kõik algajad, isegi fenomenaalne filmiprodutsent Raimund Felt. Paljukest nad teavad turumajandusest ja rahvusvahelistest lepingutest, produtsendigi mõistega peame alles harjuma. Minimaalse summa filmi käivitamiseks saame Eesti Kultuuri- ja Haridusministeeriumilt. Varsti on palgarahad otsas. Alles hiljem kuuleme mingist Prantsuse filmifondist Ida-Euroopa vabanevate/taasiseseisvuvate riikide filminduse abistamiseks. Sealt saadavatest summadest Prantsuse osapool meie meestele üldiselt ette ei kanna. Ungari osalus jääb ülepea segaseks, mingid hämarad lood on Kodaki filminegatiivi ilmutamisega Slovakkias Bratislavas, kuigi Soome labor on siinsamas? Peaoperaator Ago Ruus näeb seetõttu võetud materjali kuu möödudes… Meid surutakse jõuvõtetega (hoolimata lärmakast protestist) lendama lõplikuks kokkusalvestuseks Budapesti Pannoonia filmivabrikusse, kus tehniline tase jääb pisut isegi Tallinnfilmile alla. Aga aeg on ju veel filmi lindi aeg, oleme sunnitud tassima 73 rasket magnetheli karpi ja 10 pildikarpi. Minu osaks jääb seal üksnes premix.

    Esialgu veel filmime, sügis kipub peale. Sirje Haagel, Simmi n-ö ihumonteerija, paneb esimese montaažiringi kokku ja siis maandub prantslasest montažöör Claude Reznik. Esimesel päeval riputab ta montaažitoa seinale foto oma isast, kes olla olnud prantsuse filmiklassiku René Clairi assistent või midagi niisugust. Sellega on märk maha pandud. Ta on kahtlemata professionaal, aga ta ei tea midagi Petka (Peeter Simmi) mõttemaailmast ega taju meie hetkeolusid. Sirje nutab, sest meie silme all laguneb film ära. Totakad kurbnaljakad episoodid lendavad välja. Tasapisi muutub farss raskepäraseks psühholoogiliseks draamaks. Me polnud enne näinud nii murust madalamat Simmi: „Siin müüd oma lihase ema ka maha…”

    Tõnu Kark jääb pärast võtteid raskesti kollatõppe, tuleb siis mõne aja pärast stuudiosse ning näeb mingit prantsuse vahevarianti. Seisab montaaži koridoris, näost ära, juuksed läinud: „Äkki saaks seda kusagil Ameerikas monteerida?” Film võinuks olla Tõnu läbilöök Euroopa ekraanidele, parimas eas näitleja…

    Budapestis on helistuudios lärmakas dispuut ühe ennasttäis prantslasest produtsendiga: „Euroopas nii ei tehta! ” Arvo Iho „Vaatleja” oli saanud äsja, 1990. aastal Prantsusmaal Rouenis grand prix, mina olin helimees. Ivo Felt, minu teine helimees, ütleb pärast: „Ma ei teadnudki, et sa nii palju inglise keelt oskad.” Krt, vihaga panin…

    Kes seda kogu tõde nüüd enam teab, aga kuidagi kergem hakkas.

    .rbs_gallery_6420ddd882a60Spinner{ margin: 50px auto; width: 50px; height: 40px; text-align: center; font-size: 10px; } .rbs_gallery_6420ddd882a60Spinner > div{ background-color: #333; height: 100%; width: 6px; display: inline-block; -webkit-animation: rbs_gallery_6420ddd882a60-stretchdelay 1.2s infinite ease-in-out; animation: rbs_gallery_6420ddd882a60-stretchdelay 1.2s infinite ease-in-out; } .rbs_gallery_6420ddd882a60Spinner .rbs_gallery_6420ddd882a60Rect2 { -webkit-animation-delay: -1.1s; animation-delay: -1.1s; } .rbs_gallery_6420ddd882a60Spinner .rbs_gallery_6420ddd882a60Rect3 { -webkit-animation-delay: -1.0s; animation-delay: -1.0s; } .rbs_gallery_6420ddd882a60Spinner .rbs_gallery_6420ddd882a60Rect4 { -webkit-animation-delay: -0.9s; animation-delay: -0.9s; } .rbs_gallery_6420ddd882a60Spinner .rbs_gallery_6420ddd882a60Rect5 { -webkit-animation-delay: -0.8s; animation-delay: -0.8s; } @-webkit-keyframes rbs_gallery_6420ddd882a60-stretchdelay { 0%, 40%, 100% { -webkit-transform: scaleY(0.4) } 20% { -webkit-transform: scaleY(1.0) } } @keyframes rbs_gallery_6420ddd882a60-stretchdelay { 0%, 40%, 100% { transform: scaleY(0.4); -webkit-transform: scaleY(0.4); } 20% { transform: scaleY(1.0); -webkit-transform: scaleY(1.0); } } 001002003004005006007008009010011012013014015016017018019020021022023024025026027028029030031032033034035036037038039040041042043044045046047048049050051001var rbs_gallery_6420ddd882a60 = {"version":"3.1.5","id":5776,"class":"id5776","roboGalleryDelay":1000,"mainContainer":"#robo_gallery_main_block_rbs_gallery_6420ddd882a60","loadingContainer":"#rbs_gallery_6420ddd882a60-block-loader","loadingContainerObj":"rbs_gallery_6420ddd882a60-block-loader","columnWidth":"auto","columns":3,"resolutions":[{"columnWidth":"auto","columns":3,"maxWidth":960},{"columnWidth":"auto","columns":2,"maxWidth":650},{"columnWidth":"auto","columns":1,"maxWidth":450}],"lightboxOptions":{"gallery":{"enabled":true,"tCounter":"%curr% of %total%"}},"overlayEffect":"direction-aware-fade","boxesToLoadStart":12,"boxesToLoad":8,"waitUntilThumbLoads":1,"LoadingWord":"Loading...","loadMoreWord":"Load More","noMoreEntriesWord":"No More Entries","horizontalSpaceBetweenBoxes":15,"verticalSpaceBetweenBoxes":15,"lazyLoad":1,"wrapContainer":"#robo-gallery-wrap-rbs_gallery_6420ddd882a60"};
  • Arhiiv 16.08.2022

    MAAILMALOOMISE JOONEALUSEID EHK TUMEDATE KUNSTIDE PUHTAD JA KARASTAVAD ALLIKAD1

    Jüri Kass

    Balti Tantsu Platvormi üheks kolmest väljavalitud eesti teosest oli Hermanise-Rosenbergi „Eden Detail”, mida ise nägin küll läinud suve lõpul — omamoodi painajamaailm, mis ajendas siinse väljaveninud mõtte geneesi(se)st, saatanjumala või demiurgi või solipsisti, kunstniku loomeaktist.

     

    *

    Kas te Ukraina ööd tunnete? Oo, ei te tunne Ukraina ööd! Silmitsege teda siis tähelepanelikumalt. Keset taevast vaatab kuu. Mõõtmatu taevavõlv on suurdunud, avardunud veelgi mõõtmatumaks. Ta põleb ja hingab, Maa on üleni hõbedase valguse sees; ja imeline õhk on ühtaegu jahedalt sume ja täis hurma ja kannab tervet aroomiookeani. Jumalik öö! Hurmav öö! Liikumatult, hingestatult seisavad metsad täis pimedust ja heidavad tohutuid varje. Tasased ja rahulikud on need tiigid: nende vete külmus ja pimedus on süngelt suletud aedade tumeroheliste seinte vahele. Toomingate ja murelite põlistihnikud sirutavad aralt oma juuri allikakülmusesse ja ainult õige harva lehisevad oma lehtedega, otsekui vihastades ja pahandades, kui imekaunis öötuul välkkiirelt juurde hiilib ja neid suudleb. Kogu maastik magab. Aga ülal hingab kõik, kõik on imeline, pidulik. Hinges on ühtaegu avar ja imeline ja harmooniliselt kerkivad tema sügavusest hõbedaste nägemuste parved. Jumalik öö! Hurmav öö! Ja järsku elustub kõik: metsad, tiigid, stepid. Majesteetlikul piksehäälel hakkab laksutama ukraina ööbik ja kuugi tundub teda keset taevast kuulatama jäävat… Nagu võlu-unes suigub kõrgendikul küla. Aina valgemana, aina kaunimana helgivad kuupaistel tared; ikka silmipimestavamalt tulevad pimedusest esile nende madalad seinad. Laulud on lakanud. Kõik on vaikne. Jumalakartlikud inimesed magavad juba. Mõnest üksikust kitsukesest aknast paistab valgust. Mõne üksiku tare ees võtab hilinenud pere õhtulist. (Nikolai Gogol. „Jutustusi. Revident”, Eesti Raamat 1982, lk 11–12, tlk Paul Viiding.)

    Maailma loomine on üks kunstniku töövahenditest-võtetest, jah, siiski vaid üks… Aga üks olulisem. Maailma loomine, „pildi sisse minek”, pildi sisse viimine, pildi elustamine — ükskõik millises loomisprotsessis (seepärast siin näide Gogolilt) — ei paku kunstinautlejale ainult eskapismi, vaid teistmoodi vaatamise võimalust. Sellepärast on näiteks nüüdisteatris ja -tantsus palju olendi- või elukaetendusi, kus tegelased pole niivõrd kindlalt, äratuntavalt inimesed, vaid pigem mingid olendid, võib-olla humanoidid, võib-olla kogunisti animaalsed või müütilised tegelased (mütod!).

    Hermanise-Rosenbergi „Eden Detaili” vaadates sain aru, et see meeletus, see maailm puudutas mind mingil äratundmatul moel. See seestas mind, nii hääs kui halvas (eks ole deemonitel mitmeid nägusid!). Hetkeelamus (see hetk vältas paar tundi) oli intensiivne, siiski ütles mingi kriitiline, petlik meel mulle, et selles on nii palju kaasaegse teatri ja kitsamalt mingeid Amsterdami kurikuulsa SNDO (School for New Dance Development) „käpajälgi” (millest ma ju palju ei tea, kuigi aastate jooksul olen nuhutada saanud). Nuiasin Johhan Rosenbergilt isegi hiljem teda kohvikulauas usutledes selgitust (sellestki kujunes tänu kõrvalistele kujudele, peamiselt legendaarsele „Hull-Harrile”, kummaline etendusetaoline hetk), millele ta reageeris mõnda aega hiljem nii (kirjapilt muutmata ja netivestlusele loomulikus vormis):

    motlesin et mis see sndo mu jaoks selles etenduses olla voiks. tol hetkel oli see imelikult confronting küsimus, ning ei osanud isegi mõelda, kuidas nt sina tajud sndod.:=

    aga … ehk see et kuidas meid opetati dramaturgiaga tegelema e mitte lineaar­selt. Ning siin olles tglt proovisime seda rakendada vastupidi. Kasutades sama pagasit Aga minnes vastu liikumisjadaga kui nähtavalt lineaarne storytelling. ja sndo juurikas on kindlasti mu jaoks raju, mässumeelne ja natuke ohtlik vibes. kuid see kõik alati peenelt armastusega läbitöödeldud. ☺ lol. aga raske nüüd leida seda piiri kuidas sndo on mind toitnud ja mida mina sndolt võtnud.

    Rosenberg on läbinisti armastusväärne, loomuomase ande sunnil sügavalt tajukeskne looja — mingi ürgandekuse läte lahvatab tast välja…

    Ma eksisin, see unenäoline, painajalik tükk, mingid elemendid tast, on musse siin kirjutades, kümmekond kuud hiljem, settinud ja ladestunud. Ja kuigi heli ja tekst ja liikumine on selle kõige juures kummaliselt tähtsad, siis siiski on saanud sellest mu peas mingi pildijada. Võib-olla toopärast, et etenduse lõpul jääbki lavale visuaalkunst. Ei-ei, muidugi, seda on varem ka tehtud-tekitatud-kasutatud, et loodust kujunebki kompositsioon, millele jääb oma tähendus. Ja siis olen siin hiljutigi näinud n-ö sõnateatrit, kust too „lavakujunduse” taak on maha roogitud, minimalismini viidud. Eks ole seegi serv võimukas ja endale eluõigust nõutamas!

    Aga muidugi, Eedeni aia kujund. See on kõige põrgulikum, painajalikum Eedeni aed, mida ma näinud olen. Iga element veidralt tuttavlik ja samas äraspidine, justkui mürgitatud või seendekasvanud või vetikatesse uinunud… Jah, seda enam, et me saamegi seda vaadata mitte kui aegade alguse aeda, vaid ühe konkreetse Edeni (nii tegelane kui osaline) sisemist aeda, tema õudusunenägu või painajat, milles detailid punutakse ühtsesse pilti: lootevann, millest ärkab elu, trollivad mardisandid universumi lävel, viljad — nii nood keelatud kui raskesti kantavad —, laiali pritsiv munarebu, rõveliputaja (mitte et teistsuguseid oleks), tätoveeritud seanahk, kõik see, kuidas aiast saab eurotrash, aga samas: kuna see pilt, see vägi, see õudus on puutumatult ürgne ja sisim, siis ei saa seda justkui miski määrida! Kuidas lõhkuda midagi, mis on katki, mis defineerib end läbi katkioleku?

    Millegipärast tuleb meelde kunagi ammu nähtud Lauri Lagle „Paradiis”, mille maailmaloomine mind samuti lummas — vist selle vastandlikkuse pärast! Kui teatraalne, kui müstilis-maagiline on kõik Hermanisel-Rosenbergil, kui suvaka peale (petlikult) mängis Lagle… Jah, võib-olla see sarnasuserinevus, mis on nii kriipav, see tekitab selle tunde, et seesama mina ilmub välja erinevates aegruumipunktides, et ma olen korraga noil etendusõhtutel, nendel samadel sündmustel ja näen neid samade silmadega, mis ju ometigi ei saa tõsi olla — ma pole Billy Pilgrim, ma pole (veel, lõplikult) kaotanud ajataju, minetanud seda trafaladoorlikul, kurtvonnegutilikul moel. Või siis sattunud paralleeluniversumisse, omaenda põrgusse, kus kõik need veidrad kollaažid mu maailmaks põimuvad, olemasoluks saavad.

    Sest see räägib ju pimedusest meie sees, varjudest? Räägib ju? Sellest, mis alati kohal on, mida mõned arvavad suutvat ravida. Ja nood, kes ravivad, keda ravitakse, nood siis võib-olla ei näegi enam? Ei, see siin pole kaitsekõne vaimse tervise probleemidele… lõpuks me tahame ellu jääda. Isegi omaenda isiklikus põrgus. Kui ka miski sunnib meid seda lõpmatult taastootma, isegi lavale tooma, või siis ette kujutama, et see on see, mis lavaruumist, raamatukaante vahelt, kunstisaali seintelt vastu vaatab. Kunstisaalis, kunstisaalis…

     

    *

    Sealsamas Kanuti SAALis oli aastaid tagasi suuremaks sünnipäevaks üles seatud audiovisuaalne poeem „2341 AD”, millele oli omane teatud poeetiline ja metafoorne mastaapsus (oletatav maailmalõpu aimdus — vastandina mu ennistisele maailmaloomise pildile —, Kanuti Gildi kui sellisegi kadumine jne). Postapokalüptiline oopus n-ö ehk.

    Urmas Lüüs on tänase Eesti üks hullumeelseim, põnevaim-põlevaim kunstnik. Tema „Ülerahvastatud üksindus” STLis oli mingis mõttes jätk, edasiarendus ta näitusele-installatsioonile „Teatavate piiride poorsusest” Hobusepea galeriis. Seal oli Lüüs taasloonud justkui oma vanaema eluruumi. See tohutu „mööbeldamine” tõmbas ta iseendasse, nii et „Ülerahvastatud üksindus” ei olnud enam kogunisti läbitavates ega haaratavates mõõtmetes „postapokalüptiline maastik”. Jah, ruum ja asjad, kui neist on inimene ära võetud, on ju mingi maailmalõpu pilt, kus iga märk, iga ese, iga detail annab märku kellestki just nagu kohalolnust või isegi kohalolevast. Selles mõttes jällegi: Kanuti „2341 AD” vastand! Kõik on tõstetud kosmiliselt tasandilt üdi-inimlikule pinnale, kriipavalt-valusalt tõstetud.

    Säärases labürindis kõnelevad muidugi lisaks kohalviibivatele ka nood hääled, mis sa sinna endaga kaasa viid. Kui „Teatavate piiride poorsusest” langes kokku just ajahetkega, mil minu vanaema siit ilmast lahkus, siis „Ülerahvastatud üksindus” puudutab märke mu enda praegusest elust — millest ma siinkohal ei taha ega pea rääkima —, aga see on see maailm, kus paratamatult vaimud (ka elavate omad) on kohal, tahad sa või ei. Õpi siis nendega kooseksisteerima, hakkama saama… Mina tekstikeskse inimesena muidugi raiskasin oma aegruumi seal „Ülerahvastatud üksindusel”, jäin kinni lugudesse, mida verbaalselt edasi anti, kuigi see oli vaid üks kaja, üks element, üks vari kaduvikust. Käesolevast kaduvikust.

    Oluline, mis on sarnane „Eden Detaili” maailmaga (või oli sarnane? ma ei tea, kas Lüüs enam jaksab-viitsib seda maailma uuesti  mõnda suurde ruumi üles ehitada— terve STLi saal oli vallutatud!): kõik asjad, kõik märgid, kogu mateeria me ümber on seestunud-saastunud kellegi puudutusest, kohalolust, edasiantusest. See on nagu mõni vana raamat, millelt leiad korraga nii lohutavaid kui kohutavaid jälgi endistest lugejatest, „kaaslugejatest”. Ja sellisesse kunstiteosesse minnes võtad sa kaasa omaenese pagasi, iseenda ja oma tumeduse, umbes nagu noid „kahtlasi” seeni süües…

     

    *

    Ma alustasin Gogolist ja ma pean suubuma Gogolisse — ma usun, tõsi küll, teadmata külastajaarve või piletimüügi näitajaid, et see on Noorsooteatri uus hittetendus. „Sinelis” pole midagi nii helget nagu Ukraina öö kirjeldus me maailmaloomise katse alguses. Kuidas saakski olla? See lugu on groteskne, õudne; tühjusetunne, too „inimese väiksus” hulbib pinnale nagu teadagi mis. Aga ometi, ometi olin ma lummatud ja rabatud: lavastaja-kunstniku-koreograafi-näitlejate jne ühiselt loodud maailm on lummav! See on midagi nii ilusat, et ma tahaksin öelda, et sellisel kujul „puhast ilu”, midagi „nii ilusat” pole ma tükk aega näinud, ja see lause oleks korrektne isegi siis, kui kuratlik toimetaja (sest kas meil on põhjust siin maailmas eeldada teistsugust?) eemaldaks väljendite impotentsust rõhutavad jutumärgid sootuks.

    Jah, see sõnatu tükk on ju ilge, inetu, kindlasti väikesed lapsed kardaksid seda maailma, aga mina — mina va jõletu mees — tajusin toda ilu valguvat enese üle. Ma adusin loojat/loojaid tolle maailma taga (ja andusin loodule): veel vaimustavam — kui ma tahan, saan ma neid vaadata ja võib-olla isegi emmata, mõne sõna vahetada, sest ma tunnen neid, täpsemini ehk vast tean neid…

    Jaa: kõigist oma kirjanduslikest ja sõnumlikest-sõnalistest painetest olin ma korraga vaba, puhta visuaali, ka erilise nihkes kehakeele kui „maailmakeele” lummuses, köites, ahelas, st vastikult rõõmus, nagu oleks keegi mind korraks lunastanud ja end unustada lasknud. See oli ka nii põrgulikult vajalik: kui Hermanis ja Rosenberg tuletasid mulle meelde painajaliku salaloo mus endas, kui Lüüs pani mind lugu otsima, välja nuuskima nagu ihara jahipeni, siis Zandberg-Raud jt lasid mul nii ennast kui lugu unustada, kuigi just siin on ju kõige kirjanduslikum läte, kõige minum mina ja mu teema kohal, aga ei…Loo jälil olen ma just neis teistes maailmades. See siin, see kraam laseb mind vabaks. Tumedad varjud, veidrad olendid, taustast elustuvad-(t)ärkavad vaimtegelased, korduste anomaalne poeetilisus.

    Noh, nagu Gogoli Ukraina öö kirjeldus loo alguses: jah, selle imelise öö sees juhtuvad nüüd kohutavad asjad, see imeline Ukraina öö on häiritud, määritud mingi võõra, musta mõttega. Selle mõttega, millest Noorsooteatri punt mind ja Gogolit korraks vabastas. Eskapism? Ju vist, antud juhul küll — kui Lüüsi maailm justkui ei lase põgeneda isegi surnutel ja lahkunutel, kui „Eden Detail” annab mõista, kuidas me iseenda põrgut (ehk paradiisi) aina loome, siis „Sinel” laseb end ja seda kandamit ehk korraks unustada, kaotada… Me vajame kõiki neid lähenemisviise, kõiki neid keeli, millega maailmad olevaks lauldakse! Siin lihtsalt laotasin, näe, teile korraks kiikamiseks kolm täiesti erinevat võimalust luua maailma, luua nii võimsalt, et see jätab jälje… nagu valgele särgile unustet tulikuum triikraud…

     

    JÜRGEN ROOSTE

     

    Viide:

    1 „Eden Detail”, lavastanud Jette Loona Hermanis ja Johhan Rosenberg (Kanuti Gildi SAAL).

    „Ülerahvastatud üksindus”, lavastanud-installeerinud Urmas Lüüs (STL).

    „Sinel”, lavastanud Daniil Zandberg, kunstnikutöö Rosita Raud (Eesti Noorsooteater).

  • Arhiiv 10.08.2022

    NÄHTAMATU FILMIS

    Jüri Kass

    (Vt ka TMK 2021, nr 6 , 7–8, 9, 10, 11 ja TMK 2022, nr 1, 3)

     

    Sel kevadel tähistati kõikjal maailmas Juri Lotmani 100 sünniaastapäeva ja muu hulgas anti välja ka mitmeid tema teoste uustõlkeid. Üks nendest oli esmakordselt eesti keeles ilmunud, Juri Tsivjaniga kahasse kirjutatud „Dialoog ekraaniga”, mille Eesti Kultuurkapitali toel andis välja Tallinna Ülikooli Kirjastus. On õnn, et Juri Tsivjan on veel elus ja täie tervise juures ning osales eestikeelse tõlke juures illustratsioonidele värskenduskuuri tehes ja lisakommentaare kirjutades. Käesoleva artikli autoril oli võimalus „Dialoog ekraaniga” eesti keelde tõlkida, mille käigus tõusis esile mitmeid teemasid, mida ka Teater. Muusika. Kino lehekülgedel oleks huvitav käsitleda. Näiteks seesama eponüümiline sõna „kino” ja selle kasutamine eesti keeles — kas tegemist on siis ikkagi ainult hoonega (kino), mitte kunstiliigiga (film), või peaks seda kasutama analoogiliselt sõnaga „teater”, mis tähistab korraga nii hoonet kui ka seda, mida seal tehakse (teatrit tegema). Sel korral ei peatu ma TMK esseesarja „Nähtamatu filmis” raames siiski eesti filmiterminoloogia põneval teemal, vaid käsitlen raamatut „Dialoog ekraaniga”, õigemini mõningaid raamatus avaldatud mõtteid.


    Juri Lotman ja
    Juri Tsivjan.

    Lotman ja Tsivjan tõstatavad kohe raamatu alguses küsimuse, et kui tegemist on nn filmiõpikuga, siis kellel ja miks on üldse vaja filmi vaatamist õppida. Vaatamine on ju miski, mis meile kõigile tundub automaatne — oskan ringi vaadata, ju siis oskan ka filmi vaadata. Esimese asjana seavad autorid küsimuse alla selle „ringi vaatamise” oskuse ja seejärel muidugi ka filmi vaatamise oskuse. Kuna enamus raamatust ongi pühendatud just sellele filmi vaatamise õppimisele, siis käsitlen oma artiklis lähemalt problemaatikat, mis on seotud niisama vaatamisega ehk siis sellega, kas me näeme seda, mis on „päriselt”, ja sellega, kuidas niisugune probleemistik mõjutab nähtamatut filmis.

    Donald D. Hoffmanni raamat „The Case Against Reality: Why Evolution Hid the Truth from Our Eyes” on pühendatud meie reaalsustaju lammutamisele. Kuigi tõdemus, et me ei taju reaalsust vahetult sellisena, nagu ta on, ei tule ühelegi vähegi haritud inimesele tõenäoliselt üllatusena, on siiski üsna levinud seisukoht, et inimliigi evolutsioon liigub aina täpsema, veriidilisema tegelikkusetaju suunas. Eelduseks on võetud, et veriidiline tegelikkusetaju on evolutsiooniline kohastumus. Näiteks on Stephen Palmer kirjutanud oma raamatus „Vision Science”: „Evolutsiooniliselt on visuaalne taju kasulik vaid siis, kui ta on küllaltki täpne… Nägemine on kasulik just sellepärast, et ta on küllaltki täpne. Üldjuhul näeme seda, mis on. Me nimetame seda veriidiliseks tajuks (…), mis vastab tegelikule olukorrale ümbritsevas keskkonnas. Nägemine on seda peaaegu alati.”  

    Donald D. Hoffmann viitab, et tegemist on levinud teadusliku konsensusega — kuna tegelikkust täpselt edasi andev tajumehhanism suurendab meie ellujäämistõenäosust ehk kujutab endast evolutsiooniliselt paremat kohastumust (fitness), peaks looduslik valik, eriti Homo sapiens’i laadsetel suure ajuga liikidel, soodustama üha veriidilisema taju väljaarenemist.

    Sellise protsessi eelduseks oleks, et tegelikkuse veriidiline edasiandmine ehk „tõde” on sisuliselt sama, mis on parim kohastumus. Hoffmann aga viitab sellele, et ei ole olemas ühte universaalset kohastumust. Erinevatel liikidel on erinevad kohastumused. Näiteks on inimese väljaheide väga suure ellujäämisväärtusega näljastele kärbestele, samas ei ole sellel erilist ellujäämisväärtust inimesele endale. Ehk siis see, mis on mingile liigile kohane, vastab selle liigi iseärasustele. Selle mõistmiseks võib kasutada meie enda Jakob von Uexkülli väljendit umwelt ehk „omailm”. Vikipeedia ütleb, et „omailm on organismi omakeskne maailm, st maailm nii, nagu organism seda tajub, lähtudes eristustest, mida see organism teeb. Eri liiki organismidel on samas keskkonnas erinevad (liigiomased) omailmad”. Pole keeruline aru saada, et näiteks kajalokaatoriga liikleval, meie taju mõistes pimedal nahkhiirel ja meil on erinev omailm ning meie tajud on veriidilised ainult antud omailma kontekstis. Me võime tajuda samu objekte, kuid kasutada nende objektide tajumiseks erinevaid elektromagnetlaine lainepikkusi (meie liik siis peamiselt objektidelt tagasi peegelduvat, nähtava valguse lainepikkust ca 380–700 nanomeetri ulatuses, nahkhiired aga iseenda välja saadetud ultraheli tagasipeegeldumist, mistõttu näiteks öötiiburi aju motoorsest osast tegeleb 40 protsenti tema keeleliigutuste suunamisega). Võiks küsida, kumb liik siis tajub „tõde”. Just eelneva tõttu väidab Hoffmann risti vastupidist: me mitte ei arene aina paremini, tajumaks tõde, vaid evolutsioon viib meid hoopistükkis veriidilisest tajust aina kaugemale. Selle väite tõestuseks toob ta FBT-teoreemi (fitness beats truth ehk sobivus suretab tõe) ja kasutab selleni jõudmiseks evolutsioonilist mänguteooriat.

    Kujutage ette kahte loomakest, kes elavad teatud keskkonnas. Nende nimi on näiteks kritter ja nad elatuvad millestki, mille nimi on stuf. Stuf on kritter’ile nagu hapnik meile. Üks neist on arenenud objektiivset reaalsust tajuma — seda tegelikku, objektiivset reaalsust, mis olemas on. Teine on aga arenenud tajuma keskkonnas ainult enda kohastumisega seotud informatsiooni. Teda ei huvita objektiivne reaalsus, vaid maksimaalne hulk infot, mis puudutab tema kohastumist. Mudelis on olemas kaks tajustrateegiat, millest kumbki on võimeline eristama N arvu erinevaid tajusid objektiivsest reaalsusest, millel on N erinevat seisundit. Ehk siis truth (tõde) näeb objektiivset reaalsust maksimaalselt ja fitness (sobivus) ei näe üldse objektiivset reaalsust, aga on timmitud tajuma täpselt seda, mis vastab tema kohastumisele — see, mida ta tajub, on küll seotud objektiivse reaalsusega ja sõltub sellest, kuid sõltub ka organismist endast, tema vajadustest, tema tegutsemisest. FBT-teoreemi alusel suretab fitness truth’i tõenäosusega (N–3)/(N–1). Ehk siis Hoffmanni teooria väidab, et evolutsioonilise mängu võidab alati kritter, kes tajub kohastumist. Mida see tähendab? Kujutage ette silma, millel on kümme fotoretseptorit, millest igaühel on kaks erinevat seisundit. FBT-teoreem väidab, et tõenäosus, et see silm näeb reaalsust, on maksimaalselt kaks tuhandest. Kahekümne retseptoriga on tõenäosus kaks miljonist ja nii edasi. Inimsilmas on sada kolmkümmend miljonit fotoretseptorit. Tõe nägemise tõenäosus on null.

    Hoffmanni teoreemi on mitmed teadlased nii kritiseerinud kui ka ümber lükanud. Kuid arutelu alustamiseks on see siiski põnev, kuna näitab seda, kuidas meie igapäevane eksistents toimib täielikult meie enda tajude loodud maailma lõksus.

    Mis on sellel kõigel seost filmiga, eriti nähtamatuga filmis? Mulle tundub, et film on üks reaalsuse tõlgendamise viise, mis vabastab meid oma tajude vangistusest. Loomulikult teevad seda kõik kunstivormid, aga filmi efektiivsus seisneb selles, et ta simuleerib meie reaalsustaju nii multimodaalselt, et on korraga „nagu päris”, aga samal ajal ei ole seda üldse mitte, võimaldades pugeda vaataja alateadvusesse ja luua seal nihkeid maailma, mis tundub „päris”.

    Võtame näiteks vaatepunkti küsimuse. Igapäevatajus oleme me kangelt ühes vaatepunktis kinni — kuigi me oleme võimelised simuleerima ettekujutust sellest, kuidas oleks maailma tajuda kellegi teisena, ei pääse me kaugemale ja kõrgemale omaenda silmadest, kõrvadest ja ninast. Ehk on lugeja märganud hetke, kui tõustes lennukiga üles, maailm korraga igapäevareaalsusest muinasjutuks muutub; seal tegutsevad pisikesed autod ja pisikesed inimesed oma pisikeste eludega.

    Chuck Palahniuki raamatu „Lullaby” minategelane kirjeldab seda, kuidas inimene ehitab tibatillukese ideaalse mängumaja, mis koosneb täiuslikest pisidetailidest kuni lambikeste ja väikeste tellisteni. Kui suur töö on valmis, tõuseb ta püsti ja vaatab seda väikest ideaalset ja turvalist maailma. Sellised näeme me välja Jumala jaoks, ütleb minategelane. Ja ütleb siis: astu see puruks! Trambi senikaua, kuni plastik teeb tallale haiget ja altkorruse naaber vastu lage taguma hakkab.

    Palahniuki nihilism võib ärritada, aga see räägib meie vajadusest astuda välja oma peast ja tunda, näha maailma kellegi teise pilgu läbi — kellegi, kes on surematu, objektiivne vaataja, keda ei mõjuta meie igapäevased kannatused.

    See nähtamatu filmis, mida pealkirjas on mainitud, on ka nähtamatu vaataja positsioon, mis kasvab välja meie igatsusest tõusta „kõrgemale” ja näha tõde. Täielikku tõde me küll seeläbi ei näe, sest on eraldi filosoofiline küsimus, kas objektiivne reaalsus üldse ilma pealtvaatajata sellisena eksisteerib, ning juhul kui eksisteerib, peaks selle tajumiseks olema minimaalselt elusolend, kelle tajusüsteem võimaldab tal sekkumata salvestada kõiki meie ümber põrkuvaid infokillukesi (sh näiteks kogu elektromagnetlainete spektrit, mis võimaldaks tal näiteks raadiolainete abil näha läbi seinte). Küll aga võimaldab nähtamatu vaataja positsioon filmis tajuda teisi viilukesi tõest lisaks sellele kitsale kohastumisele, mida me iga päev tajume.

    Vaatepunkti vahetamine, mida võimaldab film, aga ei võimalda päriselu, võib olla lihtne, näiteks vastasplaanid dialoogistseenis. Aga kellegi teise perspektiivi filmis võib näidata ka läbi n-ö nähtamatu vaataja. Näiteks on S. V. Fedotkin analüüsinud Andrei Tarkovski „Peeglit” läbi selle, kuidas kaamera ise muutub nähtamatuks vaatajaks ja peategelast (või suisa minategelast) me kaadris praktiliselt ei näegi. Ja seda, kuidas Tarkovski erinevates filmides süstemaatiliselt tegelase vaatepunkti lõhub, muutes seda subjektiivsest metafüüsiliseks. Näiteks filmis „Andrei Rubljov” (1966) on surnud luige point of view, mis loomulikult viitab lahkumise kontseptsioonile, mitte sellele, et luige hing vaatab oma surnud silmadega alla. Või Elem Klimovi „Idi I smotri” („Mine ja vaata”, 1985) nähtamatu vaataja, kes kuuleb kärbseid enne kui peategelased ning lõpuks jääbki majadetagune laibahunnik tema ja vaataja saladuseks peategelase ees. Või see, mida näeb nähtamatu vaataja Andrei Zvjagintsevi filmis „Neljubov” („Armastuseta”, 2017). Tarkovski on ise kirjutanud, et kunsti juures paelub teda võimalus rassmotret objekt izvne, sna-ruži, so storonõ — nadmirnostju vzgljada („vaadata objekti väljastpoolt, välispinnalt, kõrvalt — läbi üliilmse pilgu”). Ka „Solarises” (1972) on kaadrid lõputu tühjuse vaatepunktist ja „Stalkeris” (1972) Tsooni vaatepunktist. Äkki ongi see nähtamatu tegelikkus, mis meile nendel hetkedel otsa vaatab?

    „Solaris”, 1972. Režissöör Andrei Tarkovski.

    Hiljuti tõlkest tulnud raamatus „Dialoog ekraaniga” käsitlevad Juri Lotman ja Juri Tsivjan vaatepunkti teemat ka erandlikel juhtudel.

    Võrdleme omavahel kolme näidet, kus sündmuse vaatepunkt ei luba meil arvata, et tegevust vaatab inimolend. Selliste vaatepunktide hulka kuulub vaade vee alt. K. Muratova filmis „Lühikesed kohtumised” (1968) on stseen, mille dramaturgiliseks sisuks on perekondlik idüll, hetkeline vaherahu mehe (V. Võssotski) ja naise (K. Muratova) keerulistes suhetes. Rahulikult vesteldes valmistavad kaasad ette pidusööki, millel on plaanis serveerida keedetud vähke. Stseen on üsna tavaline, välja arvatud vaatepunkt — näeme selle osalejaid justkui veega täidetud poti põhjast. Üksteisele naeratades ja repliike vahetades panevad Muratova ja Võssotski aeg-ajalt potti ühe vähi, siis teise, kolmanda… Sel hetkel juhtub vaatajaga hämmastav asi — niipea kui esimene vähk satub hõljuma tema ja stseenis osalejate vahele, hakkab toimuv meie ees paistma hoopis teises valguses, hukule määratud vähi vaatepunktist. Vaataja teadvus, laskmata end segada tõsiasjast, et vähid on vaevalt võimelised inimese kõnet kuulama ja nendevahelisi suhteid mõistma, haarab kinni sellest subjektiivsest vaatepunktist ja vaatab meie maailma olendi pilgu läbi, kellest me pole harjunud mõtlema ja kelle puhul eeldame tundmise ja tajumise võime puudumist.

    Siinkohal tuleb märkida, et filmis „Lühikesed kohtumised”, nagu igasuguses kunstiteoses, tekib „vähi vaatepunktile” üldistatud tähendus mitte iseenesest, vaid asjaolust, et tihendatud, kontsentreeritud kujul kehastab see filmi kui terviku kunstilist konflikti. Muratova film räägib sellest, et me võtame sageli teistelt õiguse keerulisele emotsionaalsele ja intellektuaalsele maailmale, samas kui me enda sisemaailma keerukust kipume võimendama. Filmi kangelanna, keda mängib K. Muratova, on oma tööga täitevkomitees ja iseenda hingelise draamaga nii hõivatud, et tal ei tule pähe eeldada, et midagi sarnast võiks toimuda vaikses külatüdrukus, kelle ta endale koduabiliseks on palganud. Vene kinematograafia traditsiooniline teema, mida puudutas ka E. Baueri film „Tummad tunnistajad” (1914) — isandlik suhtumine teenijaskonda —, muundub Muratova filmis draamaks koduabilisest (N. Ruslanova), kelle tunnete sügavust ei suuda aduda ei majaperenaine ega tema abikaasa. Stseen, mis on filmitud poti põhjast, peategelaste pereelu „tummade tunnistajate” vaatest, omandab meie jaoks uue, kunstiliselt mõtestatud tähenduse just seetõttu, et selle vaatepunkti on ette valmistanud kogu filmi tegelaste vaheliste suhete struktuur.

    Raamatus on veel mitmeid huvitavaid näiteid, kuidas vaatepunkt filmis võib tegelikkusetaju nihestada.

    See osa meist, mis igatseb tajuda tõde ja rabelda välja elusolemise konkreetsest perspektiivist, on peidus juba inimkonna iidseimates müütides, sealhulgas arhetüüpses paradiisiaiast välja ajamise allegoorias. Aadam ja Eeva aeti paradiisist välja selle tõttu, et nad sõid hea ja kurja tundmise puu vilja. Ehk siis omandasid inimteadvusega kaasneva identiteedi, konkreetse elusolendi perspektiivi, mis ütleb sulle, et see on hea ja see on paha, seda ma tahan ja seda ei taha. Kui paradiisist välja ajamise müüti niimoodi tõlgendada, siis ilmneb, et paradiis ei ole kusagil pilvede taga või metafüüsilises surmajärgses ruumis, vaid on siinsamas, kõikjal meie ümber, jätkuvalt kogu aeg alles, aga me ei saa sinna tagasi pöörduda, sest me ei pääse enam „hea ja kurja” tajumise eelsesse seisundisse, kuna sõime vilja, mis tegi meist inimesed. Tegelikkusel ei ole perspektiivi ja seega puudub selles ka hea ja halb; on vaid neutraalne eksistents, mis peitub ilusti eestikeelses sõnas „ükskõiksus” (üks/kõiksus). Ja selle tõe, tegelikkuse kogemist igatseme me sellepärast, et see loob kontakti ainsa osaga meis, mis ei ole muutuv — ehk siis on surematu. Kes on „mina”, see muutumatu ja püsiv, mida ei mõjuta ka surm? Et aru saada, mis on muutumatu, tajub inimene kõigepealt seda, mis temas on muutuv. Muutuvad meie tunded — järelikult ma ei ole minu tunne. Muutuvad meie mõtted — järelikult ma ei ole minu mõtted. Muutub me keha — järelikult ma ei ole minu keha. Isegi teadvus muutub — vahetevahel oleme me teadvusetud, aga eksisteerime siiski edasi. Kõik need elemendid on osa meist, aga nad ei ole meie, sest vastasel juhul nende muutudes meie olemasolu katkeks, mida ta aga ei tee. Seega on ainsaks asjaks, mis saab olla see tegelik mina, olemasolu ise. Eksistents. Ja mida me saame oletada tegelikkuse kohta, on see, et miski siiski eksisteerib, isegi kui me seda tajuda ei suuda. Seega on eksisteerimise tasand see, mis teeb meid kõigega üheks — annab ükskõiksuse. Hea ja kurja puudumine. Paradiis. Konkreetse perspektiivi puudumine.

    Filmikunstil on võime raputada meid välja sellest tugevast perspektiivist, mida me sünnipäraselt kaasas kanname (õigemini, sündides seda meil ei ole, aga mida rohkem me õpime maailmas navigeerima ja meie taju omandab konkreetsed piirid, seda rohkem muutume me „minaks”, kellekski, kellel on nimi, minevik, iseloom, ootused ja sellest välja kasvav vaatepunkt), kuna film saab maskeerida ennast kavalalt päriseluks. Film näeb niivõrd intuitiivne välja, et tavainimene ei teadvusta, kui peenelt see on konstrueeritud, mistõttu kõik tundub „nagu päris”. Sellega hiilib film nagu Trooja hobune sisse vaataja teadvusse ning korraga, olles ära petnud, et ta on „nagu päris”, tuleb temast välja see nähtamatu ja ta suudab nihestada meie arusaamist reaalsusest, lõhkudes seda kasutajaliidest — reaalsuse illusiooni —, mis meid tõest eemal hoiab.

    Juri Lotman ja Juri Tsivjan on oma raamatus „Dialoog ekraaniga” kirjutanud nii:

    Filmikunsti eesmärk on õppida tundma elu, tuues sellesse vabadust, ning vabastada selle elemendid tardunud seostest, pannes need uutesse rollidesse ja vastastiksuhetesse. Film vabastab maailma ja paljastab seeläbi tema varjatud, tõelise näo, annab elule rohkem võimalusi, kui elu ise arvatagi oskab, ning jälgib samal ajal tähelepanelikult, kuidas käitub üks või teine ​​reaalsuse tahkudest pärast seda, kui on end vabaks rebinud. Vabastades loomingulise fantaasia nimelise võlukunsti abil maailma seda aheldavast loitsust, vabastab režissöör ka iseenda. „Võimalike maailmade” loomise abil õpib filmikunst tundma tegelikke maailmu.

    Ehk siis, kui me tarbime joovastavaid aineid või vaatame filmi, et unustada reaalsus, on see äkki hoopis püüe unustada illusoorsus, milles me elame, ja piiluda läbi pisikese augukese tegelikkust? 

    Nagu eespool mainitud, on mitmed filmitegijad püüdnud tabada nii vaatepunkti varieerides kui ka reaalsust nihestades seda nähtamatut tõde. Ka eesti filmitegijate hulgas on neid, kes on katsetanud reaalsuse nihestamisega. Martti Helde filmis „Risttuules” (2014) on tegelase perspektiiv väga huvitava metafoorse vormi leidnud. Ühest küljest on tegemist justkui minajutustusega, mis räägib sellest hetkest, kui küüditatute jaoks aeg justkui seisma jäi — ning seiskunud maailm pildis seda meile näitabki. Filmitegijad on teadlikult jätnud sisse väikesed vead — silmapilgutused ja hingeõhk ei ole eriefektidega ära kaotatud, andes justkui edasi selle ajas kivistunud inimeste elususe. Nad ei ole surnud, nad on justkui enda kehas vangis ja seeläbi vangis ka ajas, mis nendest liikuva kaamerana mööda voolab. See on mõttekujundi — me ei liigu läbi aja, vaid aeg liigub läbi meie — valusalt kivistunud metafoor. Tanel Toomi „Tões ja õiguses” (2019) kehastab nähtamatut tegelikkust peategelase arengukaar, mida tuntakse nn staatilise kaare (static arc või flat arc) nime all ja mis kujustab meile inimese traagikat, kes peaks muutuma, aga ei suuda muutuda, sest õppetund, mille elu talle pakub, läheb tema tajumisvõimest mööda. Võimalus muuta perspektiivi ja näha peategelase tegelikkuse traagikat tekib vaatajal tänu kõrvaltegelastele. Eks ole igaühel meist kogemusi, kui me ise oma elu peategelasena pole suutnud tajuda tegelikkust enda ümber, kuid kellegi teise kannatusi kõrvalt vaadates, justkui olles kõrvaltegelane kellegi teise filmis, näeme palju selgemalt seda traagikat, mida me filmide puhul nimetame kas „sõnumiks” või pehmemalt „teemaks”.

    „Risttuules”, 2014. Režissöör Martti Helde.

    Kas eesti filmikunst otsib ka tulevikus edasi seda nähtamatut filmis? Seda saab analüüsida, vaadates pealekasvavat põlvkonda ja seda, mida nad filmikoolis omandavad. Filmikoole on tihti süüdistatud selles, et need toodavad inimesi, kes valdavad ainult psühholoogilist realismi. Näiteks kui Norra filmikool võttis üle Taani filmikoolis edukalt rakendatava nn „tellingute” mudeli, tekkis ajakirjanduses poleemika, et tudengifilmid on liiga turvalised, tehtud reeglite järgi. See on olnud BFMi eestikeelse filmiõppe üks olulisi väljakutseid — kuidas õpetada tulevasi filmitegijaid looma filme, mis on siiski arusaadavad, kuid kantud sellest nähtamatust, püüdest saada kontakt Tõega, mitte vormelite järgi standardiseeritud sooritustest. Sel kevadel lõpetab järjekordne lend tudengeid  ja mul on rõõm, et kool ei ole suutnud (ja pole ka kunagi tahtnud) teha neist psühholoogilise realismi truid alamaid. (Mitte et sellel žanril põhimõtteliselt midagi häda oleks  ja mitte et sellel oleks mingit tegelikku seost realismiga…) Vaadakem lõpetava kursuse filme, nagu Teresa Juksaare „Kuningas” (2021), Alesja Suzdalteseva „Vetevana” (2021), Raoul Kirsima „Elajad” (2021) ja veel mitmeid. Need kinnitavad, et püüe avada filmi kaudu tegelikkuse erinevaid, meile kättesaamatuid kihte on täiesti olemas, elab ja õitseb.

     

  • Arhiiv 09.08.2022

    PLAHVATUS JA TRANSDUKTSIOON

    Jüri Kass

    Mis piiritleb sinu uurimisala? Millisel territooriumil sa liigud?

    Magistrikursusel, mis oli omajagu teoreetiline, kaldusin aina enam suunas, mida tuntakse kunstilise uurimise nime all. Vähemalt Hispaanias pole veel leidnud üldist tunnustust arusaam, et ka kunstis on võimalik teha doktoritöö, et ka kunsti õpitakse ülikoolis. Tahtsin siis süveneda sellesse, mida üldse tähendab kunstiline uurimus, ja otsustasin teha lähemalt tutvust helikunstiga. Mind huvitas nimelt see, kuidas võiksin jõuda helivalda läbi uurimise meetodi. Heli valdkond ei tähenda siinkohal mitte niivõrd helikunsti, muusikat, pigem on see miski, mis „helib”, mis kuuldub, mida tajutakse kuulmise kaudu.

     

    Öeldakse, et kunst on reaalsuse tajumise viis. Kui see vastab tõele, siis kas ei taanda me kunsti sellega lihtsalt üheks reaalsuse tajumise viisiks teiste seas? Kas ei muutu kunst sedasi mugavaks töövahendiks, mis on valmis oma ülesannet vastuvaidlematult täitma ja mille hiljem võib ükskõikselt kõrvale heita? Kas kunst peab olema kasulik?

    Mis puutub reaalsusse, siis kunst kätkeb endas paljusid reaalsusi. Räägime inimese isiklikust reaalsusest, millest sünnib konkreetne kunstiteos, räägime selle reaalsusest, kes seda kunstiteost vaatleb ja kes ei ole samasugune inimene kui see, kes vaatleb tema kõrval sama kunstiteost. Nii suudab kunst käivitada palju asju, üks teos määratleb mitmeid reaalsusi. Mis puutub kasulik olemisse, siis kunst kindlasti ei pea olema kasulik, aga ta on seda ikkagi. Kuid see pole objektiivne kasulikkus, nagu on näiteks arvutil, mis aitab mul praegu sinuga vestelda, otsida infot või salvestada faile. Kunstil on kindlasti kaunistav väärtus, taasesitav väärtus, salvestav ja määratlev väärtus. Oleneb, kuidas keegi meist erinevate töödega suhestub või millist kasulikkust otsib. Hetkel silmitsen oma maale elutoa seinal ja see kasulikkus, mille neile omistan, on kaunistada minu kodu: nad meenutavad mulle hetki, mil ma uurisin midagi nende tegemiseks. Ühtlasi näevad inimesed, kes mulle külla tulevad, killukest minu maailmast, sest lõpuks on neis tükike minu hingest, minu sisemaailmast. Samal ajal pole mul näiteks kodus lauda ja kui ma seda vajan, haaran ühe neist maalidest. Seega, milline siis on nende kasulikkus? Selline, nagu sa tahad neile omistada. Iga asi võib omada erinevaid kasulikkuse väljendusi, kuid kunst on kasulik üldistes kategooriates.

     

    Kui lõpetasin filosoofia magistrantuuri, ütles meie professor Tallinna Ülikoolis lõpuaktuse kõnes: „Õnnitlen! Teie olete need inimesed, kes hakkavad tegelema tähendustega.” Kuid kunstnik töötab pigem sisetundega, tähendustest hoolimata. Millega sina töötad?

    Selle, mis mind liigutab, mis on minu loomehetkede ajendiks, võiks kokku võtta küsimuses, kuidas ma tunnen ennast endana, kuidas olen koos iseendaga, või siis täpsemalt, mis on see, mis põhjustab minus sellist ärevust, et proovin sellele anda mingisugust vastust. Seega, sisetundel on minu töös oma kindel koht, aga see sisetunne on… kuidas seda nüüd öeldagi… hetkeline äratundmine, mida raamistab ennemini… minu olemuse süvis. Kui mõtlen oma tehtud töödele, siis kõik need tõukuvad minu või minu lähedaste isiklikest kogemustest või siis minu kodumaa ajaloolistest hetkedest, mida ma hästi ei mõista, millega ma pole kunagi täielikult nõustunud. Ei oskagi öelda, kas ma töötan lähtuvalt sisetundest või otsin taga seda sisetunnet, et tööd alustada.

     

    Mulle tundub, et lõhe tähenduste ja sisetunde vahel väljendub tõigas, et tähendused on üsna kindlalt väljendatava iseloomuga, samas kui sisetunne on midagi voolavat, millele ei saa justkui osutada.

    Siiski võib lõpuks ka seal kohata tähendusi, neid, mida sisetunne esile toob.

     

    Mõned minu tuttavad kunstnikud lähtuvad oma loometöös väga palju tähenduste maailmast, konstrueerides neid omal kindlal viisil ja konstrueerides läbi selle muu hulgas teose ülesehituse. Samas ei ole nende töös sisetunne või miski, mis väljenduks loomulikult, eriti asjakohane.

    Juri Lotman kirjeldab oma raamatus „Kultuur ja plahvatus” kultuurilise arengu eriti tormilist järku, kus väga kiirete muutuste sees pole võimalik käesolevat kultuurilist hetke adekvaatselt määratleda ega eritleda. Need määratlused ja eritlused antakse muutustele pärast plahvatust, tagantjärele, olles mõistnud seda, mis tegelikult toimus. Sinu teos „Meie kulg udus” („Nuestro momento de niebla”) käsitleb sellist keeruliselt piiritletavat kogemust või ajavaimu, nagu plahvatusteooria sõnastas. Kas pead oluliseks selle tööga tähendustes selgusele jõuda ja neid avada?

    Teose „Meie kulg udus” loomishetkel pidin endalt küsima, kas tõepoolest hakkab kunstis juhtuma midagi märkimisväärset. Tahtsin teada, kas inimesed minu ümber, kes otsivad oma teed kunstimaailmas kunstnikena, teoreetikutena või kriitikutena, jagavad sedasama veidrat taju, mida tunnen mina, kui mõtlen ajaloos tagasi avangardile, kunstirühmitustele ja -vooludele. Milline oli kunstnike elu, kui seltsimiseks kohtuti Pariisi kohvikutes, arutamaks erialaseid küsimusi; kui heideti kõrvale vana, kui murti välja õlimaali klantsist, mis hakkas kohati juba fotot meenutama. Näiteks olid abstraktse impressionismi või saksa ekspressionismi maalid vastuhakk kehtivale kaanonile, murdmaks seda, mis oli kunstiajaloos põlistatud. Minulgi oli natuke samasugune tunne — vaatasin enda ümber ja panin tähele, et kunsti lõpust ja kunsti surmast on nii palju räägitud. Sellest, et justkui kõike sobib kunstiks nimetada. Me liigume akadeemilistes ringkondades, kus kohtame inimesi, kes vaatavad minevikku — maalivad sileläikelisi hillitsetud õlimaale, klassikalisi kreeka skulptuure —, kuid samal ajal oleme silmitsi maha lärtsatatud savihunnikuga, mida samuti nimetatakse kunstiteoseks, või keskelt lõhki rebitud lõuendiga, mis samuti nõudleb kunstiteose staatust. Neid küsimusi kandsin endas terve õpingute aja: seda, et mis see kunst ikkagi lõpuks on ja miks on meie olud sellised, nagu need parasjagu on. Mis on selle kõige siht ja, ikka tagasi tulles kunstiuuenduse juurde, mis ikkagi oli see, mis juhtus.

    Mäletan üht oma mässumeelset ettevõtmist, kui haarasin maalipuki ja värvikarbi, kavatsedes maalida Salamanca peaväljakul, kuid mulle kutsuti hoopis politsei. Seadsin end ühele linna peatänavaist, kus paiknevad Zara ja Mango riidepood ja kus liikus palju inimesi. Sättisin oma puki püsti, selle kõrvale värvikarbi, kuid värvide asemel olid seal loomade südamed, maksad, igasugused muud siseelundid. Nii asusingi hoopis nendega maalima tööd, mida ise nimetan „Südamega tehtud”. Olin äsja lugenud lauset, et kunsti tuleb teha südamega. Miks peab kunsti südamega tegema? Oma 20-aastase neiu, kunstitudengi mässumeelsuses tahtsin murda vananenut ja võtsin maalida südamega, aga seekord päris südamega. Ehkki see polnud minu süda, oli see kellegi süda ja minu vastuhakk läbi selle südame. Teosega „Meie kulg udus” oli sama asi: üritasin saada sotti kunstilisest keskkonnast, milles elasime, sest märkasin suurt erinevust juba minu enda kursuse raames. Sina olid väga teoreetiline, mõtlemisele suunatud, samuti tulid sa teisest riigist, mis kultuurilises mõttes pole meie, hispaanlastega vähimatki seotud. Samuti on suur erinevus, kuidas nähakse kunsti Kantaabrias või Baskimaal. Baskimaal on võimalik kaunite kunstide vallas karjääri teha ja inimesed on seal üldse kunstiga kohtumiseks rohkem ette valmistatud. Kantaabrias jääb kunstihariduse kvaliteet puudulikuks ja nii oleme selles osas suletumad — kunst tähendab ilusat pilti, kuju, joonistust; mõne filmi puhul võime küll rääkida kunstist, kuid näiteks valge lõuend ei ole siin kunst. Mõtlesin siis kõigele sellele. Näiteks kui sattusin esimest korda oma vanematega Guggenheimi muuseumi ja mu isa nägi Duchamp’i „Pudelikuivatajat”, ei saanud ta aru, miks see kunst on. Miks üks metallist rest, kuhu vanasti laoti pudelid kuivama ja mida võib igalt vanakraamiturult leida, on nüüd äkitselt seatud kunstisaali? Seletasin talle siis selle teose tausta ja saamislugu, seda mälestust, millele Duchamp osutab — neist pudeleist, mida kunagi pole võetud sellest kuivatusrestist —, seda puutumatust.

    Kohtasin hispaania blogis „Hebearte” väidet, et oleme uduses ajajärgus, üleminekuhetkes, millest me ei taha lahkuda, sest meie silme ees udutab ja me leiame end kunstimaailmas blokeerituna. Usun, et selles töös väljendus tunne, mida tundsin, see udu, mis ei lase pikemalt ette näha. Nii otsustasingi sukelduda magistrantuuris uurimusse ja vaadelda lähemalt meie olukorda, seda, kuidas mu kaaslased nägid toonast hetke. Tegin intervjuusid ja küsitlusi. Sel ajal hakkasingi rohkem huvi tundma transduktsiooni vastu, mis on hetkel minu peamine töövahend. Me pole veel rääkinud Lotmanist, aga minu jaoks oli plahvatuseks kahtlus: ma ei saanud aru, mis toimus parasjagu minu endaga. See tunne, mida ma kogen ja mida jagavad ka mu lähikondlased, see ongi minu plahvatus. Minu jaoks on see plahvatus, millest Lotman räägib, meie tõukemoment, kunstniku tung, hetk, kui kärgatab: pean looma!

    Teose „Cosidos” („Kokku õmmeldud”) tööprotsess, kus kunstnik paigaldab heli võnkeid graafiliselt lõuendile. Lõuendil vonklev vasktraat toimib samal ajal kõlari mähisena, edastades heli, mille representatsioon ta ise on.
    Raquel Ruiz Fraile erakogu foto

    Johannes Peter Mülleri spetsiifiliste närvienergiate seadus ütleb, et taju oleneb erinevate tajuliikidega seotud närvikoe omapärast, mille kaudu meeltega saadud infosignaalid liiguvad, ja hoopiski mitte ärritajast endast. Sellest järeldub, et kui närvikiud oleksid ühendatud teistmoodi, võiksime vabalt naha kaudu näha või kõrvadega kompida. Selles mõttes väärib silmadega kuulamine, millele sa viitad oma hiljutises teoses „Aplausid”, erilist tähelepanu. Kuidas sa selle mõtteni jõudsid?

    See, millele sa osutad, on sünesteesia. Teaduslikus maailmas käsitletakse seda häirena, kui värvid panevad sind tajuma maitseid või lõhnu. Üks minu teostest, mille tegin õpingute ajal, kandiski nime „Sünesteesia”. See oli video, kus kinnitasin erineva suurusega ja erinevat värvi numbrid inimeste seljale. Tahtsin sellega jõuda algse, isegi ürgse taju taasesituseni.

    Minu tähelepanu köitis tol hetkel dokumentaal, kus üks noormees rääkis, et tal on haruldane haigus, mida kutsutakse sünesteesiaks. Kui teda miski ehmatas, tajus ta seda pruunikaskollasena. Ta rääkis, et näeb numbreid värvilisena, mis tekitas temas kas ärevust või meelerahu. Ta tajus asju teistmoodi. Selle koha pealt on Mülleril õigus. Tõsi on ka see, et igaüks tajub erinevalt, ja seegi, et elukogemused panevad meid ümbritsevat eri moodi vastu võtma. Olles sündinud hispaanlasena 1989. aastal ja omamata vahetut sõjakogemust, ei saa ma tunda seda koledust, mis paistab sõjafotolt, sest pole seda omal nahal tundnud. Mul on vaid ajaloolised viited selle kohta. Samuti ei taju sakslane fotot Berliini müüri langemisest samamoodi nagu mina, kes ma samal aastal sündisin. Taju koosneb paljudest asjadest. Mõni heli võib sisendada mulle rahu ja kindlustunnet, kuid teises tekitab sama heli viha, raevu või ärevust. „Aplauside” puhul ei ole tegemist sammuga helist kompimise suunas, seal tahan ma esitleda erinevaid tajuvõimalusi. See, milleni ma lõpuks jõuan, on tegelike graafiliste andmete transduktsioon, mis aplausis väljendub. Kui ma aplodeerin, tekitab see heli, ja kui me muudame selle heli graafiliseks, saame joonistuse. Joonistus saab oma kuju sõltuvalt sellest, mil moel ma teisendan seda graafikat, ja nii väljendub see ühel või teisel viisil. Mitte et ma tajuksin seda aplausi joonistusena, küll aga muudan ma transduktsiooni kasutades aplausi tikkimise abil joonistuseks.

     

    Sinu teosed tegelevad sageli nägemis-, kompimis- või kuulmismeele erilise teadvustamisega. Selline pürg võtab enda kanda päris suure läbikukkumise riski või siis ei osutu piisavaks isegi sulle endale kui kunstnikule. Ma viitan sellele, et on olemas päris suur tõenäosus, et nii suure ambitsiooni juures võib kunstnikuna läbi kukkuda, olemata võimeline väljendama seda, mida kavatsesid. Kas sul on kunagi ette tulnud, et mõni teos nõuab sinult sedavõrd palju, et pead seda võimatuks teostada?

    Olen kogenud küll seda pelgu, kuid see ei heiduta mind. Põhiline, mis mind oma töö juures praegu huvitab, on anda vastus sellele rahutule küsimusele, mis mind kummitab. Tahan pakkuda uutmoodi kogemust transduktsiooniga kunsti vallas.

    Kui hakkan tööle, teostan mitu transduktsiooni; see ei pea olema üks operatsioon, neid võib olla kaks või neli. Näiteks kui ehitasin kõlareid, ei hakanud need tööle. Kas kukkusin siis läbi? Ei! Olen jõudnud vaheetappi, olen valmistanud ühe kõlari, kus transduktsiooni kaudu on saadud graafiline visuaal, mis leiab oma tee lõuendile laiali laotunud kõlari vasktraadist mähisena. Niisiis ei jää mul üle muud, kui jätkata otsinguid: mida ma pean täpselt tegema, et see kõlar toimiks? Kuid miks ma tahan, et see töötaks? Pole mingit põhjust, miks peaks kõlari traatmähis olema sinna kõlari sisse ehitatud. Selle mähise võib sealt välja võtta ja transduktsiooni kaudu võib see olla sama heli visuaal, mida on kõlarist kuulda. Loomulikult ei pea see olema sama heli, kuid minu teose puhul on see heli, mis täidab ruumi, mida on kuulda, nende graafikute helijälg. See on hetk, kui tuleb edasi töötada, välja selgitada, kuidas mina, kes ma ei tea vähimatki kõlari ehitamisest, võin sellega siiski toime tulla. Kuidas ma saan selle kõlari toimima panna. Sest ma ju tahan, et see kõlar, mille olen ise algusest lõpuni ehitanud, kindlasti töötaks; sest minu soov on anda nendele graafikutele heliline väljund. Seega, mida ma siis teen? Viskan selle minema ja hakkan otsast peale? Ei! Võtan nii palju samme tagasi, et tuvastan vea tekkekoha, võtan selle uueks alguspunktiks, analüüsin oma vigu. See on ju lõpuks teaduslik, laboratoorne lähenemine, ainult et kunstiväljal. Põruda võib mitmel viisil. Ainuke võimatu asi on naasta ellu pärast surma, aga mina olen elus ja niisiis pole midagi võimatut.

     

    Meie lähimas kunstiajaloos on kunsti kasutatud sotsiaalsete probleemide leevendamiseks, sotsiaalsete gruppide eest võitlemise hääletoruna jne. Sinu teosed on väga isiklikud, et mitte öelda sisekaemuslikud ja intiimsed. Sellisena võiksid sa anda teistsuguse vaate emaks ja naiseks olemisele. Kuidas on kunst aidanud sul avastada omaenda naiselikkust või emalikkust?

    Doktorantuuri alguses teadsin päris täpselt, kuhu tahan liikuda. Tahtsin jätkata oma magistriuurimust rohkem transduktsiooni suunas: kuidas on võimalik andmetest, mis pole tingimata kunstilise iseloomuga, luua uus teos? Just sel ajal, kui mul polnud päris selge, kuidas peaksin edasi minema, jäin lapseootele. Kord arsti vastuvõtul nägin üht ultraheli diagrammi… ja muutusin natuke sünesteetikuks. Ma vaatasin seda diagrammikõverat ja küsisin endalt, mida ma saan sellega peale hakata. Mul ununes korraks isegi emaroll ja mind haaras küsimus, kuidas kasutada neid andmeid, mis on teadusliku iseloomuga. Palusin arste, et nad annaksid mulle raseduse kulgedes need ultraheli kõverad, et võiksin need muuta kunstiteoseks. Jõudis kätte hetk, mil pidin sünnitama; istusin seal ootesaalis koos abikaasaga, tundes emaka kokkutõmbeid ja elades läbi kõike seda, mida üks naine sünnituse eel läbi elab. Kuid kõige selle keskel köitis mu tähelepanu üks meditsiiniline aparaat, mis väljutas ilmatu pika paberi, meetreid ja meetreid, kus peal oli kaks graafikut. Iga kord, kui tuli minu ämmaemand, kes muuseas oli mees, küsisin temalt, kuidas sünnitus kulgeb. Kas minu lapsega on kõik korras. Ja siis küsisin talt selle masina kohta, et mis andmeid see kogub. Mida tähendab iga piiksatus seal. Ja mis selle masinaga toimub; mida sealt välja tulev graafik näitab. Selle asemel, et jäädvustada hetk sünnituselt või lasta end pildistada, palusin hoopis asjaosalistelt selle hetke helilist jäljendit, seda, kuidas tuksus minu poja süda. Elasin seda kõike läbi erakordselt kunstiliselt, just otsimise, uuri­mise mõttes. Mäletan, et ainus, mida ma oma abikaasale ütlesin, oli, et peame need paberid kaasa võtma, et me ei unustaks neid kaasa küsida. Tahan selle kõik endale koju viia! Ja sellel hetkel tundsin tungi, seda plahvatust, millest varem rääkisime. Mu silmad avanesid ja ma ütlesin: „See on transduktsioon.” Nende aparaatide nimi, mis sulle kõhu külge pannakse ja mis registreerivad neid kõveraid, ongi hispaania keeles transductor. Sain aru, et pean sellega edasi töötama. Siis aga jõudis kätte hetk, kui pidin jätma oma uurijarolli ja pühenduma emaks olemisele. Siis läks kõik halvasti, asjad muutusid hetkega keeruliseks, mulle tuli teha kiirkorras keisrilõige, peaaegu oleksin sünnitusel surnud. Minu poeg, jumalale tänu, sündis tervelt, kuid ajal kui ma vaevaliselt paranesin, ununes ka esialgne emotsioon nendest graafikutest ja nii need jäidki sünnitustuppa. Mul oli emaka rebend, palju tüsistusi ja hingeliselt olin madalseisus. Tundsin end väga halvasti naisena, emana, samuti erialaselt, sest olin sunnitud kõrvale jätma selle, mis mind tol perioodil enim huvitas. Kui olin juba paranemas, sain psühholoogilist abi, mis aitas mul maailma jälle väheke tundlikuma pilguga vaadata. Käisin läbi kogu haigla asjaajamise, täitsin vajalikud paberid, et mulle antaks üle kõik andmed, mille toona maha jätsin. Pöördusin tagasi oma doktoritöö juurde ja leidsin enesekindluse kunstiuurijana. Mul olid graafikud, mis määratlesid minu elu ühtaegu halvima ja parima hetke — parima, sest siis sündis mu poeg. Sünnitus võib olla valus, kuid laps pannakse ikkagi ema rinnale. Mulle sünnituse lõppedes last rinnale ei antud; mul puudub ilus mälestus sellest hetkest, millest kõik räägivad ja mille kogemine oleks naisele justkui kohustuslik. Tean, et ma pole ainuke, ja otsustasin selle tõukel läheneda oma doktoritööle teisest küljest, kui olin kavatsenud. Vaatamata kõigele tahtsin läbi elada seda ilusat momenti, millest nii palju räägitakse, ja tahtsin teha oma doktoritöö just selle hetke kohta, sellest kogemusest. Võtta kõige halvemast välja see kõige parem. Mul on poeg ja parim, mis minuga seal juhtus, on see, et tema sündis. Kuid kuidas anda edasi mälestust sellest erilisest hetkest? Vaadates neid kõveraid, nägin nende tähendust ja see paberirull oli mulle justkui kõige tähtsam. See teos aitab mul naasta minu enda mina-olemise juurde, aitab naasta taas naiseks olemise juurde, tunda end tegelikult ka emana, ehkki iga kord peab end ületama, sest see oli hetk, kui ma end paljude asjaolude tõttu emana ei tundnud. Oma doktoritööd võtangi kui uut rasedust.

     

    Samuti viitad sa kunsti tervendavale jõule.

    Ma pole ainus, kes räägib kunsti tervendavast toimest; on ju väga palju kliinikuid, mis kasutavad kunsti terapeutilistel eesmärkidel, et tervendada inimest maalimise või muusika abil. See on miski, mis paneb ennast paremini tundma, annab tagasi tõelusetunnetuse. See on justkui uue reaalsuse otsing, reaalsuse, mis poleks nii tume või sünge kui see, mida parasjagu läbi elad. Mina kasutan oma loomingulisust iseenda ravitsemiseks, kuid mitte selles mõttes, et teen mingi teose ja seeläbi olengi tervendatud. Ei, tähtis on protsess, mille kaudu ma jõuan selle loomingulisuse momendini; see on see, mis muudab mind tervemaks, sest paneb mind mõtlema, mõtisklema konkreetse hetke üle. Tunnen end sellistel hetkedel rahu keskel, olen nagu iseendaga taevase rahu sõlminud. Praegu olen selle saavutamiseks küps, protsess tundub paika minevat. See on täpselt see, millest ma sulle hetk tagasi rääkisin — võtta halvimast kõige parem osa. Need teosed, mis viljuvad noist graafikutest, on parim, mille sünnituskogemus mulle on andnud. Suudan taas olemas olla poja ees alaväärsust tundmata. See, et ta on üldse olemas, on loomulikult kõige suurem kingitus. Ma mõtlen aina sellelesamale sünnituskogemusele, toonasele mälestusele. Mul pole mälestust hetkest, kui ta sündis, sest keegi ei näidanud mulle minu vastsündinud poega. Küll aga on mul mälestus nendest graafikute kõveratest. Otsida tervenemist kunstilises vormis on midagi sisekaemuslikku, intiimset. See on ikkagi midagi isiklikku, mida mõnel teisel vaja ei lähe, kuid mulle naisena sobib selline eneseotsingu viis, et ravida kogu seda sisemist valu. Loomulikult pole ma ainuke inimene, kes seda teeb; ajalugu tunneb selliseid naisi, nagu näiteks Frida Kahlo, kes samuti kasutas kunsti enda tervendamise eesmärgil. Ta oli aheldatud voodise ega saanud isegi jalule tõusta. Tema ainuke võimalus maalida oli teha seda spetsiaalselt talle disainitud molberti taga. Tema pildid väljendasid seda, kuidas ta ennast tundis, ja muidugi ei saa ma ennast Frida Kahloga võrrelda. Õigemini, Frida Kahlo ei puutu üldse asjasse, sest tal läks väga kehvasti nii naise kui ka ema seisukohalt vaadates. Kõik sai alguse ühest trammiõnnetusest, mis vigastas tema naiselikkuse kõige intiimsemaid kehaosi nii põhjalikult, et pärast seda polnud ta emakas enam võimeline sinna loodet kinnitama, need kukkusid alati ära. Ta polnud võimeline neile oma kehasoojust ja kaitset pakkuma. Rasedus jõudis iga kord ühel kindlal hetkel lõpule. See kõik laastas tema naiseksolemise ja emaksolemise tunnet. Olen alati olnud väga huvitatud Frida Kahlost; mulle on alati meeldinud tema maalimise laad, tema omanäoline sürrealism, mis aitas tal oma läbielamistega toime tulla, jagada oma kogemusi. Ma ei mõtle, et tunnen end nagu tema; ma pole kunagi arvanud, et saan temast lõpuni aru, kuid ma pole tema mõistmisest kaugel. Mul on siiski poeg, aga kui ma vaatan Frida maale praegu, siis näen neid hoopis teisest küljest. Siin siseneb teemasse taju, millest enne rääkisime. Enne oma rasedust, enne sünnituskogemust vaatasin tema maale ja tundes tema lugu, võisin aru saada, mida ta tahtis väljendada, kuid ma polnud võimeline seda läbi elama. Niisamuti võin aru saada sõjafotost, kuid ma ei saa seda kogemust tunda, sest pole sõja ajal elanud. See Frida töö, mis mul hetkel meeles mõlgub, tema kuulus autoportree, kus tema selgroo ülemiseks osaks on tükkideks pudenenud dooria sammas, toob mulle kananaha ihule, sest praegu tunnen sedasama valu. Ehkki selliselgi moel ei saa ma päriselt tema hingevaluga samastuda — ma ei tea, mis tunne on emal, kes on oma lapse kaotanud, sest minul on mu poeg alles.

     

    Sa kaasad oma meetodeisse vahendi, mida nimetad transduktsiooniks. See on raskesti haaratav mõiste. Kas võiksid lähemalt seletada, kuidas sina seda tõlgendad ja kuidas kasutad seda oma teostes?

    Transduktsiooni mõistest on kunsti vallas keeruline aru saada, aga väljaspool kunsti on see vägagi tuntud. See on kasutusel bioloogias ja meditsiinis. Iga päev teostatakse laborites lugematuid transduktsioone. Pääsemaks sellest hädaorust, teostatakse just praegu vaktsiinide väljatöötamisel DNA ja RNA molekulide transduktsioone. Kunsti vallas räägin ma transduktsioonist kui seisundimuutusest. Minu jaoks on transduktsioon mingi seisundi muutmine, mis päädib teise seisundiga, kuid see miski ei muutu sealjuures teistsuguseks teiseks. See peab jääma samaks asjaks, kuid muunduma teise vormi. Näiteks vee olek on vedel ja läbi transduktsiooni muundub see jääks, olek muutub vedelast tahkeks. See, millega mina tegelen, on töötamine andmetega. Näiteks teose „Meie kulg udus” („Nuestro momento de niebla”) tarvis tegin küsitluse ja sain sealt andmed, mis jagunesid neljaks vastuseks: A, B, C ja D. Andmejada moodustasid näiteks A, siis C, siis teine A ja A. Hiljem kandsin saadud andmed transduktsiooni abil muusika valdkonda. Kuidas? Nendest said noodid, kuid need olid jätkuvalt needsamad küsitluse andmed. Millegi mitteobjektiivse olekumuutus on muidugi subjektiivne võrreldes mõne tõsiteadusliku küsitlusega. 

    Mis puutub emaka kokkutõmmete graafikusse sünnitusel, siis seal on see transduktsioon, mida mina nimetan esmaseks või vastseks ja mis on minu enda kehalisuse transduktsioon, see, mida minu keha tunneb hetkel, kui tekib graafikukõver, nagu sünnitustoas, millest enne juttu oli. Esmane transduktsioon on vahendamata ja tuleb otse masinast. Hiljem teen sellest omakorda transduktsiooni, mis on juba vahendatud, minu enda määratud, nagu näiteks vasktraadiga nende graafikute jäljendamine ja õmblemine lõuendi pinnale. Seejuures räägime ikka seisundimuutusest, aga selle taga on emaka kokkutõmbe valu või loote südamelöögi sagedus, mida muundab aparaat nimega transduktor. Transduktsiooniga muutub elu graafikuks ja sealt edasi muutub see lõuendile õmmeldud vasktraadiks. Seejärel muundub ta taas transduktsiooni kaudu helikunstiks, sest toosama graafikukõver hakkab helisema: niisiis kõik naaseb algse heli juurde nagu igavene ring. Lühidalt, mina võtan transduktsiooni kui seisundimuutust. Minu meelest on kunstis kogu aeg transduktsiooni kasutatud. Alates sellest maalikunstnikust, kes mõõdab nähtut, et seda maalida. Ta kasutab transduktsiooni selle peal, mida ta näeb, ja peegeldab seejärel nähtu lõuendile. See on jälle seisundimuutus, tõeluse seisundi muutus, mida ma parasjagu uurin. Midagi kohalolevat, loodusest pärinevat, midagi materiaalset üles ehitamas seda kangast või puutükki või freskot seinal. Samamoodi on kivi seisundi muutus transduktsioon — inimese kujutluse seisundi muutus meisli kaudu, tööriista kaudu, millega seda kivi vormida, et see omandaks kuju, mida parasjagu uurid. 

     

    Selle kõige juures oleneb tulemus ikkagi sellest, millist tööriista või meetodit on kasutatud?

    Jah, muidugi. Üks inimene võib teostada transduktsiooni ühel kombel ja teine teisel. Sellepärast ongi lugematuid transduktsioone ja mitmeid viise selle teostamiseks. Igaühes on midagi, isegi kui on kasutatud sama tööriista — minu õlimaal idüllilisest Eesti loodusest poleks sama mis see, mille sina maaliksid.

     

    Mind sütitab idee transduktsioonist kui seisundimuutusest, mida saab kohandada kogu kunstile sinu rakursist vaadatuna. Nendes üldistes mõttekäikudes aga komistan kogu aeg küsimusele, mis tingib mille. Kas kunsti osaks on ainult muutuse registreerimine teose kujul, andes nii muutusele kunstilise vormi, või paneb kunst juhtuma midagi põhimõttelisemat, millele me hiljem anname transduktsiooni nime? Küsimuse mõte on: kas kunst on transduktsiooni tõttu või vaatamata sellele? Või kas on üldse mõtet kõike seda niipidi vaadata?

    Minu jaoks viljub kunst läbi transduktsiooni, seisundimuutuse. Ehk kõik, mida sa teed, et jõuda kunstini, on terve rida transduktsioone, vähemalt sellest vaatepunktist, kust mina hetkel töötan. Viimane töö, mis on praegu veel pooleli, ongi terve kogum transduktsioone. Pealegi, lähtepunktiks on seesama esmane transduktsioon, millest ma varem rääkisin, minu emaka kokkutõmbed sünnituse ajal. Selle seisundimuutuse teostab masin mehaaniliselt ja lõpuks on see ikkagi erinev sellest, millised need kokkutõmbed tegelikult olid, sest igal naisel on need erinevad. Terviseseisund registreeritakse kõigil ühtemoodi, sealt edasi muutub see transduktsiooniks. Edasine on terve rida transduktsioone: uus transduktsioon, millele lisandub uus transduktsioon ja siis uus transduktsioon…, kuid lõppude lõpuks käsitlen kogu aeg neidsamu andmeid. Ainuke, mida ma teen, on see, et muudan kogu aeg nende seisundeid. Muundan neid muusikaks, ehkki sel juhul pole enam mina see, vaid professionaalne muusik Néstor Calderer Barcelonast. Temaga teen koostööd oma doktoritöö raames, oma viimase teose jaoks, mis on selle teekonna tipphetk. On selge, et kui mina teostan muusikalise transduktsiooni, teadmata vähimatki muusikast, siis on see teistsugune ja seega on selle ülesande endale võtnud Néstor. Tal on ette näidata juba pikk karjäär, ta omab stuudioid, on muusikuna tunnustatud ja töötab helikunsti valdkonnas. Ja teeb seda profesionaalsest vaatepunktist ja teadmiste põhjal, mitte sisetundest nagu keegi, kes tuleb plastilise kunsti vallast ja teeb  helikunstis alles esimesi samme, sest otsib midagi uut või midagi muud, et peegeldada oma reaalsust. Mina usun sellesse, et transduktsioon on olemas ja selle kohalolu kunstis on võimalik märgata. Lõpuni pole siiski kindel, kas on vaja seda just sellisena määratleda, kuid mulle on oluline transduktsioon ära tunda, sest töötan ju andmetega. Maalides „Guernicat”, teostas Picasso transduktsiooni Hispaania kodusõja uudiste põhjal, mida ta kuulis raadiost. Seega teostas ta transduktsiooni pintsli kaudu, maalides selle teema määratu suurele lõuendile kubistlikus võtmes. Ma ei tea, kas on üldse tähtis, et inimesed paneksid transduktsiooni osa kunstis tähele, aga minu töö on igatahes suunatud transduktsioonile.

     

    Oma doktoritöös otsid sa toetust Henri Lefebvre’ilt. Millises võtmes lähened Lefebvre’i filosoofiale?

    Lefebvre kerkib seoses transduktsiooni uurimisega esile juba iseenesest, kuna ta kasutab korduvalt seda mõistet. Ta annab esimese vastuse küsimusele, mida tähendab sõna „transduktsioon” ja kuidas võiksime läheneda sellele mõistele kunstilisest küljest. Ühes oma tekstidest kirjutab ta transduktsioonist kui tagasissidest (feedback) mõiste ja mõtlemise ning empiirilise valla vahel. Mina lähtusin sellest lähenemisest, st transduktsioon on nagu tagasiside või feedback mõtte ja selle vahel, kuidas seda mõtet reaalselt elus organiseerida, muuta mõte millekski eluliseks ja kontseptuaalseks, käega katsutavaks. Lefebvre osutab laiemaltki, et tranduktsioon on ühendus meie mõtte- ja tundevalla vahel. Kui räägime minu kehalistest kokkutõmmetest näiteks teose „Kokku õmmeldud” („Cosidos”) puhul, siis see on justkui seesama empiiriline osa, millest Lefebvre räägib, ja tagasiside kaudu võtab see kõlarite vormi. Lefebvre’i tähtsus minu jaoks on natuke ka selles, et tema filosoofia õigustab minu töötamise viisi, kunstis tegutsemise vormi. 

     

    Mõistan Lefebvre’it nüüd paremini kui enne. Varem suhtusin temasse kui sotsioloogia väljal tegutsevasse autorisse. Nüüd suudan tema mõtet näha kunstniku silmadega ja  sellisel kujul omandab see palju rohkem tähendusi.

    Transduktsiooni mõiste kunstiväljal pole siiski veel päriselt juurdunud. On autoreid, kes seda kasutavad, nagu Miguel Arce, kes on ühtlasi minu väitekirja juhendaja ja Hispaania tunnustatud helikunstnik. Transduktsiooni mõiste on tal kindlasti käibel ja seda kasutavad teisedki, kuid doktoritööd kirjutades pead otsima allika, kust see mõiste pärineb. Sellega olemegi kännu taha toppama jäänud, sest need tähendused, mille sotsioloogia, bioloogia ja tõsiteaduslik maailm sellele mõistele on andnud, käivad selle mõistega kaasas. Eriti veel praegu, kui töö käib vaktsiinide arendamise, molekulide ja kõige sellega seonduva transduktsiooni vallas. Kui tahta tuua see mõiste üle kunstilisse valda, tuleb meil hoolikalt tähele panna erinevate autorite tõlgendusi ja üks neist, kes minu doktoritööga haakus, oli Lefebvre, ehkki ta käsitleb sotsiopoliitilist valda, linnaruumi. Sattusin lugema ühte osa tema raamatust „Õigus linnale”, kus oli pisike lõik transduktsioonist. See on intellekstuaalne operatsioon, mida me teeme, et muuta intellektuaalne materjal mõisteks, millekski käega katsutavaks, võimalikuks objektiks, nagu tema seda nimetab, kuid teoreetiline objekt ongi juba võimalik objekt. Minu teoreetiline objekt on need emaka kokkutõmbed, miski tundeline, mida on reaalselt tunda, miski, mis on füüsiline. Minu võimalik objekt teose „Kokku õmmeldud” puhul näiteks on kõlarid. Kui räägime teosest „Aplausid” („Aplausos”), siis on teoreetiline objekt karantiin ja see aplausi heli ning võimalik objekt on aplauside kõver tikituna lõuendile, mis viitab kelladele erinevates lennujaamades ja ühistranspordi suurpeatustes. Põhimõtteliselt on see katse tuua teiste valdade mõistelist keskkonda üle kunsti ja on täiesti põhjendatud seda sel viisil teha. 

     

    Mida transduktsioon sulle sellist pakkuda saab, mida tõlkimine ei paku?1

    Transduktsioon ja tõlge pole üldsegi samad, õigupoolest polegi neil midagi ühist. Transduktsioon on mingi seisundi muutumine millekski muuks. Tõlkimine on millegi teisendamine, modifitseerimine, tegemaks seda arusaadavaks teises keeles. Transduktsiooni eesmärk ei ole see, et keegi midagi mõistaks, see on ikkagi seisundi muutus ja sellest saab aru ükskõik millises keeles. See, mida mina teen, peaks olema mõistetav kõikides keeltes. Ma ei tõlgi teost selleks, et see võiks teises keeles evida teist tähendust. Tõlkimisega otsime pigem määratlust, mida ma osaliselt ka oma teostega otsin. Sõnaraamatu järgi on tõlkimine tegevus, mille käigus tõlgendatakse ükskõik millise keele teksti tähendust teise keele kontekstis. See tähendab kõnelda teises keeles sellest, mida sa teed. Seega, kui ma teeksin oma töödest tõlke, muunduks midagi selle käigus ehk looksin olukorra, kus mitte keegi ei saaks haarata algselt töösse sisse kirjutatud tähendust. Transduktsioon on seisundi muutumine ja see on arusaadav ükskõik millises keeles. Selle mõistmiseks pole tarvis midagi eraldi selgeks teha. Minu kõlarid on täpselt needsamad kõlarid ka sinu riigis ja see, millest teos kõneleb, on ühe naise tundmus sünnituse hetkel, mis on samuti sama igal pool. Ükskõik kas sünnitus toimus keisrilõikega või loomulikult, ükskõik kas sünnitas asendusema, sest sinul polnud see võimalik, ükskõik kas oled mees, kes otsib endale kaaslast, sest muu hulgas soovid last. Pole tarvis midagi tõlkida, see kõik on seal protsessis juba niigi kirjas. Seega, need kaks pole samad, eks ole?! Transduktsioon, ma rõhutan, on seisundi, oleku muutus, kuid selle päritolu või esmane allikas jääb alati samaks. Ainus, mis muutub, on vorm. Transduktsioon soosib samal ajal kohandumust — et keegi, kes ei mõista sinu keelt, jõuaks ikkagi selle teksti või selle teose mõistmiseni.

     

    Transduktsioon on meetod. Milline on siis see tulemus, mida lõpuks otsid?

    Transduktsioon on tõepoolest meetod, nagu sa ütled. See on see vorm, mille kaudu jõuan lõpliku teoseni, selleni, mida ma otsin. See on see, mida ma taotlen transduktsiooni või mitmete transduktsioonide kaudu. Vahel ma ei jõua teoseni ühe transduktsiooniga, vaid pigem on see transduktsiooni transduktsiooni transduktsiooni transduktsioon, kuni jõuan rahuldava tulemuseni. Otsin läbi seisundimuutuste seda miskit, mida tahan väljendada; tahan aru saada, kuidas võin selle füüsiliseks muuta nii, et see jõuaks teise inimeseni. Kuidas teha nii, et keegi näeks oma silmadega ja kuuleks oma kõrvadega neid emaka kokkutõmbeid, mida mina kogesin sünnitusel ja mis on sööbinud minu mällu graafiku kõverate kaudu paberil? Kuidas teha nii, et inimene näeks neid kokkutõmbeid, ilma et see oleks lihtsalt üks salvestus minust sünnituse hetkest ja sellest, kuidas ma kannatan ja higistan. Tähendab, seda ma otsingi, et keegi võiks jõuda sellise kohtumiseni: näha, kuulda, tunda, panna end minu asemele. Lõpuks, nagu oleme eelnevalt rääkinud, loon või mässin end sellesse põhjusel, et soovin läbi nende protsesside end tervendada. Tahan tunda end taas emana, naisena, sest kaotasin selle tunde ühel hetkel sünnituse järel, ja tahan, et läbi selle töö, milleks on transduktsioonide loomine, nägemaks seisundite muutusi ja seda, kuhu võin nendega jõuda, võiksin taas tunda end aktiivsena, tunda end liikumises, tunda, et minu pea ja keha on taas ühenduses, ja paraneda, ravida end terveks. Asi polegi selles, et ma otsiksin midagi konkreetset — ma otsin paljusid asju, otsin seda, et jõuda teieni, jõuda vaatajani, ravitseda iseennast, hoida head mälestust millestki, mis tegelikult oli halb, sest see hetk oli trauma. Seega, ma ei otsi mitte midagi ja ma otsin kõike.

     

    Miks helikunst kui termin pole aktsepteeritav?

    Tegelikult leidub inimesi, kes ütlevad, et see  o n  aktsepteeritav. Helikunst on mõistena omal kohal, aga probleemid seisnevad tõlkes, see termin on võetud otse inglise keelest. Hispaaniakeelse tõlkega juhtub sama asi, millest enne rääkisin. Transduktsioon pole sama, mis tõlge, sest tõlge teostab mingisuguse muutuse, aga meil pole muutust tarvis, tahame, et see oleks seesama. Ingliskeelse termini sound art tõlkimise asemel hispaania keelde, umbes 1970. või 1980. aastate paiku, kui ma ei eksi, võeti see toorlaenuna lihtsalt üle: seega sound art, helikunst (arte sonoro). „Helikunst” (arte sonoro), see sõna on nii jõuline, et tundub, nagu seaks see meid, kunstnikke, muusikutest ülemaks. Mina arvan, et see mõiste ei peaks olema selline, mis meid tülli pöörab. Lõpuks võib ju muusik olla heliga tegelev kunstnik, tegelikult on ta ju heliga tegelev kunstnik juba nullpunktist alates. See, mida meie teeme, on heliga töötamine, me ei loo helisid, et neist saaks muusika. Meie töötame heliga, märkame, mida heli võib pakkuda. Siiski on tõsi seegi, et vahel toodame ka ise helisid, kuid mitte selleks, et see heli olekski kunst, vaid sellepärast, et see pitseerib paljusid teisi protsesse. Olen oma teost ette valmistades pidanud aru muusikuga, et temaga koostööd teha — et tema teeks selle heli, sest tema on see, kellel on pädevus selle teostamiseks sel viisil, nagu mina tahan, et see oleks transdukteeritud. Ma oleksin võinud teha mingi transduktsiooni neist andmetest omal intuitiivsel moel, kasutades arvutiprogrammi, ilma et oleksin muusikast midagigi teadnud, ja sellest oleks tulnud midagi sellist nagu tuli „Meie kulg udus” („Nuestro momento de niebla”). Ma siiski ei tahtnud, et see nii oleks, ehk siis mõistan, et „helikunst” kui tõlgitud mõiste annab meile omamoodi justkui jumala staatuse ja me peame sellelt pjedestaalilt alla tulema, olema pisut tagasihoidlikumad, ütlema, et oleme heliga tegelevad kunstnikud, need heliga loojad või loovisikud, kes toimetavad helidega, et neist sünniksid kunstiteosed, mitte niivõrd helikunstnikud. Mina tunnen end palju mugavamalt, kui mind mainitakse heliga tegeleva kunsti kontekstis, mitte ei nimetata helikunstnikuks. Probleem on aga selles, et me ei saa end sellest terminist lahti haakida. No teed näiteks Instagrami-postituse ja kirjutad #helikunstnik või #helikunst. Oleks ju kohmakas kirjutada #heliga tegelev kunst. Lõpuks peame õppima selle mõistega koos elama.

     

    Muusikalise kvaliteedi asemel on sinu teostes tähtsal kohal heli omaduste väljapanek2. Samuti on sinu teosed omamoodi eelmuusikalise seisundi otsing, nagu sümboolne maailm oleks kõige selle aluspõhi, mis hiljem viljub muusikana.

    Jah, see on tõsi, et lõpuks on see sümboolse ilma otsing. Töötan hetkel andmetega, otsimaks nende sümboolset taasesitust. Selle seisundi, selle hetke, selle tunde taasesitust, mis mul oli. Oma kunstnikuks saamise teekonnal sain lõpuks aru, et töötan palju iseenda hetkedega, sellega, kuidas ma end tunnen, millega praegu pean toime tulema. Otsin seda, et minu töö oleks väärtuslik, et võiksin ennast ennistada, näidata maailmale oma väge. Mässumeelsuse hetkel asusin maalima südamete ja maksadega pilti. Nüüd, selle asemel, et lukustada end tuppa ja nutta kõige selle pärast, mis minuga juhtus, ajan pea püsti ja asun seda kogemust läbi käima. Arvan, et see on nüüd tehtud. Ehkki minu uurimustöö protsess pole veel läbi, on mul lõpuks selline teos, mis tõestab mulle, et halvast kogemusest on võimalik võtta midagi kaasa ja proovida oma tööst pelgupaika otsida. Sel moel ei olegi see enam töö. Pühendumine tööle, näiteks kivi tahumisele, avaliku korra hoidmisele, akadeemilisele kutsumusele, aitab eemalduda sellest hetkest, milles sa oma isiklikus elus oled. Aga minu töö on täpselt selline, minu töö on luua ja põgeneda selle loominguga kunsti sisse. Proovin end otsida, loodan end ravitseda, üritan üritada. Põgeneda natuke heli kvaliteedi eest, sest see, mida ma otsin, on hoopis miski muu. Mind huvitab rohkem võib-olla selle hetke taasesitus, ehkki ma esitan seda salvestatud heliga või taiesega, mis toodab heli. Arvan, Enriko, et sul on selle sümboolsuse mõttekäiguga õigus.

     

    Tore, et lõpuks tuli ikkagi pinnale sümboolsuse idee, see, et kõik tehtu sõlmib ennast kokku sümboolses kihis. Et põhitähelepanu ei ole muusikal või helil, vaid nende taga on veel teinegi maailm.

    See on kontseptuaalne kunst, kunst kontseptsiooniga. Praegu on see üks ema, kes proovib hüüda maailmale kunstilises vormis, et temagi on lapse ilmale toonud, olgugi et keisrilõikega. Et sünnitamine keirilõikega on ikkagi sünnitamine, et sünnitada keirilõikega tähendab olla ema ja et sellepärast ei ole ma vähem ema kui teised naised. See on üks asi, mille järele see teos kisendab. Teine asi on see, et ühendust ema ja lapse vahel ei saa katkestada nabanööri läbilõikamisega. See seotus ulatub teispoole nabavääti.Laps hakkab elama oma elu pikkamisi eraldudes, kuid jääb alati emaga seotuks sümboolsel viisil. See on mäng nende sõnadega, mis sulle väga meeldivad: sümboolsus, sümboolne vald. Näiteks teoses „Kokku õmmeldud” on kõlar, mis on ema, ja kõlar, mis on laps, ja need toimivad kooskõlas, sümboliseerides seda hetke, kui need tõepoolest koos kõlasid, sest ma kuulsin iseennast koos oma lapsega seal sünnitustoas. Pealegi, need kõlarid on ühendatud uue nabanööriga, mis samuti viitab ema ja lapse seosele: toru, kus jooksevad kaablid. Ma tunnetan seda ühendustoru ja minu teoses on see toru nabaväät, mis ühendab ema ja last selle vahenduskastiga, mis asub kõige keskel. Need on kõik sümbolid, Enriko!

    Vestelnud ENRIKO MÄSAK

     

    RAQUEL RUIZ FRAILE (snd 1989) on Hispaania põhjarannikult Kantaabriast pärit kunstnik, kes keskendub peamiselt foto ja heliga seotud kunstivaldkondadele. Teda iseloomustab süstemaatiline, peaaegu loodusteaduslikku täpsusse kalduv uurimismeetod. Ühe vähesena terves maailmas tegeleb ta sihiteadlikult transduktsiooni kohandamisega kunstiväljale. Tänavusel „Tartu interdistsiplinaari“ festivalil, mis toimub 23.–27. VIII 2022 Galeriis Pallas ja Tartu Uues Teatris, näeb Raquel Ruiz Fraile kõige uuemat teost ja doktoritöö osa „Cosidos” („Kokku õmmeldud”), mis festivali iseloomule vastavalt põimib erinevaid valdkondi orgaaniliselt üheks tervikuks. Teoses on lahutamatud heli ja selle tekitamise viis, mis mänglevad nii graafiliselt, auditiivselt kui ka sümboolselt, ületades oma piire ja pakkudes niimoodi laiendatud kunstikogemust.

     

    Viited:

    1 Tegemist on muu hulgas sõnademänguga. Sõnad „transduktsioon” ja „tõlge” kõlavad hispaania keeles väga sarnaselt (transducción — traducción).

    2 Tegemist on taas osaliselt sõnademänguga. Sõnaühendeid „muusikaline kvaliteet” (calidad de música) ja „heli omadus” (cualidad de sonido) kasutatakse enamasti vastupidistes paarides: „muusika omadus” ja „heli kvaliteet”.

  • Ajalugu 03.08.2022

    VANA KULD II. OLÜMPIAREGATI FILM „TALLINN 80”

    Jüri Kass

    (Vt ka TMK 2022, nr 5)

    „Tallinn 80” (1980).1 Režissöörid: Andres Sööt, Valentin Kuik. Stsenaristid: Valentin Kuik, Andres Sööt. Operaatorid: Andres Sööt, Mihkel Ratas, Nikolai Šarubin, Jüri Garšnek, Peeter Ülevain, Peeter Tooming. Toimetaja: Uno Heinapuu. Muusikaline kujundaja ja helioperaator: Jaak Elling. Helioperaator: Henn Eller. Monteerija: Marju Juhkum. Operaatori assistent: Meelis Aanja. Tootmisjuhid: Vello Samm ja Jaak Jürida. Tallinnfilm, värviline. Kestus 64 min 47 sek. Dialoogid: eesti, vene, inglise. Esilinastus kinos 10. VIII 1981, kinos Kosmos Tallinnas.2

     

    Saateks                             

    1980. aasta olümpiaregati film „Tallinn 80” sündis režissööride Andres Söödi ja Valentin Kuigi koostöös. Aasta enne olümpiaregatti ilmus Sirbis ja Vasaras Valentin Kuigi artikkel „Andres Söödi tõsielufilmid”3. Kuik oli Söödi kaasstsenarist ja kaasrežissöör, ent ühtaegu oli Kuik Söödi senise loomingu ja loojaisiksuse otsekui röntgeniga läbi valgustanud. Üleval on stardi, finiši, võidu ja kaotuse teemad. Valentin Kuik: „Pole traagilisemat konflikti kui inimese konflikt ajaga. See on igikestev ja lahendamatu: eluks nimetatav võidujooks viib meid paratamatult finiši poole, põlvkonnad kaovad, aeg jääb. Kuid valikut pole, ja ehkki start ise on juba kaotus, on meil distantsi kestel veidi aega, et juurelda selle võidujooksu mõtte või mõttetuse üle, mediteerida või rabelda, tunda ängistust või leida rõõmu. Film — see on jäädvustatud aeg, kuid kes ei arvaks end oma aega ja elu tundvat või mitte teadvat, milline ta olema peaks? Miks teda siis sellisena mitte näidata?”4

    Aastate pärast, 1994, kui kõik juba läbi oli, lausus Valentin Kuik Margit Kilumetsa jutusaates „Vekker” (Eesti Raadio), mis salvestati Lillehammeri taliolümpiamängude ajal, „Tallinn 80” kohta: „Me ei valetanud, me näitasime, mis tegelikult selle aasta kestel toimus.”5 Ning Andres Sööt: „Oli ka selline teadmine, kõigil, et sellist sündmust nagu olümpiaregatt teist korda meie silmad Tallinnas enam ei näe, või kas kunagi üldse. See tunne tegi veidi nukraks ja saatis mind kogu filmi tegemise aja. Kas see kõik ka vaatajani jõuab, ei tea.”6

         

    Eellugu

    25. juulil 1977 seati NSV Liidu Riikliku Kinokomitee (edaspidi Goskino) esimehe Filipp Jermaši käskkirjaga nr 306 „1980 Moskva XXII olümpiamängude kinopropaganda”7 komitee mängufilmide stsenaariumide peakolleegiumi ja dokumentaalfilmide, aimefilmide ja õppefilmide valitsuse ette kaks ülesannet aastateks 1978–1980: 1) sporditeemaliste mängufilmide loomine, 2) dokumentaalfilmide ja aimefilmide tootmine (kooskõlastatult Moskva 1980. a olümpiamängude korralduskomiteega „Olümpiaad–80/Olimpiada–80” ja NSV Liidu Spordikomiteega). Tallinnfilmi laekus Jermaši käskkiri 1. augustil 1977. Mõni aeg hiljem (12. I 1978) saabus Tallinnfilmi juba Goskino esimehe asetäitja N. Sõtšovi käskkiri nr 541 (30. XII 1977) „1978–1980 sporditeemaliste dokumentaal- ja aimefilmide temaatiline plaan ning nende ideelis-kunstilise taseme tõstmise meetmed.”8

    1978. aasta juunikuus esitati ENSV Ministrite Nõukogu Kinematograafiakomitee esimehele Feliks Liivikule Tallinnfilmi direktori Kaljo Võsa ja Vaike Mesila allkirjastatud olümpiaregati filmimise ettevalmistuste plaan9, millest selgub, et 1978. aasta mais oli loomingulise grupi moodustamine juba päevakorras. Eesti NSV Kinokomiteele esitatud dokumendis, mis käsitles olümpiaregati filmi (dokumendi keelepruugis „tehnilise filmi”) loomist, oli selleks kavandatud kokku panna järgmine meeskond: režissöörid Peep Puks ja Ülo Tambek, peaoperaator Hans Roosipuu, operaatorid Andres Sööt, Arvo Vilu, Peeter Tooming, Rein Maran, Toivo Kuzmin, Ago Ruus ja Mihhail Dorovatovski, helioperaatorid Enn Säde ja Toivo Elme.10 Kuid Peep Puks meenutab: „Aga ma ei mäleta sellist fakti. Et see üldse kõne all oli. Hans Roosipuu oli valitud Moskvas mängude filmijate hulka. Tal olid seal minu mäletamist mööda väga head võimalused ning temast ja tema tööst peeti lugu.”11

    Nurgakivi panek rajatavale Pirita purjespordikeskusele 1976. aastal.

    1980. aasta Moskva suveolümpiamängud olid sporditeemalised filmid rambivalgusse lükanud.12 Sõtšovi käskkirjast tulenevalt pidas Goskino vajalikuks viia 1978. aastal koos NSV Liidu Kinematografistide Liidu ja NSV Liidu Spordikomiteega läbi spordifilmide problemaatikale pühendatud seminar. 3. novembril 1978 avaldas Sirp ja Vasar teate Tallinnas toimunud NSVL Kinematografistide Liidu spordifilmide nõukogu väljasõiduistungist, kus käsitleti „Balti liiduvabariikide viimase aja paremaid spordifilme. Analüüsivalt esinesid nõukogu aseesimehed, Moskva režissöör V. Konovalov ja stsenarist D. Polonski, Sverdlovski dokumentalist B. Galanter, Läti režissöörid A. Epners ja B. Veldre, Leedu režissöör R. Šilinis, Gruusia režissöör O. Gurgenidze.” Teates on mainitud, et seoses olümpiamängudega luuakse Mosfilmis vastav ühendus, mida asub juhtima Juri Ozerov. Lisaks täispikkadele mängu- ja dokumentaalfilmidele tulevad olümpiamängude ajal valmistamisele veel filmid ca 20 rahvusvahelise erialaföderatsiooni tellimusel.13

    Samas Sirbi ja Vasara numbris arvustas Jaan Ruus Eesti Telefilmis tehtud Valentin Kuigi filmi „Hind”14: „Jalgrattaspordist on taanlased Tour de France’ist 26 operaatoriga teinud põhjaliku ja emotsionaalse reportaaži, on leedulasedki R. Šilinis ja V. Starošas teinud „Mängu ajaga”, mis lahendab Pikkuusi filmiga analoogilise probleemi rahutuuri trassi reportaažina, saateks niihästi reportaažlik kui ka mõtestav helikujundus. Viimati mainitu on ekraanitöö, mis nähtud jalgrattafilmidest vahest kõige verisem, aga ka kõige mõjuvam.”15 Ruus oli 1976. aastal lahanud kahte purjetamisfilmi, „Tallinn kutsub” ja „Värvid tuules”: „„Tallinn kutsub” (rež R. Kasesalu), linna täitevkomitee tellimus, on n-ö nomenklatuurfilm külaliste jaoks. Fikseeriva ekraanitöö värvib publitsistlikuks V. Pandi vaimukas tekst, mis ei leia aga pidet, kinnitust pildis (kõigi meie väheste vaimuka tekstiga filmide häda!). „Värvid tuules” (rež P. Puks) annab lühiülevaate meie teeneka purjetaja A. Tšutšelovi paatkonnast. Kogu informatsioon tuleb siin peategelase kommentaarist, see aga on kroonikalaadselt jäädvustatud purjetamiskaadritele mehaaniliselt peale asetatud, mistõttu film mõjub illustreeritud raadiosaatena.”16 (Reklaamfilm „Tallinn kutsub” oli tähelepanuväärne just selle tõttu, et 2. oktoobril 1974 toimus 1980. aasta olümpiaregati ettevalmistuskomitee esimene istung. Film valmiski olümpiaregatiks ettevalmistamise raames.)

    „Tallinna saladused”. Tallinnfilm, 1967. Režissöör Ülo Tambek, operaator Andres Sööt.

    Mainitud väljasõiduistungil osalenud režissööridest kaks, Vladimir Konovalov ja Ansis Epners, olid nii varem kui ka hiljem Nõukogude Liidus valminud olümpiafilmide autorid: 1988. aastal toimunud Seouli suveolümpiamängudest kodumaise filmikajastuse tegemiseks kuulutas toonane NSV Liidu Riiklik Kehakultuuri- ja Spordikomitee välja konkursi, millest väljus võitjana Riia filmirežissööri Ansis Epnersi (1937–2003) projekt „Olümpiataru” (pealkiri vene k „Olimpiiskii ulei”, inglise k „Olympic hive”). Samal aastal toimunud Calgary taliolümpiamängudele pühendatud filmi tegemise õigus läks samuti läbi NSV Liidu Riikliku Kehakultuuri- ja Spordikomitee konkursi Moskva Dokumentaalfilmide Keskstuudio režissöörile Vladimir Konovalovile, kes oli teinud filmid varasematest taliolümpiamängudest (Sapporo 1972, Lake Placid 1980, Sarajevo 1984).

    Moskva olümpiamängude ametliku filmi loomise käivitas F. Jermaši vastav käskkiri (9. VI 1978), mis määras ametliku olümpiafilmi (hilisema pealkirjaga „Oo sport, sa oled rahu!”) ja 1979. aasta „Rahvaste spartakiaadi” filmi (hilisema pealkirjaga „Ballaad spordist”) pearežissööriks Juri Ozerovi ja dokumentaalvõtete juhiks Boriss Rõtškovi. 29. juuni 1978 kirjaga, mis laekus NSV Liidu Ministrite Nõukogu Kinematograafiakomitee dokumentaalfilmide, aimefilmide ja õppefilmide tootmise valitsuse aseülemalt D. Sa­rõtševilt, võeti Tallinnfilmi olümpiaregati filmi tootmisplaan teadmiseks, rõhutati koostöövajadust Tallinnfilmi ja Juri Ozerovi võttegrupi vahel (see puudutas NSV Liidu 1979. aasta „Rahvaste spartakiaadi” purjeregati filmimist, pidades ühtaegu silmas Juri Ozerovi spartakiaadifilmi „Ballaad spordist”).

    22. veebruaril 1979 laekus Feliks Liivikule ja Tallinnfilmi direktorile Kaljo Võsale Goskino dokumentaalfilmide, aimefilmide ja õppefilmide tootmise valitsuse ülema A. Protsenko kiri, milles teatati, et Tallinnfilmi temaatilisse plaani lisatakse viieosaline värvifilm „Olümpiaregatt”, Eesti NSV Ministrite Nõukogu tellimusel ja rahastamisel.17 Andres Söödi sõnul oli olümpiaregati filmi režissööriks kavandatud Ülo Tambek, aga tema surm tuli vahele (Ülo Tambek suri 31. V 1979). Andres Sööt: „Mina sain ettepaneku olümpiafilmi tegema hakata juunis 1979 Tallinnfilmi tolleaegselt direktorilt K. Võsalt, kui olime parajasti Ü. Tambeki matustel. Tavaliselt määras või tegi ettepaneku taoliste riiklike tellimusfilmide tegemiseks auto­ritele dokumentaalfilmide toimetus (peatoimetajaks oli tol ajal, kui ma ei eksi, Raivo Rammus), otsuse kinnitas muidugi stuudio direktor. Aga algselt oli otsustatud see film siiski Ü. Tambekile teha anda, nagu tean.”18 „Tallinnfilmi juhtkond pakkus seejärel teemat mulle. Rahvusvahelise Purjespordiföderatsiooni tellimus anti NSV Liidu Riiklikule Kinokomiteele, sealt tuli see edasi Tallinnfilmi. Meil oli kasutada tolle aja moodsaim kaamera Arriflex ja näpuotsatäis negatiivfilmi Kodak. Seda Kodaki filmi oli nii vähe, üks karp, et selle kaamerast läbilaskmiseks oleks kulunud u 10–11 minutit. Kuna aga see negatiivfilm oli kõrge tundlikkusega, sai temale võetud mõned hilisõhtused kaadrid jne. Ülejäänus mingeid eeliseid polnud.”19 „Operaatorid Mihkel Ratas, Nikolai Šarubin, Jüri Garšnek, Peeter Ülevain, Peeter Tooming olid filmiga töös 7–10 päeva, st vahetult võistluse ajal. Ülejäänud sündmused on põhiliselt minu enda jäädvustatud. Operaatorite valik oli minu (valida sai nende hulgast, kes parajasti vabad olid). Muusikaliselt kujundas filmi Jaak Elling, kes oli ka filmi helioperaator, filmi monteerija oli Marju Juhkum.”20 „Muidugi, arvestades teema olulisust tolleaegses tähenduses, oleks ehk saanud loa originaalmuusika tellimiseks ka, aga vaevalt oleks see filmile erilist kasu toonud, lihtsalt pildi materjal oli selline, et `polnud selleks vajadust. Jaak Elling oli hea helikujundaja ja need kohad filmis, mis vajasid muusikatausta, täitis ta suurepäraselt ära kompilatiivse muusikaga. Oleksime sama otsuse teinud ka täna.”21 „Peale Arriflexi olid meil kasutusel käsikaamerad Konvas; Arriga merel ei käidud, seda kasutati olulistel võtetel sünkroonheliga ja näit. tseremooniatel. Operaatoritele ma mingeid tehnilisi juhiseid ei andnud, vahel küll arutasime, kes mida võtab, mitte rohkem. Peale Kodaki oli meil kasutada ka Ida-Saksamaal toodetud Orwo, mis kvaliteedilt oli midagi Svema ja Kodaki vahepealset. Ei mäleta, kas ja kui palju Svemat tarvitasime. Kui näeks negatiivi, saaks täpsemini öelda. Teiste võttegruppide tegemistest ei mäleta suurt midagi, tegemist oli endalgi palju, aga nähtavad nad eriti polnud ja ei seganud, nagu tavaliselt kipub olema.”22

    „Pärituult”. Stsenarist, režissöör ja operaator Andres Sööt, helilooja Olav Ehala. Eesti Telefilm, 1976.

     

     

     

    Söödi mällu on jäänud kaks varasemat ametlikku olümpiafilmi, L. Riefenstahli „Olympia” (1936, Berliini suveolümpiamängudest) ja üks film 1968. aasta Grenoble´i taliolümpiamängudest (ilmselt Claude Lelouche’i ja François Reichenbachi „13 jours en France” — „13 päeva Prantsusmaal”). Andres Sööt: „Ei mäleta, kus ja kunas neid filme nägin.”23

    Vahemärkuseks: Feliks Liiviku kirjast Filipp Jermašile selgub, et olümpiaregati filmi tegemiseks loodeti saada Kodaki filmilinti (tänu Andres Söödi meenutustele me teame, et saadi kõigest üks karp), et sooviti soetada stabilisaatoreid (Steadicam) teleobjektiividega (pika fookuskaugusega objektiiv) avamerel filmimiseks ja pika fookuskaugusega optikat/transfokaatoreid (varioobjektiiv/zuum). Juri Ozerovi ametliku olümpiafilmi „Oo, sport, sa oled rahu!” jaoks kasutati muuseas Dovženko-nimelises filmistuudios välja töötatud stabilisaatorit 1КОД, mida aga peeti Steadicamist viletsamaks. Mosfilmile osteti kaks Steadicami 1977. aastal; järgmine partii pidi ostetama enne Moskva olümpiamänge, aga USA olümpiaboikoti tõttu jäi tehing katki.

    Andres Sööt: „Mingeid Steadicami tüüpi seadmeid me selle filmi tegemise ajal ei kasutanud, kuna neid lihtsalt polnud.”24 „Stuudiol (Tallinnfilm) oli kasutada erineva fookuskaugusega (f-16 kuni f-1000) objektiive ja sellega olid meie võimalused ammendatud. Tänapäevase võttetehnika puhul oleksid tulemused hoopis teistsugused. Aga peab ütlema, et purjetamisvõistluse filmimine merel pole kuigi atraktiivne ja vaatajat eriti  ei haara, kui just pole ise purjetamisspetsialist, seepärast piirdusime vaid seal toimuva markeerimisega, peamise huvi pakkusid kuiva maa sündmused.”25 Ja Ülo Tambeki kohta: „Pole ka vähimatki aimu, kui kaugele Tambek oma ettevalmistustega jõudis, kui üldse alustas, sest sündmuseni oli veel poolteist aastat (enne ei teadnud sellest asjast rohkemat, kui et filmi hakkab tegema Tambek). Igatahes meie Kuigiga alustasime puhtalt lehelt. Tulime filmile üheaegselt, kuna Kuigi peamiseks tööks oli kohe stsenaarium (esialgne, n-ö kirjanduslik) valmis saada.”26 „„Tallinn-80” tegemiseks tulin tagasi Tallinnfilmi ja üks täispikk dokfilm aastas oli tegijale piisav koormus ja ajaline hõivatus, nii loeti.”27

    Valentin Kuik: „Tegin 1979. aastal Balti regatist dokfilmi „Regatt”. See oli Moskva kinokomitee tellimus, mille eesmärgiks oli tutvustada olümpial võistlevaid jahiklasse ja muud purjetamisse puutuvat. „Regati” konsultandid olid Nikolai Küün ja Heino Kuivjõgi, nad olid konsultantideks ka olümpiafilmi ajal. Ikkagi 5 jahiklassi ja olümpiamängud, eksida ei tohtinud. Nii et kui Andres Sööt mulle seoses „Tallinn 80” koostööd pakkus, võisin selle pakkumise julgesti vastu võtta, sest tundsin asja. Kahjuks jäi olümpiaregatt üsna mannetuks nii osavõtjate arvu kui ka suhteliselt tuulevaiksete ilmade tõttu. Osavõtjate arvu tingis 1979. aastal alanud NSV Liidu agressioon Afganistani vastu ja Lääne purjetajate Moskva-mängude boikott. Mis puutub KGB kontrolli, siis filmimisel ei saa korraga mitut peremeest olla. Ammugi olümpiaregati filmimisel. Aga kontroll oli muidugi karm: kui õiges­ti mäletan, siis merele minnes tuli miilitsale ja piirivalvele esitada pass ja akrediteerimiskaart. Merelt tulles samuti. Kõigest hoolimata olid Moskva olümpiamängud ja Tallinna regatt sündmused, mis kiirendasid NSV Liidu lagunemist.”28 „Olin kinoinstituudis õppides näinud katkendeid Berliini olümpiafilmist. Otsustasime Söödiga, et parim, mis me saame teha, on võimalikult autentne dokument sellest, kuidas olümpiaregatiks valmistuti ja kuidas see läbi viidi.”29

    Andres Söödi filmograafias talletus sporditeemaline kinodokumentalistika (olgu üksikute ringvaatepaladena või iseseisvate dokumentaalfilmidena) alates 1960. aastatest: operaatorina Aleksandr Mandrõkini Eesti–Soome kergejõustikuvõistluse teemalises „Nõukogude Eestis”, nr 20, 1965, Valeria Andersoni ringvaatepalades „Malematš Paul Keres – Boriss Spasski” („Nõukogude Eesti”, nr 13, 1965), „Tallinna III spordimängud” („Nõukogude Eesti”, nr 19, 1966) ja 1967. aasta „Ukrkinohronika” jaoks filmitud „Euroopa karikas kergejõustikus”. Samuti Eesti Telefilmis tehtud filmides „Vabalend” (1975; režisöör/operaator) ja „Pärituult” (1976, režissöör/ operaator/ stsenarist) ning Tallinnfilmi „Sportlikus sajandis” (1976, režissöör/operaator). Filmile „Tallinn 80” järgnesid tal „Rada vabaks” (1981, rež-d Hans Roosipuu ja Toivo Elme) ja Eesti Reklaamfilmis tehtud „Autoralli Vene talv” (1983, režissöör/operaator), 1984. aasta ringvaates „Nõukogude Eesti”, nr 23 „Korvpall ja võrkpall Eesti NSV-s” (rež Toivo Elme) ja 1985. aastal kümnevõistlejast Valter Külvetist tehtud dokumentaalfilm „Vennaskond” (stsenaarium koos Valentin Kuigiga). Kui Andres Söödi kolleegi Peet Väinastu (1937–2011) filmograafias eristatakse puhuti nn mäefilme, siis Söödil pole maa, meri ega kõrgus kuidagi eristuvad teemad.

    Valentin Kuigi diplomitöö Üleliidulises Riiklikus Kinematograafiainstituudis oli sporditeemaline lühimängufilm „Löö vastu”  (1975, kaasstsenarist Igor Hutsijev, operaator Arvo Iho). Enne filmi „Tallinn 80” tegi Kuik Tallinnfilmis režissöörina olümpiateemalisi kroonikapalu („Nurgakivi Pirita purjespordikeskusele”, ringvaade „Nõukogude Eesti”, nr 10, 1976; „Meie olümpiakandidaadid”, ringvaade „Nõukogude Eesti”, nr 13, 1979), seejärel Eesti Telefilmis filmi „Hind” (1978) Aavo Pikkuusist ning Tallinnfilmis „Regati” 1979. aasta Balti regatist ehk nn eelolümpia regatist.

     

    Filmimine

    Andres Sööt: „Purjetamine, vaatamata välisele efektsusele, on kaunis raskesti filmitav, vaatajale mitte eriti huvitav tegevus ja mõneti ka arusaamatu. Need (st Söödil „Pärituult” ja Kuigil „Regatt” — H. K.) olidki meie eelnevad kogemused, aga igat filmi on veidike kõhe alustada, vähemalt minu jaoks. Seetõttu, et kõike tuleb uuesti otsast alustada. Ja meie eesmärk oli rohkem seda jäädvustada, mis kaldal toimus.”30

    Valentin Kuik: „„Tallinn 80”, mille võtsime üles koos Andres Söödiga, on tehtud täpselt stsenaariumi järgi. Meil olid kõik sündmused, mis toimusid, kellaajaliselt fikseeritud, samuti tegelased, kes nende kohtade peal üles astusid. Meile polnud tähtis, mida nad rääkisid, meie filmisime sündmusi ning meie käsutuses olid Tallinnfilmi parimad operaatorid, kes asja korralikult üles võtsid. Me ei osanud muidugi ette näha, kes tuleb olümpiavõitjaks, aga ka see polnud meie jaoks oluline, meie filmisime Tallinna aastal 1980.”31

    Andres Sööt: „Filmi ülesehitus oli lihtne, sisu dikteerisid sündmused ise. Et me proovisime ka kulisside taha vaadata, oli juba Kuigi stsenaariumisse sisse kirjutatud ja kuna selline lähenemisviis oli ka mulle omane, siis nii püüdsimegi filmida. Võistluspäevadel olime tegevuspaikadel enamasti koos, aga ma ei mäleta enam hästi, kes mida tegi seal. Mul veel lisaks kaamera õlal.”32

    Olümpiafilmi „Tallinn 80” meeskond.
    Peeter Ülevainu foto

    2013. aasta veebruaris ilmus ajalehes Pealinn Virkko Lepassalu kirjutis „Sherlock Holmes ja D’Artagnan jalutasid tegelikult Tallinnas”, ajendiks Valentin Kuigi 70. sünnipäev. Tolles kirjutises kajastus „Tallinn 80” filmimisega seotu järgmiselt: „Moskva olümpiamängude paiku vaatas ta [Valentin Kuik] läbi kaamerasilma, kuidas poolakad Tallinna vanalinna üles vuntsivad — nii et kinnistus arusaam sellest kui kogu toonases NSV Liidu filmitööstuses ülihinnatud kulissist. Kuik ütleb, et vanalinn tehti 1980. aastaks nii korda, kui see toonastes oludes võimalik oli: „Just siis muutus ta dekoratsioonina eriti väärtuslikuks.” Dokumentaalfilmi „Tallinn 1980”, millel võimud hiljem väga pika hambaga linastuda lubasid, hakati üles võtma umbes aasta enne olümpia algust. „Tolle aja kohta oli see väga julge film. Ennekõike põhjusel, et vaatajaini jõudis arusaam teatavas mõttes Potjomkini küla ehitamisest, sest toonased olud ei võimaldanud kogu vanalinna restaureerimist põhjalikul ja korralikul moel. Sageli piirduti vaid fassaadide värvimise ja aukude hädapärase lappimisega. Nii jäigi mulje, et vanalinna mitte ei restaureerita, vaid ehitatakse hiiglaslikku dekoratsiooni.” Kuigi filmist jõudsid vaatajateni kontrastsed kaadrid räpastes tunkedes töölistest ja ümber nende ettevaatlikult turnivatest lääne turistidest. Samuti juhuslikult kätte saadud tühmidest meremeestest, kes etendasid olümpiamängude auhindamistseremooniate proovides sportlasi, ja muid teravaid kontraste. Kuigi tehtud film saigi paraku liiga realistlik. Tähtis vastuvõtukomisjon „marineeris” teost veel kuu aega, enne kui lõpuks vaatajateni lubas. See oli üsna närvesööv, sest Tallinnfilmis ei saanud enne linateose ametlikku vastuvõtmist võttegrupile tehtud tööde eest raha maksta. Oli seega vanalinna sisulise restaureerimisega, kuidas oli — dekoratsioon sai igal juhul korralikum kui kunagi varem. Romantiline vaimustus keskajast ning ajaloost laiemalt oli igal juhul haaranud nii ENSV kohalikku kui ka üleliidulist filmitööstust ammu enne olümpiamänge. Juba enne olümpiamängude-eelset „kulisside vuntsimist” sai Tallinna vanalinnast arvukate filmide võtteplats. Kuulsamad näited suurte kinostuudiote toodangust on ilmselt „Kolme musketäri” saaga, aga ka „Baskerville’ide koer”. Vanalinna väisasid innukalt igal aastal mitmed vennasvabariikide filmirühmad. Lembit Ulfsak mängis peaosa „Legendis Ulenspiegelist” (1976) jne.”33

    Jaak Elling: „Filmil „Tallinn 80” pole originaalmuusikat. Võin lisada, et ei muusikatoimetaja (1980. aastast alustas Tallinnfilmis muusikatoimetajana tööd Andres Valkonen), ei toimetuskolleegium ega stuudio juhtkond selle filmi „siseasjadesse” ei sekkunud, sest film oli Moskva tellimus. Moskva vajas aga hääd propagandafilmi ja selle ta ka sai. Sama helikujundus maksaks praegu väga-väga palju (auto­riõigused välismaisele muusikale). Olin määratud selle filmi helioperaator-helikujundajaks siis, kui Moskvast tuli tellimus ja Tallinnas hakati filmimeeskonda komplekteerima. Et aga regatiaeg oli suht lühike, kuid sündmusi selle sees palju, siis selle tarbeks moodustati viis võttegruppi, mis allusid Andres Söödile ja Valentin Kuigile. Kuna minul helimehena samaaegselt toimuvatel võtetel osaleda poleks olnud võimalik, siis oli vajadus taotleda vähemasti üks helimehe koht juurde. Moskva nõustus kohe. Küll aga oli probleeme hoopis minuga, sest üliturvaliseks organiseeritud olümpiaregati ala oli veel omakorda jaotatud erinevatesse turvasektoritesse, mis tähendas seda, et kui ühte sektorisse võisid pääseda filmima, siis teise enam mitte. Ja nii tekkis olukord, kus mina helimehena ei pääsenud võttepaigale, sest minu Moskvast saadetud eriluba seda lihtsalt ei võimaldanud. (Need load anti KGB eriti range kontrolli läbinutele ja nii mõnigi filmimees, kes algselt oli meeskonda planeeritud, pidi kõrvale jääma). Ja siis oli vaja olukord ülikiiresti lahendada. Moskva pakkus, et võtke uus mees, Sööt ja Kuik sellega ei nõustunud ja nii tuligi Tallinnfilmi direktoril Andres Arnoveril minna KGB kontorisse Tallinnas ja uurida, mis oli see põhjus, miks minule „õiget” turvapääset ei antud. (Juhin tähelepanu asjaolule, et tollal oli igasugune omapoolne sekkumine KGB toimingutesse rangelt keelatud. Kuna aga Tallinnfilmi direktor oli julge mees ja tema vastutas Moskva tellimusfilmi edukuse eest oma naha ja karvadega, siis võttis ta julguse rindu ja sinna kontorisse ta siiski läks. Ja siis seal organis viidi ta keldrisse arhiivitoimikute riiulite ja sahtlite juurde, tõmmati sahtel lahti ja E-oborotnoje tähe alt kougiti välja kaks toimikut pealkirjaga „VÕJEZDNOE DELO”. Ühes neist soovisin ma sõita koos Mark Soosaarega Kanadasse filmima Kihnust pärit kunstnikku Jaan Oadi ja teises tegin taotluse võimaldamaks mul osaleda filmi „Tallinn 80” võttemeeskonnas. Ja siin siis ütleb KGB ohvitser Tallinnfilmi direktorile neid toimikuid näidates: „Võ tšhto dumajete, mõ duraki? V odnom ankete — tselj võjezda: pišet „K rodstvennikam”, a vtorom (olimpiiskom) — „Za granitse rodstvennikov ne imeju”. Ja nüüd hakkab toimuma see, mida tavadirektor poleks iial teadnud: Andres Arnover (direktori ja minu hea tuttavana) tõepoolest teadis, et minul (sic!) välismaal sugulasi ei ela. Ta võttis julguse kokku ja palus toimikuid lugeda, sai loa ja mis selgus: olin ikkagi kirjutanud ankeeti sõidu eesmärgina „K rodstvennikam SUPRUGI…” Piinlik KGB ohvitserile, kuid Arnoverita oleksingi jäänud KGB musta nimekirja.
    Edasine oli juba ülikiire — ülejärgmisel päeval tuli Moskvast erikulleriga ülivõimas pääse ja töö jätkus. Olen vist ainus, kellel on kaks nimelist KGB pääset. (Need on museaalidena alles, Tõstamaa kinokeldris.) Muide, legend-operaator Jüri Garšnek ühines meie võttemeeskonnaga sellepärast, et regati kaudu omale Finn-paat muretseda. Selle ta ka sai ja sellega ta ka Toonela-teele purjetas.”34

    Kaader Valentin Kuigi dokumentaalfilmist „Regatt” (1979). Stsenaarium Valentin Kuik ja Hans Roosipuu, operaatorid Mihkel Ratas ja Nikolai Šarubin, helilooja Gennadi Taniel, konsultandid Nikolai Küün ja Heino Kuivjõgi, helioperaator Henn Eller, toimetaja Mart Taevere, filmi direktor Vello Samm.

    „Filmitöö on juba kord selline, et filmi otsesed loojad (stsenarist, režissöör ja operaator) saavad end ehk 100% ühele filmile pühendada, kuid helimees (helirežissöör) reeglina mitte. Pigem on minu ameti puhul tegu logistilise puslega: kuidas lõpetada määratud tööd nendeks töödeks, mis on seotud sõpruskonnaga. Oleksin võinud ju Andres Söödiga koos teha kõik tema filmid, kui poleks olnud stuudio (st Tallinnfilmi — H. K.) poolt määratud töid, mis seda ei võimaldanud. Muusikaline kujundus on tehtud vaistu ja tunde järgi. Kui filmi uuesti üle vaataksin, siis meenuks kohe kõik. Läks see, mis sobis nii Söödile kui Kuigile. Ühtegi pakutud muusikat ei vaidlustatud ega välja ei vahetatud.”35

    Peeter Ülevain: „Osalesin operaatorina stuudio Tallinnfilm dokumentaalfilmi „Tallinn 1980” filmimisel (režissöörid A. Sööt ja V. Kuik). Filmisin purjeregatti 35-mm kaameraga Konvas Avtomat, millel kolm objektiivi — 18-mm, 35-mm, 75-mm. Lisaks kasutasin ka 200-mm ja 300-mm teleobjektiive ja transfokaatorobjektiivi e Zoomi (25-mm–250-mm). Kasutatud värviline negatiivfilm oli DS5 (vene k ДС5) ja LN7 (vene k ЛН7). Operaatoritele oli igaühele eraldatud ühe võistlusklassi jäädvustamine. Minu osaks oli klass 470 ja katamaraanide klass. Filmisin kaatrilt. Merel liikumine oli aluse kapteni juhtimisel ja oli reglementeeritud vastavate olümpiaregati nõuetega, et mitte segada võistlejate seilamist, nii et mingit isetegevust, et operaator saanuks võtete kohta merel olles ise valida, ei olnud. KGB-mehi polnud kõrval näha. Hommikuti olümpiasadamasse tulekul oli küll kontroll nagu praegu lennujaamas — tehnika käis läbi röntgeniaparaadi. Ka tuli akrediteerimisdokumendid ette näidata. Olümpiakeskuse ala oli vormis miilitsameeste poolt ümbritsetud. Oli ka palju „madruseid”, kes ilmselt seilamisega mingit kokkupuudet ei omanud. Need miilitsad ja „madrused” olid enamuses toodud Tallinna kuskilt mujalt N-Liidust, kohalikud need ei olnud. Kuigi, jah, oli Šostka keemiatehase nõukogude film, me tookord filmipraagist pääsesime. Tõsi ta on, et praaki juhtus tol ajal tihti. Peale filmipraagi oli rohkem nii filmilabori töötlemipraaki kui ka kaamerapraaki, s.o kriimud filmil, pehme fookus jm.”.36

    Peeter Ülevain.

    Olümpiaregatt Tallinna lahel.
    Peeter Ülevainu foto

     

    Andres Sööt: „Purjesport pole filmimiseks kuigi soodus materjal: regati ajal purjekatele ligi ei lasta, suurplaani ei võta, purjekad lähevad merele, tulevad merelt. Palju sa ikka säherdusi plaane filmi sisse paned? Meie filmigrupis oli kuus operaatorit, iga päev jagasime ülesanded, kes mida filmib, ning hommikust õhtuni passisid kõik Tallinna lahel. Oli raske töö. Meie Valentin Kuigiga tulime toime üksipäini seetõttu, et olime filminud ettevalmistusperioodi. Nõuka-aja tingimustes käis ju paras komöödia — muudkui kiirustades värviti maju isegi vihmaga (pärast koorus värv kiiresti maha), „Potjomkini külasid” jagus. Kuigi, tervikuna võitis linn palju. Kõik need kaadrid — üles kaevatud linn, proovid, korralagedus — läksid filmi sisse. Filmima hakkasime umbes kuu enne olümpiamängude avamist, jälgisime üksipulgi, mismoodi olümpiaregatiks valmistuti. Pärast sõitsime piirile olümpiatuld vastu võtma. Meil olid akrediteerimiskaardid, nendega pääses filmigrupp igale poole ligi. Esimest korda nõukaajal said mitte üksnes välisriikide ajakirjanikud, vaid meiegi nende akrediteerimiskaartidega kõikjale sisse, ilma igasuguste järjekordadeta — Viru hotelli, eripuhvetitesse ja eripoodidesse. Absurdi ja totrust jagus suletud riigis samuti. Filmi ise oli pärast üsna kerge monteerida, suutsime vältida monotoonsust, kuigi, nagu ütlesin, purjetamist on väga raske filmida. Filmi kooshoidvaks teljeks sai olümpiatule teekond, alates olümpiatule süütamise hetkest Olümpias (see oli muidugi foto). Olümpiatuli läheneb Moskvale, Tallinnale, ning selle taustal toimuvad remondi- ja ehitustööd jne. See oli väljendusrikkam kui pelgalt range täpsusega jäädvustatud võistluste kroonika.”37

    Nikolai Šarubin: „Filmida oli raske — purjekatele ei pääsenud ligi ei õhust ega merelt, vahemaa pidi olema vähemalt 300 meetrit. Vaata ise, kuidas hakkama saad. Tuli filmida saatva kaatri tantsivalt tekilt (lootsikaatritest oli puudus, kasutati piirivalvekaatreid), ilma kaamera stabilisaatorita. Seiklusi oli küllaga, aga mis peamine — meile langes sülle elu ainus šanss olümpiamängude filmimiseks ja olümpiatule saatmiseks.”38

     

    Järelkaja

    Andres Sööt: „Arnold Green oli see, kes omalt poolt pidi filmi vastu võtma. Ta ei jäänud sellega rahule, kutsus meid Kuigiga Toompeale, luges sõnad peale ja ütles, et tema hinnang filmile on koolipoisi kolm.”39

    „Kunstinõukogu, mäletamist mööda, filmis erilisi probleeme ei näinud. Filmi lõplikuks vastuvõtjaks oli siiski ENSV Kinokomitee, muidugi A. Greeni heakskiidul, kes tegi seda küll „pika hambaga”, nagu öeldud. Filmi vaatas-kontrollis ka EKP kultuuriosakonna juhataja Olaf Utt, mis tema arvas, ei mäleta.”40

    Valentin Kuik: „Filmi pidulikku esilinastust ei toimunud. EKP kultuuriosakonna juhid ei söandanud filmi näitamist keelata, kuid ei andnud selleks ka ametlikku luba. „Tallinn 80” seisiski n-ö riiulil, kuni Kinokomitee esimees filmi vastuvõtuaktile alla kirjutas, sest Tallinnfilmi aastaplaan, millest sõltusid administratsiooni preemiad, vajas täitmist. Ka Tallinnfilmi kunstinõukogu liikmete suhtumine oli kahetine. Koridoris ja suitsunurgas räägiti ühte, kabinettides teist. Nagu see ikka käib.”41

    „Kui mälu mind ei peta, jooksis film Tallinnas üle kuu aja. Kas või kui palju seda mujal näidati, ei tea. Siiski: olime Söödiga kutsutud Leningradi, kus filmi näidati Kinomajas täissaalile. Ka Moskva kinomajas oli vist seoses Moskva festivaliga läbivaatus. Film oli tolle aja kohta üsna novaatorlik: filmitud kergete käsikaameratega, puhas sünkroonheli. (Helirežissöör oli Jaak Elling.)”42

    Tallinna olümpiaregatile järgnenud aastail ei jäänud A. Söödi/V. Kuigi olümpiaregati film tähelepanuta ega tunnustusteta: 1981 Tallinna Polütehnilise Instituudi filmifestivali auhind Suur Hammasratas, 1982 üleliidulisel filmifestivalil (Tallinnas) NSVL Spordikomitee auhind. Hiljem pälvis film järgmisi vastukajasid/iseloomustusi:

    a) „Aasta raskeim film”43

    b) „Filmist tervikuna jääb hele, uhkuse- ja rõõmusegune nukrustunne, mis sisendab, et toimus midagi tõesti tähendusrikast. Ekraaniloos on pidevalt tunda autorite objektiivsusetaotlust, selle taga on aga rahulik mõistus ja oma kroonikumissiooni tunnetamine.”44

    c) „Sündmust võib filmida selle erakordsuse või toimuvas peituva ja avalduva sotsiaalse tähenduse tõttu. Oskus seda mõista ja tabada, eriti kordumatut sündmust filmides, on kõrgema klassi dokumentalisti tunnus. Selles mõttes jäi A. Söödi ja V. Kuigi olümpiafilm ületamatuks. Sööt oskab näha ja käivitada kaamera just seal ja siis, kui sündmus töötab tema autoripositsiooni kasuks. Ja kui tulemus olekski kellegi arvates vaieldav, on see köitev, mõtlemapanev ja särav igal juhul. Iga sotsioloogilise uurimise objekt kannab endas sotsiaalset vastuolu. Söödiliku oskusega tehtud film sarnaneb oma eesmärkidelt sotsioloogilise uurimusega. Pole see muidugi ainus moodus teha filme sündmustest. Aga meie tänaste võimiste seast parim.”45

    d) (Victoria ja Mats Traadi arutelu): „Olümpiafilmis on selgesti näha, et rituaal on põhjalikult selge, korralikult kätte harjutatud. Vaiko Vooremaa käib kolm korda, ikka harjutab pööramist. Ja just seda inimesed ootavad. Kõik teavad, et see on harjutatud, see on õpitud, et see ei tule spontaanselt, kuid see tekitab just niisuguse elamuse, mida inimesed ootavad. Selle filmi inimestel ei olnud igavaid nägusid ees. (V. Traat) — Tuleb meremehi drillida. Nagu lastelaulus: kümme korralikku krokodilli tegid mererannal kanget drilli. (M. Traat) — Seda tulebki ilmselt teha, et inimestel saaks hetkeks lahvatada too pidulikkuse tunne, et ei jääks nii, et inimene mõtleb, et ta läheb lõbutsema, aga lõbu ei ole, mingit lõbu ei ole. (V. Traat) — Lõbu ei saa olla, kui puudub väljatöötatud rituaal. (M. Traat) — Aga rituaalil peab olema ka sisemine kate. (V. Traat)46

    e) „Omapärane vaatefilm”47

    f) Keeleteadlane Mati Hint lisas ajakirja Teater. Muusika. Kino korraldatud ankeedivormis ringküsitluses (korraldati enne Eesti Kinoliidu VI kongressi (21.–22. III 1986) Söödi/Kuigi olümpiaregati filmi „viimase viie aasta parimate täispikkade filmide hulka” — „Narri põldu üks kord…” (Enn Säde, 1981), „Tallinn 80” (Andres Sööt, Valentin Kuik, 1981), „Arnold Matteus” (Andres Sööt, 1982), „Künnimehe väsimus” (Enn Säde ja Jüri Müür, 1983), „Nipernaadi” (Kaljo Kiisk, 1982).48

    g) „Koos V. Kuigiga tehtud olümpiafilmis „Tallinn 80” ei pöörata tähelepanu purjeregati pidupoolele, vaid eelkõige ettevalmistuste ja läbiviimisega kaasnevale, tihti koomilisele siginale-saginale.”49

    h) „Tallinna 1980. aasta purjeregatt kogu oma kämp-nostalgilises ilus. Ettevalmistused, sõidud ja selleaegne argielu regati ümber.”50

    1981. aasta aprillikuus kirjutas läti filmikriitik Abrams Klockins eelmise aasta dokumentaalfilme lahates: „Mullune suurim töö on kahtlemata Andres Söödi olümpiafilm „Tallinn 80”. Tallinnas ei valmistata kaugeltki mitte igal aastal täispikka dokumentaalfilmi, veel vähem säärasel teemal. Juba olümpiaks valmistudes ja selle ajal vändati nõnda palju filme, et tundub, justkui pidanuks see teema vähemalt mõneks ajaks olema emotsionaalselt, psühholoogiliselt ammendatud. Teisest küljest peaks seda sorti teema olema Andres Söödile vastunäidustatud. Olümpiamängud pole ju lihtsad võistlused, vaid suurimad suurimaist. Kuid olümpia on ka hiiglaslik teatraliseeritud vaatemäng, hiiglasuur rituaal, mis tõuseb esile kõikvõimalikus tele- või filmiteabes, varjutades samal ajal tahete ja iseloomude põrkamist, võitluse dramaatilisust, ülevust ja traagilisust.”51 „Andres Söödile, kelle kaamera, Anderseni muinasjutukeeles väljendatult, pühib kõigilt eluilminguilt nende pealmise kullakihi ja paljastab selle alla peitunud seanaha, on nüüdisaegsete olümpiamängude pompoossus olemuslikult vastuvõtmatu. Ilmselt on kõike seda arvesse võetud, kui just temale usaldati selle filmi tegemine. Välja on tulnud film, mis küünib teiste hulgast esile ja jääb meelde juba ühekordsel vaatamisel. Algul film koguni šokeerib, kuid siis taipad: pühkides maha pompoossuse, filmides olümpiaadi koturnidelt, annavad autorid olümpiamängudele tagasi inimliku mõõtme ja inimliku sisu. Film ei paljasta, nagu see esialgu võib tunduda, vaid avab kõige kõrgema ja pateetilisema pidulikkuse inimliku ning argise tagapõhja.”52

    Arvo Iho: „Film algab üsnagi sarnaselt eelmisega. Toompea siingi, kuid teisiti, madalamalt, Niguliste tornist nähtuna. Rahulikult vaatleb kaamera linna, saateks üks 1976. a. juulihommikune raadiosaade. Vaatajale antakse kätte filmi dokumenteeriv intonatsioon, kokkuleppe sõlmimine raekojas. Edasi kõnnib film elu jälgedes. Rahulike, piltpostkaardile mitteomaste kompositsioonidega näidatakse, kuidas Tallinn hakkab laialt võetud töödega valmistuma olümpiaks. Filmi heli on kokku põimitud naturaalsetest häältest, konkreetse päeva raadiosaateist ja muusikast. Huvitava pildireaga koos tekivad täiesti uuemõõtmelised ja avarama tähendusega kujundid, mida ükski komponent eraldi võttes ei sisaldanud. Algusest peale on tunda materjali läbivat ja ühendavat auto­rikontseptsiooni: siin luuakse filmidokumenti, milles nagu elus endaski on ülev ja pateetiline kõrvu ja segi argipäevaste ja koomiliste hetkedega. Siin ei juhtu midagi maagilise filmivõlukepikese väel, vaid meile näidatakse, kes, kus ja kuidas tööd teeb. Võistlus ise on vahest sellegi filmi nõrgemaid kohti. Tundub, et pingelangus on tingitud seigast, et autorid ei saanud jätkata filmile omast täpset detailvaatlust, nad olid sunnitud otsima traditsioonilisemaid üldskeeme. Siiski on võistlus selles filmis olemas, olgugi et tihti antud kaudsete vahenditega. Saame aimu võistluse argipoolestki. Näeme protestikohtu istungit, vaidlusi, treenerite ja sportlaste murelikke nägusid. Purjekate seilamist on samuti võimalik vaadata. Meelde jääb Raudaschli naeratus eelviimasele sõidule minnes ja Mankini murelik nägu. Alles pärast pingutusi ja närvitsemist tuleb võidurõõm. On tunda, et iga mees tunneb enda vastutust oma maa sportliku au eest. Filmis on olemas tippspordi atmosfäär. Paistab, et tegijad tunnevad suurregattide mehhanismi, teavad, mis tähtis, mis teisejärguline. Filmist tervikuna jääb hele, uhkuse- ja rõõmusegune nukrustunne, mis sisendab, et toimus midagi tõesti tähendusrikast. Ekraaniloos on pidevalt tunda autorite objektiivsusetaotlust, selle, taga on aga rahulik mõistus ja oma kroonikumissiooni tunnetamine. Tähelepandav on, et filmirežissöör Andres Sööt on osanud mitme erineva operaatori poolt filmitu sulatada selliselt tervikuks, et kogu materjali võiks pidada vaid ühe mehe võetuks. Meetodiks paistab olevat täpne vaatlus, millega üldised arusaamad, sümboolsed tseremooniad ja rituaalid muudetakse konkreetseks, ainukordseks sündmuseks. On tähtis, et filmi igas komponendis on suudetud säilitada inimlik mõõde ja tõsieluline, dokumenteeriv alge. Andres Söödi, Valentin Kuigi, Tallinnfilmi dokumentaaloperaatorite ja helimeeste töö on meeldesööbiv elav kroonika. Aga kroonika väärtus aja möödudes aiva kasvab.”53

     

    Lõpetuseks

    On kirjutatud, et elu on pikk ja kirju, uued ja hullemad või ka paremad ajad tulevad peale. Andres Söödi maailmataju on võrreldud Artur Alliksaare omaga: „Söödi maailmatajule on omane erakordselt terav hetke tunnetus; siin on ta väga lähedane Artur Alliksaarele, kelle luule kõlabki filmis „511 paremat fotot Marsist”: „Ei ole paremaid, halvemaid aegu. On ainult hetk, milles viibime praegu. Mis kord on alanud, lõppu sel pole.””54

    Söödi kolleeg Mart Taevere on rõhutanud: „Andres Söödi filmides on aja lugu. Ta ei lavasta „sobivat” ja ühiskondlik-poliitiliselt vajalikku tegelikkust.”55 Ning Andres Sööt on ise lausunud: „Kui Johannes Pääsuke 1912. aastal Setumaale läks filmivõtteid tegema, ei koormanud teda elu- ja kunstitõe, fakti ja kujundi, tõe ja vale, lavastuse ja eheda elu vahekorrad, veel polnud segamas selliseid siianigi ähmaseid mõisteid nagu autorifilm, reportaaž, publitsistlik film.”56

    Mängu tulevad ajalõigud, hetked, mida inimene väljendab sõnaga „nüüd”. Aga on kirjutatud, et Söödil ei olegi reportaaži; on meenutatud 1977. aastal Tartus Toomemäel filmitud muusikalist telemängufilmi „Imelugu”, mille tegemise Andres Sööt jäädvustas oma filmis „Unenägu” (Eesti Telefilm, 1978), kus ta oli ühes isikus stsenarist, režissöör ja operaator: „See pole reportaaž filmi tegemisest, pigem nägemus, kaja, mis on haihtunud, mida enam pole, kuid on siiski olnud.”

    Mõned aastad pärast 1980. aasta olümpiaregatti Tallinnas ilmus Toomas Vindilt novellide ja lühijuttude kogumik „Tantsud Mozarti saatel”. Kogumiku nimilugu on samuti üks kaja olümpia-aastast 1980.

    Oli Eestimaa jaoks kohatult soe. Päevad lõõskamas päikesest, õhtud sumedad ja vaiksed, ööd kärarikkad. Enamik meie sõpradest ei pääsenud linnast välja, nad olid seotud olümpianiidikestega selle või teise asutuse külge: kujundasid, sisustasid, lavastasid, esinesid, kamandasid, õiendasid, kohendasid, tutvustasid.        

    Nii möödusid päevad ja ööd, olümpiamängud tulid juba käegakatsutavasse lähedusse, kirglikud spordisõbrad judisesid mõnutundest, kujutledes end väsimatult hommikust hilisööni televiisori ees istumas. Meie aga tundsime, et suvi linnas on lõputult ära tüüdanud: mõned, kel vähegi võimalust, lasksid end kuskil mererannas päikesel silitada, püüdsid päikeseloojangul kala või käisid mööda külavaheteed, piimamannerg ühes, marjakorv teises käes.57

    Kord, kui vene filmiajakirja Kinovedcheskie zapiski (nr 59, 2002) lehekülgedel arutleti Leni Riefenstahli filmide üle, iseloomustas vene dokumentalist Vitali Manski Riefenstahli loodut (mis sisaldab mõistagi ka Berliini 1936. aasta olümpiamängudele pühendatud filmi) nõndaviisi: „Riefenstahli filmid, peale selle, et nad on epohhi dokumendid, on tehtud kahtlemata andekalt. Riefenstahl tabas täpselt aja närvi.” Manski kolleeg Andrei Ossipov: „Kusjuures mitmed kaadrid ei pärine mitte võistlustelt, vaid on filmitud treeningute ajal: enne või pärast olümpiamängude põhivõistlusi.”58 Nõnda võib tõdeda, et Andres Sööt ja Valentin Kuik teadsid seda, mida Rie­fenstahlgi: võistluse (regati) hinge mõistmiseks ei pea tingimata filmima võistlust (regatti) ennast, otsast otsani. Valentin Kuik: „Film — see on jäädvustatud aeg, kuid kes ei arvaks end oma aega ja elu tundvat või mitte teadvat, milline ta olema peaks? Miks teda siis sellisena mitte näidata?”59 Nii vist sündiski.

     

    See kirjutis valmis Eesti Rahvuskultuuri Fondi toetusel, esmakordselt tutvustati seda ettekandena Eesti Spordiajaloo Seltsi XV konverentsil „100 ja 40 — Eesti spordi olulised verstapostid 2020. aastal” Eesti Spordi- ja Olümpiamuuseumis 28. novembril 2021 Tartus.

     

    Viited:

    1 Vt Eesti Filmiarhiiv (EFA 203), fondi arhivaal 4650.

    2 http://www.efis.ee/et/filmiliigid/film/id/6431/esilinastused

    3 Valentin Kuik 1979. Andres Söödi tõsielufilmid. — Sirp ja Vasar, 26. I.

    4 Samas.

    5 https://arhiiv.err.ee/vaata/vekker-valentin-kuik/same-series

    6 Andres Söödi e-kiri autorile, 20. VII 2018.

    7 Приказ председателя Госкино СССР Ф.Т.Ермаша О кинопропаганде XXII Олимпийских игр 1980 г. в Москве, 25.07.1977, № 306.

    8 Приказ первого заместителя Н.Я. Сычева председателя Госкино СССР О тематическом плане документальных и научно-популярных фильмов спортив­ной тематики на 1978-1980 гг. и мерах по повышению и идейно-художественного уровня, 30.12.1977, №541.

    9 Tallinnfilmi direktori Kaljo Võsa kiri ENSV MN Kinematorgraafiakomitee esimehele Feliks Liivikule, 5. VI 1978 7-5/ 1153.

    10 План подготовки к созданию тех­ни­ческого фильма и к съемкам мате­риала для официального фильма и спецвыпусков о парусной регаты Олимпиады-80 (5. VII 1978 7-5/1153).

    11 Peep Puksi e-kiri autorile, 22. X 2018.

    12 Vrd 1971 — Tallinn esitab taotluse olümpiaregati korraldamiseks ja alustab ettevalmistusi. Suvi 1974 — Moskva otsustab mängude korraldusõiguse saamisel regati Tallinna tuua. 23. okt 1974 — ROK otsustab korraldada olümpiamängud Moskvas.  10. nov 1974 — luuakse Tallinna olümpiaregati organiseerimiskomitee. 2. juuni 1980 — Tallinna olümpiapurjespordikeskuse avatseremoonia. 28. juuni — keskuse olümpiaküla avamine. 19. juuli — olümpiatuli jõuab Tallinna. 20. juuli — regati korralduskomitee esimees Arnold Green kuulutab regati avatuks. 30. juuli — ROKi president lord Michael Killanin kuulutab regati lõppenuks.

    13 Sirp ja Vasar, 3. XI 1978.

    14„ Hind”, Eesti Telefilm, 1978. Käsikiri T. Villoman, V. Kuik, režissöör V. Kuik, operaator I. Loomann, helioperaator J. Elling; 40 min.

    15 Jaan Ruus telefilmist „Hind”. —  Sirp ja Vasar, 3. XI 1978.

    16 Jaan Ruus 1976. Miks tehakse filme? (Märkmeid Tallinnfilmi loomingust). — Sirp ja Vasar, 2. IV.

    17 Goskino dokumentaalfilmide, aimefilmide ja õppefilmide tootmise valitsuse ülema A. Protsenko kiri, nr 5/84–364, 21. II 1979.

    18 Andres Söödi e-kiri autorile, 30. VIII 2020.

    19 Andres Söödi e-kiri autorile, 10. VII 2018.

    20 Andres Söödi e-kiri autorile, 11. VII 2018.

    21 Andres Söödi e-kiri autorile, 15. VII 2018.

    22 Andres Söödi e-kiri autorile, 13. VII 2018.

    23 Andres Söödi e-kiri autorile, 10. VII 2018.

    24 Andres Söödi e-kiri autorile, 05. XI 2021.

    25 Andres Söödi e-kiri autorile, 08. XI 2021.

    26 Andres Söödi e-kiri autorile, 12. VII 2018.

    27 Andres Söödi e-kiri autorile, 15. VII 2018.

    28 Valentin Kuigi e-kiri autorile, 18. VII 2018.

    29 Valentin Kuigi e-kiri autorile, 19. VII 2018.

    30 Andres Söödi e-kiri autorile, 11. VII 2018.

    31 Vastab Valentin Kuik. — Teater. Muusika. Kino, 1997, nr 3, lk 8. Vestles Toomas Raudam.

    32 Andres Söödi e-kiri autorile, 15. VII 2018.

    33 Virkko Lepassalu 2013. Sherlock Holmes ja D’Artagnan jalutasid tegelikult Tallinnas. — Pealinn, 4. II.

    34 Jaak Ellingu e-kiri autorile 15. VII 2018.

    35 Jaak Ellingu e-kiri autorile 3. VIII 2018.

    36 Peeter Ülevainu e-kiri autorile, 17. VII 2018.

    37 Этэри Кекелидзе 2005. Таллинн — Олимпийская столица. — МЭ Суббота, 16. VII.

    38 Samas.

    39 Andres Söödi e-kiri autorile, 12. VII 2018.

    40 Andres Söödi e-kiri autorile, 19. VII 2018.

    41 Valentin Kuigi e-kiri autorile, 19. VII 2018.

    42 Valentin Kuigi e-kiri autorile, 19. VII 2018.

    43 Heli Speek 1981. Tõusuteel ei kohtu kõik. — Sirp ja Vasar, 31. VII.

    44 Arvo Iho 1981. Kaks pilku ühele sündmusele. — Sirp ja Vasar, 14. VIII.

    45 Hagi Šein 1982. Üksi 58 vastu. — Teater. Muusika. Kino, nr 4, lk 55.

    46 Traadid Söödist. — Teater. Muusika. Kino, 1983, nr 8, lk 17.

    47 Tatjana Elmanovitš 1986. Inimene aknal. Märkmeid Andres Söödi filmidest. — Teater. Muusika. Kino, nr 2, lk 27.

    48 Filmiankeet. — Teater. Muusika. Kino, 1986, nr 2, lk 62.

    49 Sulev Teinemaa 1991. Eesti film kaheksakümnendatel aastatel. — Vikerkaar, nr 6, lk 76.

    50 Koondprogramm „Kadunud lindid” — valik Nõukogude Eesti dokumentaalfilme (2012). Rahvusvahelise dokumentaalfilmide festivali „Docpoint 2012” koondprogrammis esitati esinduslik filmivalik kaheksalt väljapaistvalt Eesti filmidokumentalistilt. Vt https://www.efis.ee/et/filmikollektsioonid/kadunud-lindid

    51 Vrd „Tuletoojate marss”, mis on Uno Naissoo 1980. aasta suveolümpiamängude purjeregati avamise tuletseremoonia tarbeks kirjutatud muusikapala, mille esmaettekannet Naissoo ise ei kuulnud. Tänapäeval kasutatakse seda pala võidupühal võidutule toomise ja jagamise ajal.

    52 Abrams Klockins 1981. Kunstniku maailm ja selle mõõtmed. — Sirp ja Vasar, 17. IV.

    53 Arvo Iho 1981. Kaks pilku ühele sündmusele. — Sirp ja Vasar, 14.VIII.

    54 Mihhail Lotman 1987. Märkmeid Andres Söödi kunstilise maailmamudeli kohta. — Teater. Muusika. Kino, nr 3, lk 36.

    55 Mart Taevere 2009. Andres Sööt — mees nagu film. —Postimees, 4. II.

    56 Tõsielufilm ajapeeglis (ringküsitlus). — Teater. Muusika. Kino, 1983, nr 4, lk 26.

    57 Toomas Vint 1983. Tantsud Mozarti saatel. — Toomas Vint. Tantsud Mozarti saatel. Tallinn: Eesti Raamat, lk 140.

    58 „Снимать беспристрастно никогда не получается…” Документалисты размышляют: Сергей Дворцевой, Виталий Манский, Виктор Лисакович, Игорь Калядин, Андрей Осипов. — Kinoved­cheskie zapiski (nr 59, 2002).

    59 Valentin Kuik 1979. Andres Söödi tõsielufilmid. — Sirp ja Vasar, 26. I.

  • Arhiiv 02.08.2022

    ÜHEST ÕNNESTUNUD KLASSIKATÕLGENDUSEST: ARDO RAN VARRESE „PÕRGUPÕHJA UUS VANAPAGAN”

    Jüri Kass

    Ardo Ran Varrese ooper „Põrgupõhja uus Vanapagan”. Kristi Klopetsi libreto Anton Hansen Tammsaare samanimelise romaani järgi. Esietendus Teater Vanemuises 6. V 2022.

     

    Ardo Ran Varrese „Põrgupõhja uus Vanapagan” mõjub eesti uuema muusikateatri kontekstis üsna värskelt. Selle põhjuseks on aga paradoksaalselt ooperižanri võrdlemisi traditsiooniline käsitlus. Erinevalt paljudest teistest eesti nüüdismuusika loojatest ei püüa Varres ooperižanri dekonstrueerida või sellega mingisse kontseptuaalsesse dialoogi astuda, vaid pigem kasutada ära žanri pakutavaid võimalusi. Tulemuseks on heas mõttes pretensioonitu lähenemisviis, mis aga ei tee järeleandmisi kvaliteedis.

    Varrese „Põrgupõhja” balansseerib osavalt kahe peamise positsiooni vahel, millelt ooperis lahti rulluvat draamat tavaliselt artikuleeritakse ja mida lühiduse mõttes võib nimetada ooperi tundvaks ja tegutsevaks ehk sisemiseks ja väliseks pooleks. Näiteks numbriooperis vastaksid neile arhetüüpidena aaria ja retsitatiiv. Aaria kui narratiivne tsesuur peatab tavaliselt tegevuse ning sukeldub tegelase siseilma, väljendades tema suhet toimuvaga. Aarias domineerib muusika teksti üle. Retsitatiiv esindab aga tegevust. Selles domineerivad tekst ja sündmused muusika üle, muusika artikuleerib siin pigem toimuvat, kui loob omaenda, tegevusest sõltumatut reaalsust.

    Muidugi tuleb rõhutada, et praktikas avalduvad need kaks poolust harva absoluutselt: on tavaline, et aaria sisaldab muusikalisi elemente, mis viitavad tegevuslikkusele või välistele sündmustele, ning ka retsitatiivides ei puudu suhe toimuvaga. Viimane võib retsitatiivides olla vägagi reljeefselt väljendatud, kuid erinevalt aariast puudub sellel üldistav tasand, mistõttu suhe toimuvaga aitab retsitatiivis mõneti paradoksaalselt rõhutada just aset leidvaid sündmusi.

    Numbriooperis on tundev pool ja tegutsev pool teineteisest vormiliselt eraldatud ja tasakaalus. Tasakaal säilib ka wagnerlikus muusikalises draamas, milles kaks poolt sulavad vormiliselt kokku. Ooperi edasises arengus hakkab aga üks pool teise üle domineerima. Helistruktuuri mõttes võib ühe aspekti domineerimisest põhjustatud lahknemist täheldada tegelikult juba Wagneri enda loomingus, näiteks tema muusikadraamade „Reini kuld” ja „Tristan ja Isolde” sissejuhatavaid takte võrreldes. Harmooniliselt esindab „Reini kuld” puhast paigalseisu ehk tegevusetust — kogu sissejuhatuse jooksul kõlab ainult üks harmoonia või akord — ning „Tristan” absoluutset liikumist ehk tegevust — selles on iga harmoonia mingis mõttes ettevalmistuseks järgnevale harmooniale, mis loob mulje lõppematust muusikalisest protsessist.

    Pärast Wagnerit oli võimalik kolm suunda. Esimese suuna puhul säilis vähemalt taotlusena tundva ja tegutseva ehk sisemise ja välise tasakaal, kuid seda nüüd juba posttonaalse personaalstiili kontekstis. Teise suunana võimendati tegevuslikku aspekti ja distantseeriti vaataja selle kaudu tegelaste siseilmast. Ning kolmanda suunana võimendati, vastupidi, tegelaste siseilma ning distantseeriti vaataja selle kaudu ooperi tegevustikust.

    Ardo Ran Varrese ooper „Põrgupõhja uus Vanapagan”. Teater Vanemuine, 2022.
    Jürka — Koit Soasepp, Lisete — Karmen Puis ja Ants — Rasmus Kull.

    Esimest lähenemisviisi võiks nimetada traditsiooniliseks, sest hoolimata helikeele uuendamisest, mis võis mõnikord olla radikaalne, ei lõhutud siin põhimõtteliselt ooperi kui klassikalise draama struktuuri. Teist suunda saaks seostada mõningate neoklassikaliseks tituleeritud lähenemisviisidega, milles vormiliste struktuuride rõhutamine ja end pidevalt teadvustav stiil blokeeris kuulajal olulisel määral muusika nn vahetu või emotsionaalse vastuvõtu. Kuid veelgi enam esindasid teist suunda minimalistlikud ja postminimalistlikud ooperid, milles võimalikest aariatest jäi järele ainult kest. Sellistes ooperites ei reageerinud muusika mitte teksti emotsionaalsele sisule, vaid pigem selle foneetilistele aspektidele ja isegi mainitud aspektid ei moodustanud enam mingit iseseisvat kategooriat, vaid olid allutatud edasi rühkiva rütmi masinlikule mehaanikale.

    Teise suunaga saab seostada ka postmodernistlikku stiilide eklektikat, milles pinnaline efekt saavutati erinevate stiilide semantilise nivelleerimise kaudu — muusika võis sisaldada ohtralt kontraste, aga see oli kaotanud võime midagi vahetult edasi anda. Ka sellisel puhul olid tegelased vaataja eest justkui peidus ning samastumist nendega ei tekkinud. Ühe näitena sellisest ooperist võib tuua Timo Steineri „Kaks pead”, milles kõike valitsev grotesk surus vaatajale peale piinava lähivaate kui ainsa positsiooni suhestumiseks ja välistas mis tahes üldistava plaani.

    Kolmanda suuna puhul jõutakse postdramaatilisse teatrisse. Selle suuna näitena võib tuua ühe teise hiljuti esietendunud eesti algupärandi, Tatjana Kozlova-Johannese muusikalise lavateose „söövitab.tuhk”. Mainitud teoses oli tegevustik niivõrd tagaplaanil, et ei saanud olla kindel isegi tegelas(t)e olemasolus. Sümptomaatiline oli ka libretost loobumine. Vokaalsolist (kui see ikka kehastab tegelast) häälitses, sageli kuuldavuse piiril, astudes aeg-ajalt interaktsiooni lavastuse teiste elementidega, koreograafiaga, pillide ja nende personifikatsioonidega mängijate näol. Vokalisti tegevust võiks tinglikult interpreteerida aaria esitamise või ansamblites osalemisena, aga see kõik oli antud vihjetena ja sellisena mõistetav vaid žanri laiema konteksti kaudu. Kogu tegevus oli peidetud, vaataja koges vaid peaaegu ebaisikulist reaktsiooni toimunule.

    Juula — Annaliisa Pillak, Jürka — Koit Soasepp ja Kirikuõpetaja/Pastor — Atlan Karp.

    Varrese lähenemisviis näib tegevat hüppeid kõikide eespool kirjeldatud lähenemisviiside suunas, kuigi lõppkokkuvõttes jääb valitsema traditsiooniline käsitlus. „Põrgupõhja” on muusikaliselt läbikomponeeritud draama, milles olulist rolli mängivad juhtmotiivid. Kahes esimeses vaatuses domineerivad pigem olustikulisus ja sündmused, mida artikuleerib võrdlemisi ühtlane ning mõõdukalt modernistlik (mõni võib ka öelda neoklassitsistlik) stiil. Kolmandas vaatuses kehtestub aga end kaua oodata lasknud ajatu plaan, muusika stiil muutub pehmemaks, kuigi mitte tingimata heakõlalisemaks või konventsionaalsemaks. Kuigi traditsiooniline, on selline võte siin kindlasti õigustatud, sest see päästab teose mõnevõrra robustsest üheplaanilisuse muljest, mis kahe esimese vaatuse põhjal võib tekkida. Samuti kehtestab sellise võtte kasutamine protsessuaalsuse muusikalisel tasandil, mis kuni kolmanda vaatuseni sörgib sündmustel pigem sabas.

    Varres on muidugi — erinevalt paljudest teistest nüüdisheliloojatest — hea teatritundja eelkõige selles, mis puudutab teatri toimimist praktilisel tasandil. See on ühelt poolt hea, kuid teiselt poolt ähvardab liigtundjat takerdumine kindlalt töötavatesse stampidesse. Kuna Varres on võtnud ka mõningaid riske, siis on tal õnnestunud professionaalsest mugavustsoonist üsna edukalt välja tulla. See on eriti hinnatav traditsioonilise muusikateatri kontekstis, milles erinevalt eksperimenteerivamatest lähenemistest on „dramaturgilised loksud” kohe tajutavad.

    Üks selliseid „lokse” on minu arvates Jürka ja Juuli laste sissetoomine kolmandas, ooperi viimases vaatuses. Olen analoogilisest dramaturgilisest probleemist kõnelnud eesti uuema ooperiga seonduvalt juba varem. Klassikalises dramaturgias ei saa loo lõpus tuua sisse tegelast või tegelasi, kellel puudub sisuline seos eelnevaga ja keda artikuleeritakse lahtirulluva draama põhiosalistena. Lõpuvaatuses ei ole lihtsalt enam piisavalt aega tegelase ülesehitamiseks — ja muusikateatris võtab see aega veelgi rohkem kui sõnateatris — ning tema orgaaniliseks istutamiseks faabulasse. Sellise tegelase sissetoomise efektiks on sisuliselt uus, aga kiirustamisest tingituna formaalne ja justkui traageldatud lugu, mis hakkab põhiloo terviklikkust murendama. Ma ei taha öelda, et laste teemat ei oleks pidanud ooperis üldse markeerima, kuid ooperi vormilisele tervikule oleks ilmselt paremini mõjunud nende artikuleerimine mõnes teises, rohkem virtuaalses plaanis, näiteks Juula mälestustena — Juula monoloog viimases vaatuses andnuks selleks mitmeid võimalusi.

    Üldiselt on Tammsaare romaani ülekandmine ooperi raamistikku Varrese teoses siiski õnnestunud. Teades, kui palju aega võtab muusikas millegi väljaütlemine, eeldab olemasoleva kirjandusteose põhjal libreto kirjutamine head oskust puhastada tekst kõigest kõrvalisest, muuta see peaaegu ilmetuks ja skemaatiliseks ning loota, et muusika kõik selle, mis tekstist eemaldatud, viimasele tagasi annab. See eeldab omakorda väga head loomingulist klappi libretisti ja helilooja vahel ning näib, et selles ooperis on see olnud olemas.

    Jürka — Koit Soasepp ja Ants — Rasmus Kull.

    Varrese soovimatus teha Tammsaare romaanist oma ooperis midagi muud, on meie kaasaegse kunsti tavapärase pretensioonikuse valguses üsna sümpaatne. See on hinnatav ka seetõttu, et Tammsaare samanimeline romaan pole ooperi ainesena tegelikult nii enesestmõistetav, nagu võib esmapilgul tunduda. Eelkõige sisaldab romaan arvukalt detaile, millest ooperis saab kasutada vaid kaduvväikest osa. Kuid veelgi tugevamat vastupanu osutab ilmselt romaani eepiline kulgemisloogika, milles klassikaline dramaturgiline põhimõte, mis ütleb, et „kui püss on esimeses vaatuses laval, peab see viimases vaatuses pauku tegema”, väga hästi ei tööta. Tammsaare romaani põhjal pole ilmselt võimalik luua dramaturgiat, milles draamat suunavad primaarselt tegelaste omavahelised suhted, nende omavaheline vaen, sõprus või armastus. Need tunded on muidugi olemas nii romaanis kui ka ooperis, kuid pigem kaasaannetena, elu kulgemise paratamatute kaasnähetena. Üks näide — klassikalises ooperis olnuks loogiline, et Jürka annab viimases vaatuses vastust oma esimese naise hülgamise eest, kusjuures kättemaks Jürkale pidanuks tulema kas esimese naise või mõne temaga otseselt seotud persooni kaudu. Kuid midagi sellist romaanis ja ooperis ei juhtu. Sündmuste lahtirullumise mingis faasis esimene naine teatavas mõttes lihtsalt unustatakse, nii nagu see juhtub tavaliselt eluski.

    Varrese Tammsaare-truu lähenemisviis erineb seetõttu põhimõtteliselt näiteks veel ühest võrdlemisi hiljuti välja toodud algupärandist, Tõnu Kõrvitsa ooperist „Liblikas”. Viimases kasutati helilooja Andrus Kivirähki lühiromaani pigem inspiratsiooniallikana, kusjuures sündmustikust rohkem — kuigi just sündmustiku kaudu avaldub lõpuks Kivirähki romaani mõneti sõnastamatu „moraal” — huvitas heliloojat liblika kujund ja selle võime genereerida erinevaid muusikalisi struktuure. Seetõttu muutus sündmustik selles ooperis formaalseks, teatavaks raamistikuks või justkui õigustuseks muusikalisi ideid just lavateosena vormistada.

    Maia — Pirjo Jonas ja Juula — Annaliisa Pillak.
    Taavi Lutsari fotod

    Varres midagi sellist ei tee. Ta ei säilita oma ooperis mitte ainult romaani üldist tegevuskäiku, vaid annab vägagi tammsaarelikult edasi ka tegelasi: Tammsaare Jürka ning Varrese ja Koit Soasepa loodud lavakuju teineteisest nii väga ei erinegi. Kuid truuduses meie romaaniklassikule läheb Varres isegi kaugemale. Eelnevalt kirjeldatud lähenemisviisi valguses võib Varrese ooperit mõista kui pikka liikumist arhetüüpsest retsitatiivist arhetüüpsesse aariasse. See tähendab, et ooperi alguses säilitab autor lähivaate ja pigem väldib liiga suurte muusikaliste üldistuste loomist. Kuid nagu juba eespool öeldud, asendub see kolmandas vaatuses üldisema, tegevusest järk-järgult distantseeruva plaaniga. See on seda huvitavam, et tegevus iseenesest ei lakka, kuid selle ja tegelaste siseilma vahele tekiks nagu mingi sein; muusika ei reageeri enam alati toimuvale, vaid loob selle kõrvale oma üldistavama reaalsuse. On positiivne, et loodud reaalsus pole moraliseeriv, vaid pigem mõistev ja mõtestav.

    Siin teeb Varres midagi väga sarnast Tammsaarele — otseselt lootust andmata laseb ta siiski kuskilt läbi kumada selle võimalikkusel. See tähendab, et Varrese ooper läbib sama teekonna mis Tammsaare romaangi: kuulajat hoitakse kinni sündmuste virvarris, kuid lastakse sellest mingil hetkel äkki lahti, samas mingit lahendust pakkumata. Ja selles vabanemise, isegi kaaluta oleku tundes mõistab kuulaja järsku toimunud sündmuste sõnastamatut ja lunastavat tõde.

  • Arhiiv 01.08.2022

    ÕÕVAORU LOOD

    Jüri Kass

    Ei saa öelda, et Amsterdami tantsukooli School for New Dance Development (SNDO) oleks just ülekülla palju eestimaiseid koreograafe lõpetanud, küll aga on vaid paari kuu jooksul enamik neist Eestis soolodega välja tulnud. Siinsele mõttearendusele andsid peamise tõuke Netti Nüganeni „Müüt: päeva äärel”, Jette Loona Hermanise „Elegy of Ergot” („Tungaltera eleegia”), Johhan Rosenbergi „Traps” („Lõksud”) ja neist tegijatest põgusa hetke varem sama kooli lõpetanud Maria Metsalu „The Well” („Kaev”). Lisaks sellele taasetendus Balti Tantsu Platvormi raames Eesti teatri tantsu­auhinnaga pärjatud, Hermanise ja Rosenbergi pisut laagerduda saanud „Eden Detail”. Samuti kaiguvad varasemast kuklas Nüganeni koos Laura van Bergemiga (samuti SNDO) loodud „Victoria saladus”, Hermalise soolo „Torque Vulnerati”, Rosenbergi „Kõdu” ja Metsalu „Mademoiselle X”. Neliku on täielikult kodustanud Kanuti gildi SAAL ja kolm lavastust leidsid esitamiseks koha Eesti Kunstiakadeemia galeriis, eeldatavasti põhjusel, et galerist Pire Sova kuulub koreograafidega samasse lo-fi müto­retrofutudüstoopilise esteetika lembelisse sõpruskonda.

    Kuna olen püüdnud ka varem kahel korral selle kamba ühisnimetajaid otsida, siis olen näinud nüüdseks ära kõik üheksa eelmainitud, Eestis etendunud lavastust. Üritan enesekordamise vältimiseks vaadelda etendajate tegemisi suurendusklaasi asemel satelliidi pilguga. Minu varasemad artiklid „Armastusega Amsterdamist” ja „…räppiv pulss ja toores liha…” leiab Sirbist. Võiks jääda tunne, et olen fanboy’na koreograafide sabas jõlkunud, kuid tegelikult pole see suhe kuigi lihtne ega roosiline olnud. Esimesel korral panin oma mõtted kirja puhtalt põhjusel, et lavadel nähtu jäi kaugeks ja esteetilised-dramaturgilised valikud tõmbasid vaiba alt ära. Samas oli neis lavastustes midagi meeliergastavalt küütlevat. Midagi, mis ei andnud end kätte ja samas ei lasknud ka lahti. Toona sõnastasin selle nii: „Ma ei tea, mis see on, mida ma nägin, aga see meeldis mulle.” Hakkasin otsima ühisnimetajaid, et mõista, kust võivad mingid valikud ja eelistused pärineda. Miks lavastuse osised logisevad? Kust pärineb õõvastav ekstaatiline ahastus? Miks näivad kõik lavastused justkui erinevate stseenidena ühest ja samast dramaturgilisest maailmast?

     

    Seks, õõv ja postinternet

    Kõik neli artisti suhestuvad selgelt postinterneti esteetikaga, mida vahel ka posthumanismina üritatakse serveerida. Selles on segunenud kõntsase ja limase materjali vastandamine kroomiselt läikivale steriilsusele. Muld, veri, savi, mörinad, kähinad versus kroomitud teras, tööstuslikud objektid, kahetuhandendate trance ja taotluslikult bad-taste retro-arvutigraafika.

    Kõik kunstnikud töötavad ka alastusega. Metsalu muutub, põlev küünal vagiinasse torgatult tiritammi tehes, inimkandelaabriks. Nüganen koorub etenduse alguses savi seest, keha katmas vaid üksikud niidid, ja varasemas lavastuses käsitleb naiselikkuse kuvandit Victoria’s Secreti pesumoodi uurides. Rosenberg masturbeerib Virmaliste „Naeru” saatel.

    Netti Nüganeni „Müüt: päeva äärel”.
    Alan Proosa foto

    Enamik lavastusi toimub väga sarnases, gootilikult kõhedas retrofuturistlikus keskkonnas, mille kattuvad elemendid on mõnikord niivõrd ilmsed, et olen neid võrrelnud Terry Pratchetti kettamaailma seeriatega. Mõnikord toimetatakse slummis, mõnikord tühermaal, kuid muumide vaimus võiks neist enamikku kutsuda „Õõvaoru lugudeks”. Kindlasti ei tahaks hakata koreograafidele ühe ja sama vitsaga nüplit andma, kuid ka kunstnikud ise pole varjanud üksteisele avaldatud mõju. Nüganen, Rosenberg ja Hermanis podisesid Amsterdami tantsukatlas koos ja seetõttu on neid märksa lihtsam näha ühise sõpruskonnana. Metsalu, kes lõpetas SNDO aastal 2016, seisab noorematest seeläbi põgusal distantsil, kuid seda rohkem pakub huvi sarnaste lõimede läbijooksmine tema loomingust. Stiililiste sarnasuste tõttu võib küsida, kas tegu on haridusliku koolkondlikkuse või üldisema Kesk-Euroopa tantsumaailma ajastuvaimuga. Kuna mu radar piirdub enamasti kodumaiste lavastustega, siis see vastus jääb kardetavasti laiema silmaringiga valdkonnainimeste kommenteerida.

     

    Mis see siis on, mida ma näen?

    Paratamatult ei pääse ma siinkohal teatrimaailma gatekeeper’i rollist ehk sunnist defineerida, kas nähtud etendused on tants, etenduskunst,
    performance-teater, multimeediaetendu­sed, hübriidlavastused või mis iganes muu asi. Kuigi SNDO näol on tegu tantsukooliga ja ka Kanut on olnud üldpildis uue tantsu elujõustamise keskus, näeb Amsterdami kool kurja vaeva, et tantsukunstile vastanduda. Pole midagi elujõulisemat kui iseend ja oma pärandit kahtluse alla seadev ja seljatav haridusasutus ning ka Kanut nimetab end nüüd etenduskunstide keskuseks.

    Kuuludes selleaastasesse etenduskunstide žüriisse, tuleb mul paratamatult aeg-ajalt vastata, mis imeloom see etenduskunst siis on. Nimetan seda ise pigem lavastuslikuks krantsvormiks. No et saksa lambakoer pole, taksikoer pole, aga vaat nüüd üks peni pani teist ja sündis krants, kellel on mõlema tunnused, aga kennelliit ei ole nõus tõudokumente väljastama. Paraku, nagu mu loomaarstist vanaema ikka ütles, on kõige elujõulisemad ja vähim tohterdamist vajavad koerad alati krantsid. Sedasi defineerib ka etenduskunst end enamasti läbi eituse. Need on etendused, mida ei lähe vaatama ei sõnalavastuste ega balleti ega muusika žürii ning ka tantsukunst tunneb identiteedilist häbi, et on liialt hübriidvormidelembene ja on seetõttu puhtaverelise lihakehaga tähenduste loomise rambivalgusest välja jätnud.

    Jette Loona Hermanise „Elegy of Ergot” („Tungaltera eleegia”).
    Dalia Viškelytė foto

    Piiriületused Schengeni alas

    Etenduskunsti jõud peitubki praegusel hetkel terminoloogilises allumatuses. Niipea kui piirid paika saad, tuleb kusagilt mõni tegelinski, kes varbad üle ajab ja ütleb, et teate, minu arust on see ka etenduskunst, kui ma vaat nii teen. Ja ongi etenduskunst, loed sa siis väikelinna pargis kõnesid ette või jalutad, kõrvaklapid peas, mööda linna ringi. Etenduskunstide eristamisega muudest teatrivaldkondadest on veidike nagu erootika eristamisega pornost. Nagu sõnas 1964. aastal USA kohtunik Potter Stewart, ei oska ta selgitada, mis on porno ja mis mitte, aga ta tunneb selle ära, kui ta seda näeb. Defineerimisega etenduskunstidele päitsete panemisega satume sama dilemma ette nagu Maurice Maeterlinck tarkuse olemust sõnastades: „Kuid mis on lõpuks see tarkus, millest me niiviisi räägime? Ärgem katsugem teda määratella liiga täpselt, sest see tähendaks teda vangistada. Kõik, kes seda on katsunud, sunnivad mõtlema inimesele, kes kustutaks valguse selleks, et uurida valguse iseloomu. Ta ei leiaks midagi peale mustunud tahi ja tuha. (—) Pole tarvis, et tarkusel oleks kuju; ta ilu peaks olema niisama muutlik kui on leekide ilu. Ta pole liikumatu jumalatar, kes istuks igavesti oma troonil. Ta on Minerva, kes meid saadab, kes tõuseb ja laskub, nutab ja mängib ühes meiega. Te olete tõeliselt tark vaid siis, kui te tarkus muudab lakkamatult kuju teie lapseeast teie surmani. Mida kaunimaks ja sügavamaks muutub tähendus, mille annate sõnale tarkus, seda targemaks muutute; ja iga astmega, millele jõuame tarkuse poole tõustes, suureneb hinge silmade ees see ala, mida tarkus ei jõuaks kunagi läbi käia.”1 Vahetage sõna „tarkus” „etenduskunsti” vastu ja voilà! Seetõttu olen igasuguse defineerimise asemel üritanud keskenduda n-ö treenitud kõhutundele. Lihtsalt nähes piisavalt palju maalikunsti, hakkad paratamatult varem või hiljem kriitiliselt vahet tegema maalil „millise võiks ka mu viieaastane teha”, ja maalil, mille võiks tegelikult ka kellegi viieaastane teha. Kolm-neli korda nädalas teatris käimine ei ole minu jaoks täitmatu teatrijanu rahuldamine, vaid treening, mida eelistan jõusaalile.

    Olles ise nii praktik kui ka kirjutaja, mõistan enamasti tekkivat konflikti. Praktikuna on minu soov olla allumatu, defineerimatu, valdkondadeülene, rebel without a cause. Vaataja ja mõtestajana on mul vaja mingit tugiraamistikku, millele oma arvamusi ja tõlgendusi üles ehitada. On väga raske arvamust avaldada, kui isegi ei taba seda, millest midagi arvama peaks. Sedasi on kõige lihtsam pääsetee liigitada nähtusi läbi nende toimepanija ülikoolidiplomi. Mihkel Ilus on galeriiruumis skulptuure ehitades maalikunstnik, üritustel DJ ja helieksperimentaator „Made in Estonia” maratonil performance’it tehes ja Henri Hütiga Kanutis kapriisitsedes. Ainus asi, millega Mihkel viimasel ajal eriti tegelnud pole, on maalimine. Sedasi võiksid kõik SNDO lõpetanute etendused olla tantsulavastused.

    Piire on muidugi lõhutud kunstilise eneseväljenduse tekkimisest alates. Antiigis, renessansis, modernismis, just name it. Samuti on iga kunstniku areng üks suur sisemiste protestide, autoriteedikukutamiste ja piiririkkumiste jada. Ka laval endal hinge seest kiskumine, mis Viini aktsionistide valguses ninast kolli urgitsemisena näida võib, eeldab loojalt eneseületust. Samasuguse piiride ületamisega tegelevad ka teatrivaatajad. Kelle jaoks puudutavad valuläve „Mefisto” lõpustseenis langevad sinimustvalged haakristid, kelle kõlblustunnet rüvetab Metsalu „Mademoiselle X-is” vagiinasse torgatud põlev küünal.

    Johhan Rosenbergi „Traps” („Lõksud”).

    Dramaturgiline üleolek või altminek?

    See piirituse küsimus muidugi tuletab meelde Vietnami kindrali Võ Nguyen Giapi sõjatarkust, et kui suurendad territooriumi, siis kaotad kontsentratsiooni ja kui suurendad kontsentratsiooni, siis kaotad territooriumi. Väljudes valdkondlikust tugistruktuurist, kaotavad veidike jalgealust nii etendaja kui vaataja, eriti kui nähtule tuleb ka mingi hinnang anda. Kohati on tunda, et kui etenduskunstnikud end väga laiale alale laotavad, venib ka kontseptuaalne sügavus üpris õhukeseks.

    Sattusin etenduskunstide ja füüsilise teatri stammkundeks otse kaasaegse kunsti väljalt. Mäluta ja süütult, ilma kolme õe, nukumaja või Godot’ta. Visuaalkunstides on kõiksugu piirid ja hierarhiad niivõrd sassi löödud, et kui keegi räägib skulptuuride vormilisest rikkusest või maalide värvidünaamikast, jääb tunne, nagu käiks jutt Kunstnike Liidu 1975. aasta kevadnäitusest. Seega, ühelt defineerimatu vormi ja amööbse terminoloogiaga alalt teisele minnes maapind kõikuma ei hakanud. Kas tegu on ikka teatriga, jääb enamasti endale esitatavate küsimuste seas viimaste hulka. Alustuseks küsin näiteks, kas see, mida ma näen, on huvitav, kas see intrigeerib ja puudutab kuidagi, kas nähtav tabab mingit sotsiaalset, emotsionaalset või eksistentsiaalset närvi, kas etendustiimi raisatud raha ja energia on tulemust väärt, kas minu kulutatud raha ja energia oli kogemust väärt, kas nüüd oleks õige hetk plaksutama hakata vä.

    Maria Metsalu „The Well” („Kaev”).
    Alan Proosa fotod

    Ka siinset õhukesel jääl kakerdamist mõistan hästi, sest süütu ja süüdimatu vaatajana jääb mul vajaka võimest hinnata meisterlikkust. Olles lõpetanud EKAs sepakunsti eriala, saan väga hästi aru, kas objekt on hästi või halvasti keevitatud. Või nagu märgib Kivisildnik, luuletamine on tehniline ala. Kes tehnikat ei valda, ei saa ka luulet kirjutada ega lugeda. See, kas auto sõidab või ei sõida, ei ole maitseküsimus — mootoririke on tehniline probleem2. Sama käib installatsiooni, maali, romaani ja teatri kohta.

    Kui ma ühest varasemast vestlusest Hermanisega õigesti aru sain, siis SNDOs klassikalisele dramaturgiale erilist rõhku ei pandagi. Sedasi võib juhtuda, et üldkompositsioonilist pinget taga ajades otsin nõela heinakuhjast, kuhu seda kaotatud ei ole. Pigem keskendutakse koolis isikupõhisele arengule ja soodustatakse everything goes stiilis hullamist, et vabastada end teatraalsete eelarvamuste kütkeist. Vaatajana olen harjunud tavapäraste loo arendamise mustritega. Hakatakse teemat arendama, viiakse asi esimesse haripunkti, seejärel muudetakse kurssi ja tegeldakse teemaga uue nurga alt edasi; võimalik on ka mingi vahemäng ning teise (eelmisest kõrgema) kulminatsiooni lõpetab black-out, aplaus. Metsalu kordab „Mademoiselle X-s” sama kümneminutilist stseeni, kuni rahvas vaadata viitsib. Hermanise lavastused toimivad kui konkreetse alguse, kulminatsiooni või lõputa, ühtlases tempos kulgevad mütopsühhedeelsed tripid. Kui Rosenbergi „Kõdu” lõpus oli rahvas valmis juba plaksutama, avanes EKA galeriid kaldauditooriumist eraldav vahesein ning teise ruumi suunatud publik pidi kuulama pikka ja eelnenuga raskesti seostatavat loengut. „Trapsis” oli Rosenberg küll suhteliselt klassikalisel moel läbi lavastuse liikunud, kuid lõpupaugu asemel hakkas ta kahe etendusega raskesti seostuva stseeniga täispuhutud pallist taas õhku välja laskma. Lõpuks jäi etendaja lihtsalt maha surnut mängima. Osa publikust hakkas omavahel juttu ajama, osa saalist välja liikuma, sest etenduse tempo oli nii maha tõmmatud, et vaevalt midagi enam järgneda sai; mõni proovis plaksutada. Poolte lavastuste puhul pidi etendaja ise lavalt ütlema, et nüüd on asi läbi ja võib ära minna.

    Olen siin juba nii kaua jauranud, et võiks kuidagi väljajuhatavalt teemat kokku võtma hakata, aga SNDO kasvandike vaimus jätan asja lihtsalt suvalisest kohast katki ja ütlen, et…

    Jette Loona Hermanise ja Johhan Rosenbergi „Eden Detail”.
    Eliann Tulve foto

     

    Viited:

    1 Maurice Maeterlinck 1936. Tarkus ja saatus. Tlk Aleksander Aspel, lk 71–72. Tartu: Loodus.

    2 Pille-Riin Larm 2015. Kuidas teha Jürgen Rooste selg prügiseks? — Sirp 23. X 2015.

     

    URMAS LÜÜS (snd 21. X 1987) on lõpetanud Eesti Kunstiakadeemia sepakunsti erialal ja „rahuldab nüüd lobisemisnälga” EKA disainiteaduskonna lektorina. Tegutseb valdkondadeülese kunstniku ja disainerina Tallinnas Hobusepea tänava ateljees. Kirjutanud varasemalt väljaannetele Sirp, Kunst.ee, Müürileht, ERRi kultuuriportaal, Art Jewelry Forum, Klimt02, Postimees, Eesti Päevaleht, Edasi.org ja Kunsthandverk.

Leia veel huvitavat lugemist

Hea laps
LR
Keel ja kirjandus
Akadeemia
Kunstel
Muusika
Sirp
Õpetajate leht
Täheke
Looming
Vikerkaar
Värske Rõhk
Müürileht

Leia veel huvitavat lugemist